Crítica
Ouvimos: Replacements, “Tim (Let it bleed edition)”
- Tim, lançado em 18 de setembro de 1985, é o quarto disco dos Replacements e o primeiro pela Sire/Warner. Foi também o último com o guitarrista Bob Stinson, demitido em 1986 por ultrapassar os limites de bebedeira e doideira do grupo (!). Na época, alcançou sucesso moderado, mas teve críticas bem positivas.
- A Let it bleed edition, lançada agora pela Rhino, é uma reedição turbinada com o álbum original remixado pelo produtor Ed Stasium, além de um CD de raridades e um ao vivo. Foi batizada assim como uma brincadeira com o álbum de mesmo nome dos Rolling Stones – e o álbum anterior dos Replacements, de 1984, se chamava Let it be, mesmo nome do disco dos Beatles. Resenhistas são unânimes em falar que o novo mix transformou Tim em outro disco, com gravação/mixagem superior.
Dizem os teóricos do mundo corporativo que as pessoas são contratadas por seu currículo e demitidas por seu comportamento. No caso dos Replacements, algo se inverteu. Aliás o mundo ficou invertido por alguns momentos por causa deles. O grupo, que costumava encher a cara e sabotar os próprios shows especialmente quando sabia que ia se apresentar para uma plateia repleta de notáveis de gravadora, foi descoberto pelo dono da Sire, Seymour Stein, numa noite em que o executivo tinha tomado todas e precisou ser amparado por um amigo, que o levou para conferir a banda ao vivo. Parecia que ia dar liga.
Não só isso: quanto mais Paul Westerberg (voz, guitarra), Bob Stinson (guitarra), Tommy Stinson (baixo) e Chris Mars (bateria) subiam no palco doidões, mais o público gostava. Até porque os shows se tornavam imprevisíveis, o repertório abarcava uma gama inusitada de covers (de clássicos do pop meloso a músicas do Led Zeppelin, numa sequência que a banda chamava de pussy set). Alguém sempre saía se sentido afrontado (estamos falando dos anos 1980). A banda não parecia estar nem aí para nada – o que tornava tudo mais legal ainda. E os shows pareciam mais divertidos.
Pareciam, apenas. Vários anos de vícios, hábitos ruins e pelotas de “foda-se” cuspidas em momentos inadequados transformaram os Replacements no exemplo típico da banda que lida mal com o sucesso, desdenha de oportunidades, rasga dinheiro e leva a categorias perigosas o “não vou me vender” típico das bandas da origem indie. O sucesso não desistiu do grupo, que durou além do término real – com All shook down (1990), programado para ser a estreia solo de Paul Westerberg, sendo lançado como o último álbum da banda por ordem da Sire.
Tim (1985), quarto álbum e início da fase da banda na gravadora grande, e que ganha reedição turbinadíssima agora (com o nome de Let it bleed edition), já havia sido uma excelente introdução a um público maior. Um power pop feito com o pensamento tanto em fãs de Big Star quanto de Ramones, um punk rock ágil que soa como homenagem a Eddie Cochran e a bandas como Blondie e Dead Boys, com letras que mostravam o quanto custa simplesmente nem saber como se encaixar em padrões. E que lidam o tempo todo com um estranho jogo de sorte e azar – quando você nem sabe mais quando é sorte ou azar, enfim.
Era o disco da desencantada Here comes a regular (um relato dos dilemas da banda na época, com versos como “tudo o que sei é que estou farto de tudo que meu dinheiro pode comprar”), das revoltadas Bastards of young e I’ll buy, do boogie punk doidão Dose of thunder (“só leva um pouquinho até você querer uma tonelada”, diz a letra, cara de pau) e da homenagem às college radios em Left of the dial. Tinha romantismo em meio à tensão do dia a dia em Kiss me on the bus, e uma balada solitária ao estilo dos anos 1950 em Swingin party. Mas para ter uma ideia de como era lidar com os Replacements no dia a dia, só conferir a letra de Waitress in the sky, desomenagem a alguma aeromoça que mandou Westerberg apagar o cigarro durante um voo.
Uma discussão boa (e que rendeu um texto da Variety outro dia) é sobre a qualidade de gravação do disco, produzido por Tommy Erdelyi, o sujeito que um dia sentou na bateria dos Ramones e se chamou Tommy Ramone. Os vocais são uma piscina de reverb, as guitarras parecem transmitidas de um rádio AM, o baixo é inaudível quase sempre. Mas parece que a vontade de soar como uma banda independente dentro de uma gravadora grande falou alto – assim como havia falado alto também durante a gravação dos dois discos de um trio conterrâneo dos Replacements, o Hüsker Dü, na mesma Sire.
