Crítica
Ouvimos: Replacements, “Tim (Let it bleed edition)”
- Tim, lançado em 18 de setembro de 1985, é o quarto disco dos Replacements e o primeiro pela Sire/Warner. Foi também o último com o guitarrista Bob Stinson, demitido em 1986 por ultrapassar os limites de bebedeira e doideira do grupo (!). Na época, alcançou sucesso moderado, mas teve críticas bem positivas.
- A Let it bleed edition, lançada agora pela Rhino, é uma reedição turbinada com o álbum original remixado pelo produtor Ed Stasium, além de um CD de raridades e um ao vivo. Foi batizada assim como uma brincadeira com o álbum de mesmo nome dos Rolling Stones – e o álbum anterior dos Replacements, de 1984, se chamava Let it be, mesmo nome do disco dos Beatles. Resenhistas são unânimes em falar que o novo mix transformou Tim em outro disco, com gravação/mixagem superior.
Dizem os teóricos do mundo corporativo que as pessoas são contratadas por seu currículo e demitidas por seu comportamento. No caso dos Replacements, algo se inverteu. Aliás o mundo ficou invertido por alguns momentos por causa deles. O grupo, que costumava encher a cara e sabotar os próprios shows especialmente quando sabia que ia se apresentar para uma plateia repleta de notáveis de gravadora, foi descoberto pelo dono da Sire, Seymour Stein, numa noite em que o executivo tinha tomado todas e precisou ser amparado por um amigo, que o levou para conferir a banda ao vivo. Parecia que ia dar liga.
Não só isso: quanto mais Paul Westerberg (voz, guitarra), Bob Stinson (guitarra), Tommy Stinson (baixo) e Chris Mars (bateria) subiam no palco doidões, mais o público gostava. Até porque os shows se tornavam imprevisíveis, o repertório abarcava uma gama inusitada de covers (de clássicos do pop meloso a músicas do Led Zeppelin, numa sequência que a banda chamava de pussy set). Alguém sempre saía se sentido afrontado (estamos falando dos anos 1980). A banda não parecia estar nem aí para nada – o que tornava tudo mais legal ainda. E os shows pareciam mais divertidos.
Pareciam, apenas. Vários anos de vícios, hábitos ruins e pelotas de “foda-se” cuspidas em momentos inadequados transformaram os Replacements no exemplo típico da banda que lida mal com o sucesso, desdenha de oportunidades, rasga dinheiro e leva a categorias perigosas o “não vou me vender” típico das bandas da origem indie. O sucesso não desistiu do grupo, que durou além do término real – com All shook down (1990), programado para ser a estreia solo de Paul Westerberg, sendo lançado como o último álbum da banda por ordem da Sire.
Tim (1985), quarto álbum e início da fase da banda na gravadora grande, e que ganha reedição turbinadíssima agora (com o nome de Let it bleed edition), já havia sido uma excelente introdução a um público maior. Um power pop feito com o pensamento tanto em fãs de Big Star quanto de Ramones, um punk rock ágil que soa como homenagem a Eddie Cochran e a bandas como Blondie e Dead Boys, com letras que mostravam o quanto custa simplesmente nem saber como se encaixar em padrões. E que lidam o tempo todo com um estranho jogo de sorte e azar – quando você nem sabe mais quando é sorte ou azar, enfim.
Era o disco da desencantada Here comes a regular (um relato dos dilemas da banda na época, com versos como “tudo o que sei é que estou farto de tudo que meu dinheiro pode comprar”), das revoltadas Bastards of young e I’ll buy, do boogie punk doidão Dose of thunder (“só leva um pouquinho até você querer uma tonelada”, diz a letra, cara de pau) e da homenagem às college radios em Left of the dial. Tinha romantismo em meio à tensão do dia a dia em Kiss me on the bus, e uma balada solitária ao estilo dos anos 1950 em Swingin party. Mas para ter uma ideia de como era lidar com os Replacements no dia a dia, só conferir a letra de Waitress in the sky, desomenagem a alguma aeromoça que mandou Westerberg apagar o cigarro durante um voo.
