Crítica
Ouvimos: Replacements, “Tim (Let it bleed edition)”
- Tim, lançado em 18 de setembro de 1985, é o quarto disco dos Replacements e o primeiro pela Sire/Warner. Foi também o último com o guitarrista Bob Stinson, demitido em 1986 por ultrapassar os limites de bebedeira e doideira do grupo (!). Na época, alcançou sucesso moderado, mas teve críticas bem positivas.
- A Let it bleed edition, lançada agora pela Rhino, é uma reedição turbinada com o álbum original remixado pelo produtor Ed Stasium, além de um CD de raridades e um ao vivo. Foi batizada assim como uma brincadeira com o álbum de mesmo nome dos Rolling Stones – e o álbum anterior dos Replacements, de 1984, se chamava Let it be, mesmo nome do disco dos Beatles. Resenhistas são unânimes em falar que o novo mix transformou Tim em outro disco, com gravação/mixagem superior.
Dizem os teóricos do mundo corporativo que as pessoas são contratadas por seu currículo e demitidas por seu comportamento. No caso dos Replacements, algo se inverteu. Aliás o mundo ficou invertido por alguns momentos por causa deles. O grupo, que costumava encher a cara e sabotar os próprios shows especialmente quando sabia que ia se apresentar para uma plateia repleta de notáveis de gravadora, foi descoberto pelo dono da Sire, Seymour Stein, numa noite em que o executivo tinha tomado todas e precisou ser amparado por um amigo, que o levou para conferir a banda ao vivo. Parecia que ia dar liga.
Não só isso: quanto mais Paul Westerberg (voz, guitarra), Bob Stinson (guitarra), Tommy Stinson (baixo) e Chris Mars (bateria) subiam no palco doidões, mais o público gostava. Até porque os shows se tornavam imprevisíveis, o repertório abarcava uma gama inusitada de covers (de clássicos do pop meloso a músicas do Led Zeppelin, numa sequência que a banda chamava de pussy set). Alguém sempre saía se sentido afrontado (estamos falando dos anos 1980). A banda não parecia estar nem aí para nada – o que tornava tudo mais legal ainda. E os shows pareciam mais divertidos.
Pareciam, apenas. Vários anos de vícios, hábitos ruins e pelotas de “foda-se” cuspidas em momentos inadequados transformaram os Replacements no exemplo típico da banda que lida mal com o sucesso, desdenha de oportunidades, rasga dinheiro e leva a categorias perigosas o “não vou me vender” típico das bandas da origem indie. O sucesso não desistiu do grupo, que durou além do término real – com All shook down (1990), programado para ser a estreia solo de Paul Westerberg, sendo lançado como o último álbum da banda por ordem da Sire.
Tim (1985), quarto álbum e início da fase da banda na gravadora grande, e que ganha reedição turbinadíssima agora (com o nome de Let it bleed edition), já havia sido uma excelente introdução a um público maior. Um power pop feito com o pensamento tanto em fãs de Big Star quanto de Ramones, um punk rock ágil que soa como homenagem a Eddie Cochran e a bandas como Blondie e Dead Boys, com letras que mostravam o quanto custa simplesmente nem saber como se encaixar em padrões. E que lidam o tempo todo com um estranho jogo de sorte e azar – quando você nem sabe mais quando é sorte ou azar, enfim.
Era o disco da desencantada Here comes a regular (um relato dos dilemas da banda na época, com versos como “tudo o que sei é que estou farto de tudo que meu dinheiro pode comprar”), das revoltadas Bastards of young e I’ll buy, do boogie punk doidão Dose of thunder (“só leva um pouquinho até você querer uma tonelada”, diz a letra, cara de pau) e da homenagem às college radios em Left of the dial. Tinha romantismo em meio à tensão do dia a dia em Kiss me on the bus, e uma balada solitária ao estilo dos anos 1950 em Swingin party. Mas para ter uma ideia de como era lidar com os Replacements no dia a dia, só conferir a letra de Waitress in the sky, desomenagem a alguma aeromoça que mandou Westerberg apagar o cigarro durante um voo.
Uma discussão boa (e que rendeu um texto da Variety outro dia) é sobre a qualidade de gravação do disco, produzido por Tommy Erdelyi, o sujeito que um dia sentou na bateria dos Ramones e se chamou Tommy Ramone. Os vocais são uma piscina de reverb, as guitarras parecem transmitidas de um rádio AM, o baixo é inaudível quase sempre. Mas parece que a vontade de soar como uma banda independente dentro de uma gravadora grande falou alto – assim como havia falado alto também durante a gravação dos dois discos de um trio conterrâneo dos Replacements, o Hüsker Dü, na mesma Sire.