A Let it bleed edition melhora (e muito) isso com um mix alternativo feito por Ed Stasium, um ex-produtor dos próprios Ramones, que dá peso às músicas e corta os reverbs – e é esse remix que abre o pacote, seguido por um outro remix do original, várias demos e takes alternativos, e uma gravação feita ao vivo em Chicago, em 1986, unindo autorais e covers (de Nowhere man, dos Beatles, cantada por Westerberg no limite de seu alcance vocal, a Black diamond, do Kiss). No mix de Ed, Little mascara ganha mais um minuto e surgem vocais e teclados que haviam sido apagados do LP original. É quase um disco novo.
Uma descoberta, mais do que uma redescoberta. Tim nunca foi ouvido desse jeito, talvez nem pelos próprios Replacements. Que, pelo menos aqui, na reedição, tornam-se uma banda feliz em fazer parte de uma grande gravadora.
Gravadora: Rhino/Warner
Nota: 10
Foto: Reprodução da capa do álbum
RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
- Um tributo português a David Bowie
As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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RESENHA: Filha de Dave Grohl, Violet Grohl estreia com Be sweet to me, disco noventista, sombrio e muito bom, com som entre entre Hole, Mazzy Star e PJ Harvey.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Aurora / Republic
Lançamento: 29 de maio de 2026
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Se Dave Grohl resolvesse dar uma passadinha no estúdio do produtor Justin Raisen para gravar um álbum com ele, provavelmente não iria se arrepender – Justin é o produtor dos dois álbuns de Kim Gordon e é uma espécie de mentor de Be sweet to me, estreia da filha de Dave, Violet Grohl. Ela começou a experimentar coisas em estúdio com ele bem cedo. Be sweet to me foi surgindo desse contato dela com Justin, e deles com os outros músicos (entre os mais assíduos, Joe Kennedy, Brad Lauchert, Anthony Paul Lopez e Ainjel Emme).
Em Be sweet to me, Violet canta, toca guitarra, e entra como parceira nas composições (ao lado de vários dos músicos). E, de certa forma, o disco funciona como um trabalho humanizado de curadoria musical: o material é um trabalho de banda feito em torno dela e em torno da herança musical dela. Aliás, em torno de uma “herança dos anos 1990” bem diferente da que vem surgindo em discos de Olivia Rodrigo ou nos singles mais recentes de Charli XCX. Be sweet to me se alinha mais a discos recentes de bandas como Rocket, Basement e até Wet Leg – além de uma visão mais deprê e intensa da música noventista, mais próxima de Mazzy Star e PJ Harvey, e de coisas novas como Beabadoobee e Snail Mail.
O fato de Violet não figurar como compositora única das faixas já andou servindo de red flag pra muita gente. É algo comum no indie pop – mas na real, desde sempre, há no rock cantores e músicos que são mais intérpretes do que compositores (Elvis Presley, Jeff Beck, Santana e Meat Loaf se notabilizaram justamente por isso). Usar o estúdio como laboratório para climas e sonoridades tá bem longe de ser um pecado, aliás vai ser cada vez mais comum.
Agora… a porca torce o rabo pra burro, a partir do momento em que Violet é olhada pelo viés “nepobaby” da coisa: o disco dela não tem nada de espontâneo, foi feito a partir do acesso a produtores e músicos renomados, e chega às plataformas como um produto estratégico. Para manter uma certa aura indie, Violet tem até perfil no Bandcamp (em janeiro, ela divulgou por lá uma música ótima que não está no disco, What’s heaven without you, feita em tributo ao cineasta David Lynch – ainda que, hoje, use a plataforma apenas para vender produtos).
Poderia ter sido um disco lançado pela Roswell Records, gravadora criada pelo paizão Dave Grohl – não aconteceu dessa forma porque Dave não quis bancar o “papai rock’n roll” (como ele próprio falou). E porque o selo dele nem sequer tem esse porte todo, para contratar uma artista e transformá-la em estrela. Também não é um disco-linha-de-montagem “comum” porque, sendo Violet filha de um artista poderoso, é quase impossível imaginá-la tendo que brigar para impor sua visão durante as gravações, e depois saindo frustrada do estúdio (coisa que já aconteceu até com Madonna).
Mas e aí, Be sweet to me é bom? Sim, é, e bastante. Musicalmente, é um disco de punk, guitar rock e rock alternativo noventista trevoso, com letras confessionais-mas-nem-tanto e canções simples. Musicalmente também, quem detesta Courtney Love vai ter que engolir o fato de que o Hole paira bastante sobre músicas como THUM, o quase-shoegaze 595 (que tem uma virada de bateria tipicamente Dave Grohl, só que feita por Anthony Paul Lopez), a doce Bug in the cake (cuja letra descreve uma ida festiva à casa da avó paterna) e a tranquila Last day I loved you. Além do soft rock grunge de Big memory.