Uma discussão boa (e que rendeu um texto da Variety outro dia) é sobre a qualidade de gravação do disco, produzido por Tommy Erdelyi, o sujeito que um dia sentou na bateria dos Ramones e se chamou Tommy Ramone. Os vocais são uma piscina de reverb, as guitarras parecem transmitidas de um rádio AM, o baixo é inaudível quase sempre. Mas parece que a vontade de soar como uma banda independente dentro de uma gravadora grande falou alto – assim como havia falado alto também durante a gravação dos dois discos de um trio conterrâneo dos Replacements, o Hüsker Dü, na mesma Sire.
A Let it bleed edition melhora (e muito) isso com um mix alternativo feito por Ed Stasium, um ex-produtor dos próprios Ramones, que dá peso às músicas e corta os reverbs – e é esse remix que abre o pacote, seguido por um outro remix do original, várias demos e takes alternativos, e uma gravação feita ao vivo em Chicago, em 1986, unindo autorais e covers (de Nowhere man, dos Beatles, cantada por Westerberg no limite de seu alcance vocal, a Black diamond, do Kiss). No mix de Ed, Little mascara ganha mais um minuto e surgem vocais e teclados que haviam sido apagados do LP original. É quase um disco novo.
Uma descoberta, mais do que uma redescoberta. Tim nunca foi ouvido desse jeito, talvez nem pelos próprios Replacements. Que, pelo menos aqui, na reedição, tornam-se uma banda feliz em fazer parte de uma grande gravadora.
Gravadora: Rhino/Warner
Nota: 10
Foto: Reprodução da capa do álbum
RESENHA: Em Thank you, Mike D, dos Beastie Boys, mistura drum’n bass, jungle, soul, rock e experimentação num disco de ideias soltas, humor e reflexões sobre traumas, capitalismo e a vida longe dos palcos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Universal Music Group
Lançamento: 28 de agosto de 2026
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Sabia que Thank you não é o primeiro disco solo do beastie boy Mike D? Bom, não é, pelo menos se você fizer questão de contar o secreto Country Mike’s greatest hits, um disco dos Beastie Boys com Mike à frente, lançado em 1999, e composto basicamente por paródias escrotaças de country. Um disco que faz parte de uma tendência pirata que o site Dangerous Minds chamou certa vez de “country ruim”, e que inclui discos como o corrosivo 12 golden country greats, do Ween (1995).
Thank you é o primeiro disco “beastie boy” de um beastie boy que, na prática, é um beach boy – Mike até produziu algumas coisas nos últimos anos, além de apresentar um podcast, mas sua principal ocupação foi pegar onda, além de colecionar pranchas e criar os filhos (que por acaso tocam com ele no disco). Thank you une a boa e velha vocação para caçador de sons e criador de novidades, a uma vibe de “altos astrais” e de papo psicoterapêutico – uma coisa que anda em moda hoje em dia.
Veja lá que Mike anda afiado nos assuntos: Make it stop fala de traumas, e pergunta coisas como “por que sempre permanece a mesma coisa? / por que sempre sinto a dor?”. Crypto fala de criptomoedas, capitalismo e gente passada pra trás. What we got brinca com sua própria condição de músico quase aposentado. Musicalmente, Thank you é um disco de ruídos, caos, beats, guitarras e experimentações – e tem algo a ver com Eu tiro é onda, estreia solo de Marcelo D2 (1998). Ambos são discos-teste, em que ideias, demos e coisas apenas iniciadas se tornaram canções.
Esse clima de teste que virou música dá as caras na abertura com Switch up – um drum’n bass em que a guitarra vem surgindo. E chega a faixas como o eletro-rock That’s right, a psicodelia dance de Secrets pt I e Secrets pt II e o videogame sonoro de Here we are. Aos poucos vão surgindo surpresas como True colors, uma viagem que passa por soul, Amen break, jungle e algo que lembra até psicodelia nordestina. What we got é um rock eletrônico que termina como um soul lo-fi voador, em clima de pegar ondas no céu – uma beleza até meio triste.
