Crítica
Ouvimos: Zé Manoel, “Coral”
- Coral é o quinto álbum do cantor e compositor pernambucano Zé Manoel, com produção de Bruno Morais. O músico baiano Luisão Pereira, que saiu de cena em março de 2024, participou da produção da faixa-título com Bruno. Pipo Pegoraro dividiu com Morais a produção da vinheta Piano fun.
- Nomes como Luedji Luna, Alessandra Leão, Liniker, Isadora Melo, Rafaela Acioli, e o arranjador Ubiratan Marques, entre outros, participam do álbum.
- “Gravar o álbum foi um processo desafiador e gratificante. Iniciado no ano passado, com pausas e retomadas, a gravação incluiu momentos notáveis, como a reinterpretação de Malaika, uma canção africana que ficou conhecida pela interpretação de Miriam Makeba e que foi adaptada para o português em colaboração com Arthur Nogueira, e a gravação de Golden com Gabriela Riley, que originou o nome inicial do álbum”, diz Zé Manoel no texto de lançamento do álbum.
Artista brasileiro de musicalidade inspirada e incomum, Zé Manoel aproveita para desafiar, em Coral, toda e qualquer ideia que ainda resta a respeito da preferência atual do público por músicas curtas e concisas. Abre logo seu novo disco com uma música em inglês, de cinco minutos, Golden, dividida com a cantora Gabriela Riley. Uma canção jazzística e pop, na qual os vocais do solista do álbum nem sequer aparecem com destaque, cedendo espaço para seu piano, para as intervenções orquestrais e para a bela voz da convidada.
Do começo ao fim, Coral segue na mesma trilha contemplativa, às vezes lembrando uma visão particular e orquestral do jazz e do soul, de seus álbuns anteriores. Só que dessa vez o músico pernambucano surge bem mais arrojado – diria-se até mais pop, embora o foco no álbum seja claramente a ampliação de universos, a beleza musical, a união de épocas diferentes num só disco, e a junção de referências. Como na bossa-soul de Canção de amor para Johnny Alf, levada adiante por guitarra, piano Rhodes e um discreto sintetizador. Ou no peso e no balanço afro-brasileiros de Iyá mesan, dividida com Alessandra Leão – e quase um desdobramento cantado do trabalho do saudoso Letieres Leite e da sua Orkestra Rumpilezz.
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Zé Manoel retoma o inglês em Above the sky, um soul que lembra uma união de Tim Maia e Azymuth (mas com os vocais tranquilos do protagonista no álbum). Divide com Liniker a composição da sofisticada balada blues Deságuo para emergir e soa quase ambient na bossa marítima Coral, um cântico marcado por notas de piano quase mântricas.
Um material que divide o álbum com canções de sonoridade pura, como Malaika (versão em português de um tema do folclore da Tanzânia, com Luedji Luna dividindo os vocais) e Siriri (adaptação de Siriri-sirirá, do pernambucano Onildo Almeida). Esses dois lados de Coral, aliás, encontram-se no equilíbrio do tema afro Menina preta de cocar – aberto com um trecho de percussão que remete ao sucesso Queixa, de Caetano Veloso. Uma MPB realmente nova.
Nota: 9
Gravadora: Independente
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
- Um tributo português a David Bowie
As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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