A Let it bleed edition melhora (e muito) isso com um mix alternativo feito por Ed Stasium, um ex-produtor dos próprios Ramones, que dá peso às músicas e corta os reverbs – e é esse remix que abre o pacote, seguido por um outro remix do original, várias demos e takes alternativos, e uma gravação feita ao vivo em Chicago, em 1986, unindo autorais e covers (de Nowhere man, dos Beatles, cantada por Westerberg no limite de seu alcance vocal, a Black diamond, do Kiss). No mix de Ed, Little mascara ganha mais um minuto e surgem vocais e teclados que haviam sido apagados do LP original. É quase um disco novo.
Uma descoberta, mais do que uma redescoberta. Tim nunca foi ouvido desse jeito, talvez nem pelos próprios Replacements. Que, pelo menos aqui, na reedição, tornam-se uma banda feliz em fazer parte de uma grande gravadora.
Gravadora: Rhino/Warner
Nota: 10
Foto: Reprodução da capa do álbum
RESENHA: Psicodelia, prog e tretas online: no novo do The Claypool-Lennon Delirium, Sean Lennon transforma polêmicas e herança familiar em combustível para um disco viajante.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Parrot-Ox Productions / ATO records
Lançamento: 1 de maio de 2026
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Sean Lennon é um sujeito controverso – só que, como o pai, ele sabe que controvérsia vende, chama atenção e cria demanda. Problema: passar tempo demais nas redes sociais torna você mais conhecido pelas discussões que protagoniza do que pela música que produz, e em especial, faz com que muitas vezes você não pense direito antes de postar e embarque na primeira controvérsia que vê pela frente.
Vai daí que muita gente passou a olhar de soslaio para o filho de John Lennon e Yoko Ono – um cara que já falou mal de quem defende o indefensável, mas que já foi visto como “anti-woke” por uma turminha animada e safada. Em The great parrot-ox and the golden egg of empathy, o extenso disco novo do The Claypool-Lennon Delirium (projeto que ele divide com o baixista e fundador do Primus, Les Claypool), a doideira musical e lírica é dividida com supostos comentários sobre a “vida internáutica” de Sean.
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Tipo em Troll bait, psicodelia sombria com ótimas guitarras, em que a letra diz coisas como “cuidado para não tropeçar no seu orgulho / analise o que o pai disse / ele está se engasgando com o próprio intelecto de novo / ele está se engasgando com o próprio intelecto / com dialeto binário”. A misteriosa Simplest of deeds, que lembra uma mescla de Primus e Syd Barrett, fala sobre a necessidade de ter um amigo do lado, e sobre como o blá-blá-blá diário confunde mentes: “falar é fácil / e falar raramente se traduz em ações / para ajudar a consertar as coisas, aliviar nosso sofrimento”.
Se isso aí é Sean falando sobre o que é às vezes cair em contradição, ou ser simplesmente mal-interpretado (well…), só ele pode dizer. Mas a meia faixa-título The golden egg of empathy surge como um belo testemunho de como é receber desprezo ou ódio puro só por você ser um ilustre nepobaby: “quando seu pai é rico / o mundo logo te considera um tolo (…) / toda essa tecnologia que você segura em suas mãos / é insignificante, desprovida de amor”, canta com a convidada Willow Smith, amicíssima de Sean, e também filha de celebridades.
Tem mais: a psicodelia infantil de The wake up call – adornada com uma cítara que lembra Love you too, dos Beatles – fala de problemas mais gerais e menos irônicos: no caso, o pai que detesta que o filho seja pintor e se preocupa que ele não seja “normal” (“você cheira a terebintina / seu quarto está uma bagunça / seus olhos estão na tela quando deveriam estar na bola / eu te amo, meu filho / mas você precisa acordar para a realidade”). Uma (vá lá) empatia que cheira mais a Roger Waters e a Pete Townshend do que a Frank Zappa – embora o criador do Mothers Of Invention meio que paire sobre The great parrot-ox, da mesma forma que o Lennon mais ilustre.
Em termos de som, é suave “imaginar” a música do The Claypool-Lennon Delirium sem nunca tê-la ouvido: deum lado slaps e solos de baixo de arrepiar (Claypool), do outro lado, vocais do fundo da alma e melodias irônicas (Sean). Há sons quase progressivos (Meat machines), progs espaciais (Heart of chrome, os treze minutos de It’s a wrap) e evocações até de Jeff Beck (no suíngue de The golden egg of empathy), além de pelo menos uma música análoga ao math rock (Cliptron scuttle).
Aliás, há em The great parrot-ox mil lembranças de bandas dos anos 1960 / 1970 bem interessantes: Moody Blues, King Crimson, Hawkwind, Hollies (o tremolo vocal de Heart of chrome). Todo um universo bastante linkado ao pai de Sean e ao prog pedra-lascada do Primus, e uma psicodelia bem mais real e terrestre. Pode ouvir sem esperar levar os sustos que você já levou com os posts de Sean.