Há coisas irresistíveis em Thank you, como I don’t care (dance music que lembra um combinado Beck e Beastie Boys) e a kraftwerkiana Make it stop (quase um batidão funk). Os anos 1960 residem na “música das esferas” Back to start e as lembranças musicais de Mike dão as caras na faixa-título – um som derretido, gravado como que numa fita velha, e que lembra inicialmente uma balada de Tim Maia, só que rappeada. Thank you já não deve ser perdido por causa de seu valor histórico, mas musicalmente você acha muita coisa memorável lá. Até entre o que não parece engrenar.
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RESENHA: The complete Nazz reúne os três discos, demos e raridades da banda que revelou Todd Rundgren. Uma viagem pelo garage rock, sunshine pop, soul e psicodelia dos anos 1960, com várias joias esquecidas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Cleopatra Records
Lançamento: 16 de setembro de 2026
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Lançado agora em formato digital no Bandcamp, The complete Nazz traz todo o material de uma das bandas menos lembradas do rock norte-americano dos anos 1960. O Nazz gravou três discos entre 1968 e 1971 – o terceiro foi um “póstumo”, lançado mais de um ano após o fim do grupo, com material descartado do segundo disco -, foi bem pouco ouvido e pouco comentado, e tem como grande glória ter revelado a carreira de um sujeitinho narcisista chamado Todd Rundgren. Que era cantor, guitarrista, tecladista e principal compositor da banda.
Razões para o Nazz nunca ter feito sucesso de verdade não faltaram. Todd, Carson Van Osten (baixo), Thom Mooney (bateria) e Robert “Stewkey” Antoni (voz, teclados) eram moleques dimenores quando iniciaram a banda – o juizado jamais permitiria shows deles em certos circuitos. O Nazz era basicamente uma banda de garagem que estendia seus tentáculos até estilos como pop barroco e sunshine pop (estilo basicamente californiano, fincado em corais, melodias solares e psicodelia “família” tipo The Mamas and The Papas), o que já garantia alguma confusão na hora de apresentar a banda ao mainstream.
Só que mesmo tendo músicas ótimas, a proposta não era considerada exatamente original, nem mesmo a relação forma-função era positiva. Até porque, aproveitando as fuças bem diagramadas do rapazes, uma das primeiras ações dos empresários para promover a banda foi feita nas Caprichos e Queridas dos EUA nos anos 1960. O que tornava o Nazz uma banda diferente era (você pode imaginar) Todd Rundgren, cujo material de piano incluía baladas soul, soft rocks e material próximo do baroque pop.
Em pouco tempo, Todd seria inclusive mais conhecido como seguidor do piano vigoroso de Laura Nyro do que de bandas de garage rock. Mas vale dizer que, mesmo tendo Todd como principal autor, Nazz (1968), o primeiro disco, foi feito sob o signo da garageirice e da variedade. Com capa copiadíssima da de With the Beatles (1963), abria com a ótima Open my eyes, música de Todd que fazia uma refação bosssa nova (!) em I can’t explain, do Who (!!). Lembranças de bandas como The Band, Them, Beach Boys e o próprio Who baixavam em faixas como Wildwood blues, Back of your mind, Crowded e no acid rock de She’s goin’ down.
Agora, tinha também Rundgren unindo bittersweet e balanço em See what you can be, e reinando como baladeiro soul em nada menos que Hello, it’s me – aquela mesma canção que ele gravaria solo no disco Something anything (1972) com sucesso, e que aqui aparece numa versão bem primária. Já Nazz Nazz (1969), o segundo disco, era bem mais trabalhado no sunshine pop, cabendo belezas como Forget all about it, a mutante Meridian leeward, a garageira e solar Under the ice, o psych folk de Letters don’t count e a psicodelia solar de A beautiful song, com quase doze minutos e vibe lembrando o progressivo orquestral do Yes no disco Time and a word (1970).