Não é só o Hole: tons de Bob Mould, um dos maiores ídolos do papai Grohl, podem ser ouvidos aqui e ali – e as linhas vocais de Violet herdaram muita coisa do pai, em detalhes que podem ter passados despercebidos para ambos. Rola na sombria Mobile star, que fecha o lado A do disco. Aliás, em músicas como essa e Pool of my dreams, um clima diferente surge em Be sweet to me, com vibes que lembram um Depeche Mode envolto em trevas, ou até sons próximos de Cocteau Twins e Mazzy Star.
Já Often others talvez seja o som que mais lembra os Foo Fighters, banda do pai Grohl, com riff estilingado e selvagem – embora haja uma vibe maquínica na bateria, tocada por Joseph Zizzo, da banda de pós-hardcore The Sleeping. Cool buzz abre como um hardcore e depois se torna um som perigoso e pesado, com lembraças de PJ Harvey e do mais que citado Hole.
Uma curiosidade é que Violet e seus cometas retomam um velho hábito do FF e do Nirvana, que é o de encerrar o álbum na introversão: Plastic couch poderia ser até a Something in the way (o encerramento de Nevermind) do álbum, mas mergulha num peso próximo do shoegaze. A estreia de Violet é boa, e Be sweet to me toca em nervos ainda expostos dos anos 1990.
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RESENHA: Lowertown mistura slacker rock, tristeza e ironia em Ugly duckling union, disco introspectivo sobre caos emocional e sujeira capitalista.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Summer Shade
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Dupla da Georgia com aparência de musa e muso indie, o Lowertown não seria o que o senso comum chamaria de “patinhos feios”, mas parece a beleza ou a feiúra aqui são medidas pelo bem ou pelo mal que Olivia Osby e Avsha Weinberg podem fazer um ao outro. Ugly duckling union, segundo álbum do duo – lançado após um hiato em que só saiu o EP Skin of my teeth – é um disco introvertido e às vezes, dolorido, que fala sobre o relacionamento dos dois. Mas que passeia da tristeza à ironia em segundos.
Tanto que Olivia e Avsha preferem encarar Ugly duckling como a história de um patinho (!) que resolve se juntar a uma turma e brigar com uma empresa chamada LBH (“uma corporação de mídia tirânica empenhada em separar e isolar em sua busca pelo controle”). Não dá pra ver muito isso no disco, mas essa fanfic faz sentido: o Lowertown é uma banda de pandemia (I love to lie, a estreia, é de 2022) e que se empenhou em varrer a web atrás de fãs, numa época em que mal havia espaços para shows, porque estava tudo fechado.
- Ouvimos: Broken Social Scene – Remember the humans
De lá pra cá, as oscilações de humor do Instagram já mudaram tudo uma centena de vezes, a IA virou assunto de boteco, e muita coisa mudou mais do que a velocidade das pessoas pode acompanhar. Não mudou o fato de que o Lowertown é um duo de garagem, com um som que é basicamente slacker rock unido a folk, soft rock, heranças do pós-punk, etc. Rola um clima buena onda nos vocais, mesmo que às vezes Olivia e Avsha cantem com muuuita profundidade e dor sobre assuntos incômodos.
Em Mice protection, soft rock despojado que abre o disco, Olivia parece ter sido acordada há poucos minutos para gravar (detalhe: o nome da faixa é “proteção contra ratos” porque o disco foi gravado na casa dele, que estava infestada de roedores). Worst friend, que une Pixies e Horsegirl, é… Bom, a letra: “eu sou sua pior amiga, mas não é minha culpa / porque fui criada por uma bruxa que chamo de mãe / não tenho dinheiro, é difícil achar emprego / meu chefe maluco acabou de me demitir por cochilar”. As sombras tomam conta mesmo é em Echo of desire, com vocal meio cansado e vibe triste no geral.
O Lowertown não é o tipo de banda que atira para vários lados – o clima do disco segue mais ou menos o mesmo, sem um trilhão de referências ou influências descombinadas, e com duas vozes que às vezes soam como Lou Reed convertido ao folk rock. Tem algumas surpresas: Big thumb, com violão e pandeirola, se rearranjado, poderia ser um dance-pop oitentista, ou uma música do Roxette. Cover you migra para o chamber folk, I like you a lot lembra um rock sulista com cara slacker e (I like to play with) Mutts é o experimento mais pós-punk do álbum, com baixo à frente e vocal rappeado, feito por Olivia.
Tem ainda um certo clima de loucura sonora em Forgive yourself, música em que o duo fala de erros e falhas, e sobre como o perdão é mais complicado para quem nem sequer se perdoa. Agora, quer falar de loucura, pule logo para a faixa mais direta e realista do álbum: é a sombria e hipnotizante Anything good takes blood, um hino da exploração do lixo corporativo e da porquice capitalista (“lá vem, estou afundando / pulmões queimando por causa do óleo em chamas / fuligem espessa e preta cobre o solo escuro e úmido / tudo vem do sofrimento / suba nos corpos de outros seres de sangue quente”). Brabeira.
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