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RESENHA: Entre incêndios, reconstrução e MPB roqueira, Flavio Vasconcelos transforma vivências do sítio Jatobá Peri em disco belo e afetivo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: YB Music
Lançamento: 10 de abril de 2026
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A história de Jatobá peri, quinto disco do cantor e compositor Flavio Vasconcelos, é absolutamente pessoal e afetiva: fala do sítio onde ele vive há cinco anos (cujo nome é Jatobá Peri), e conta causos do dia a dia por lá. Inclusive fala de uma história particularmente dramática na faixa-título: em 2023, um incêndio de grandes proporções se espalhou a partir de uma propriedade vizinha e atingiu o sítio, destruindo grande parte das árvores que o artista havia plantado – Flávio acabou tendo que ser hospitalizado, já que, na tentativa de conter as chamas, ele aspirou muita fumaça.
Jatobá peri, a música, é um dos mais belos e poéticos momentos do disco, falando de incêndio e reconstrução. Com participação de Ceumar, a faixa parte de uma cadência de baião no violão, e vai ganhando arranjos de cordas, num som belo, denso e orquestral. A MPB de Flavio parece não se contentar com o tropicalismo: Abro os olhos tem muito de Gilberto Gil nas linhas vocais, com metais que se erguem como numa música de Rogério Duprat – mas segue por um clima orquestral até mais próximo do som de Dori Caymmi, e ganha uma face roqueira até reta, pós-punk. Há um clima de surf music ou de faroeste nas guitarras de Mana, e uma onda que oscila entre o indie rock, Beatles e o Beto Guedes dos anos 1970 em Madeleine.
- Ouvimos: Antropoceno – No ritmo da Terra
Por dentro do clima brasileiríssimo do álbum, aliás, vêm mais emanações roqueiras, como o clima meio Odair José, meio britpop de Você vai ser feliz, e a vibe meio indie rock, meio Clube da Esquina de O mar estava em todos os meus amores – além do folk tranquilo, lembrando Paul Simon, de Across the sun. Romulo Fróes, que fez a direção artística do álbum, surge em Tarde, canção abolerada e orquestral, cheia de imagens amorosas na letra. Poema cíclico soa como um folk-de-câmera-na-mão, com algo de Gilberto Gil no violão e de Jards Macalé nas linhas vocais.
Uma curiosidade em Jatobá peri é a vibe misteriosa de Poesia mínima. Um rock marcial, misterioso, próximo do krautrock, e que chega a lembrar trechos das Gymnopédies, do francês Erik Satie. Na letra, Flavio fala de uma pessoa que “pintou estrelas no muro / e teve o céu ao alcance das mãos” – são os versos justamente da curtíssima Poesia mínima, da poetisa paranaense Helena Kolody (1912-2004), que ganha crédito de parceira na faixa. Uma canção de quatro minutos, bela, com repetições que poderiam se estender até por mais tempo, ligadas à tranquilidade de Jatobá peri.
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RESENHA: Cattle Grid mistura punk, metal, violino e ironia em EP feroz que zoa impiedosamente machismo, etarismo e masculinidade tóxica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 14 de maio de 2026
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Essa banda inglesa de mulheres queer faz punk rock – mas nem pense em ouvir “punk” como sempre foi feito. O Cattle Grid usa violino, tem evocações que vão das Slits ao AC/DC (Money mouth, uma das melhoes faixas, parece Slits no heavy metal) e letras bem irônicas. Cattle Grid, o primeiro EP, une até rock pauleira e sons ciganos na cerimonial Katastrofa (com letra cantada em búlgaro) – pra você ver até onde elas chegam.
- Ouvimos: Y – Enter (EP)
A dualidade punk metal marca vários momentos das cinco faixas de Cattle Grid, disco que tem até uma pequena onda blues em He’s my man, música na qual a auto-confiança hétera masculina é zoada impiedosamente (“ele sabe cuspir / ele pode chutar / ele pode conseguir tudo o que quiser / ele pode lutar, ele pode morder, tudo o que quiser”). A sacrílega Witches senta a mão no machismo e no etarismo (“eu nunca vou pintar meus cabelos grisalhos / eu nunca vou me casar / vou transar na meia-idade / não serei forçada a engravidar / e não terei vergonha”).
No final, o punk-metal charmoso Cat calling contest é um compêndio de imbecilidades masculinas (“tudo bem, querida, posso ter seu telefone / ei, você tem namorado? / ei, eu gosto da sua cabeça raspada! / ei, ah, qual é, eu só estou sendo legal / vocês são lésbicas?”). Uma ótima porrada sonora, e um disco que ataca monstros bem mais feios que o diabo.
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Ouvimos: The Claypool-Lennon Delirium – “The great parrot-ox and the golden egg of empathy”
Ouvimos: Flávio Vasconcelos – “Jatobá peri”
Ouvimos: Cattle Grid – “Cattle Grid” (EP)
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