Complementando, havia o southern rock de Rain rider, a onda Cream + Hendrix de Featherbedding lover e uma curiosa paródia de Birthday, dos Beatles. Era Hang on Paul, cujo título nada tinha a ver com Paul McCartney – o homenageado de versos como “é algo na sua arrogância / seu cérebro está cansado de esperar / você vai explodir aqui” era Paul Fishkin, que havia empresariado uma antiga banda de Todd e Carson. Já a baladaça Gonna cry today já trazia o Todd de discos como Runt: The ballad of Todd Rundgren (1971). Nazz Nazz é o melhor disco da banda.
The complete Nazz é completado (ops) com as faixas de Nazz III, lançado após o fim da banda, e que trazia o material descartado de Nazz Nazz – o segundo disco originalmente havia sido planejado como álbum duplo, mas acabou cortado para disco simples. Só aí os fãs conheceriam momentos legais como o psych folk Some people (que lembra o David Bowie de The man who sold the world, de 1970), a hendrixiana Magic me, a latinesca Kicks e as baladas You are my windows e It’s not that easy. Tem também vários out-takes e demos que saíram nos relançamentos dos três discos em CD. Vale muito a descoberta.
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RESENHA: Após anos de afastamento, Spike Fuck estreia com Evidence, disco que mistura rock dos anos 1950, glam, new wave e melancolia, com ecos de Johnny Thunders, Alan Vega, Lou Reed e Jesus and Mary Chain.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Sacred Bones Records
Lançamento: 2 de outubro de 2026
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Vindo de Melbourne, Austrália, Spike Fuck já havia se tornado uma lenda viva e atormentada. Após o EP Smackwave (2015), sua música forjada entre a new wave, o rock dos anos 1950 / 1960 e a música sombria, simplesmente desaapareceu. As drogas, os problemas de saúde, a psiqué debilitada e as desilusões da vida acabaram interrompendo sua carreira, que teve apenas singles e um disco ao vivo, Live from Underground (2025).
Evidence, primeiro álbum de Spike Fuck, vem em clima de total estreia, ou pelo menos de reapresentação de sua música. Apesar do rótulo “new wave” estar sendo citado por aí, o lance de Spike Fuck é bem outro: nomes como Johnny Thunders, Jesus and Mary Chain, Gene Vincent, Marc Bolan, Lou Reed e até a fase solo de Alan Vega (Suicide) pulam das oito faixas de Evidence, um disco às vezes sombrio, quase sempre triste.
Can’t get it up, na abertura, tem lembranças de The Cars, mas tem hiccups lembrando Gene Vincent e clima nostálgico-aprodrecido herdado de Alan Vega. Had your way, na sequência, une tudo isso a um romantismo herdado tanto dos anos 1960 quanto dos 1980, e a ruídos e ecos, enquanto Sweet relief é a balada romântica, saudosa e depressiva. E o romantismo sixties chega perto de ondas macabras em Bored to death.
As referências de The Cars surgem novamente em All by myself, uma música que nada tem a ver com o hit meloso de Eric Carmen – é um rock’n roll que une Ric Ocasek (dos Cars) e Gene Vincent, com a onda boogie de Marc Bolan e do T.Rex dando as caras na realista Getting sober. Blue light leva para o disco o lado folk e triste de David Bowie em discos como David Bowie (1969) e The man who sold the world (1970), com vocais em tom de oração.
O final traz os sete minutos de Hate me, balada country + doo wop lembrando Elvis Presley e The Platters, com sinos, tímpanos e clima dramático, além da mesma beleza sombria do álbum. Luzes e sombras do rock, parte mil.
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Ouvimos: Nazz – “The complete Nazz” (compilação)
Ouvimos: Spike Fuck – “Evidence”
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