Crítica
Ouvimos: Replacements, “Tim (Let it bleed edition)”
- Tim, lançado em 18 de setembro de 1985, é o quarto disco dos Replacements e o primeiro pela Sire/Warner. Foi também o último com o guitarrista Bob Stinson, demitido em 1986 por ultrapassar os limites de bebedeira e doideira do grupo (!). Na época, alcançou sucesso moderado, mas teve críticas bem positivas.
- A Let it bleed edition, lançada agora pela Rhino, é uma reedição turbinada com o álbum original remixado pelo produtor Ed Stasium, além de um CD de raridades e um ao vivo. Foi batizada assim como uma brincadeira com o álbum de mesmo nome dos Rolling Stones – e o álbum anterior dos Replacements, de 1984, se chamava Let it be, mesmo nome do disco dos Beatles. Resenhistas são unânimes em falar que o novo mix transformou Tim em outro disco, com gravação/mixagem superior.
Dizem os teóricos do mundo corporativo que as pessoas são contratadas por seu currículo e demitidas por seu comportamento. No caso dos Replacements, algo se inverteu. Aliás o mundo ficou invertido por alguns momentos por causa deles. O grupo, que costumava encher a cara e sabotar os próprios shows especialmente quando sabia que ia se apresentar para uma plateia repleta de notáveis de gravadora, foi descoberto pelo dono da Sire, Seymour Stein, numa noite em que o executivo tinha tomado todas e precisou ser amparado por um amigo, que o levou para conferir a banda ao vivo. Parecia que ia dar liga.
Não só isso: quanto mais Paul Westerberg (voz, guitarra), Bob Stinson (guitarra), Tommy Stinson (baixo) e Chris Mars (bateria) subiam no palco doidões, mais o público gostava. Até porque os shows se tornavam imprevisíveis, o repertório abarcava uma gama inusitada de covers (de clássicos do pop meloso a músicas do Led Zeppelin, numa sequência que a banda chamava de pussy set). Alguém sempre saía se sentido afrontado (estamos falando dos anos 1980). A banda não parecia estar nem aí para nada – o que tornava tudo mais legal ainda. E os shows pareciam mais divertidos.
Pareciam, apenas. Vários anos de vícios, hábitos ruins e pelotas de “foda-se” cuspidas em momentos inadequados transformaram os Replacements no exemplo típico da banda que lida mal com o sucesso, desdenha de oportunidades, rasga dinheiro e leva a categorias perigosas o “não vou me vender” típico das bandas da origem indie. O sucesso não desistiu do grupo, que durou além do término real – com All shook down (1990), programado para ser a estreia solo de Paul Westerberg, sendo lançado como o último álbum da banda por ordem da Sire.
Tim (1985), quarto álbum e início da fase da banda na gravadora grande, e que ganha reedição turbinadíssima agora (com o nome de Let it bleed edition), já havia sido uma excelente introdução a um público maior. Um power pop feito com o pensamento tanto em fãs de Big Star quanto de Ramones, um punk rock ágil que soa como homenagem a Eddie Cochran e a bandas como Blondie e Dead Boys, com letras que mostravam o quanto custa simplesmente nem saber como se encaixar em padrões. E que lidam o tempo todo com um estranho jogo de sorte e azar – quando você nem sabe mais quando é sorte ou azar, enfim.
Era o disco da desencantada Here comes a regular (um relato dos dilemas da banda na época, com versos como “tudo o que sei é que estou farto de tudo que meu dinheiro pode comprar”), das revoltadas Bastards of young e I’ll buy, do boogie punk doidão Dose of thunder (“só leva um pouquinho até você querer uma tonelada”, diz a letra, cara de pau) e da homenagem às college radios em Left of the dial. Tinha romantismo em meio à tensão do dia a dia em Kiss me on the bus, e uma balada solitária ao estilo dos anos 1950 em Swingin party. Mas para ter uma ideia de como era lidar com os Replacements no dia a dia, só conferir a letra de Waitress in the sky, desomenagem a alguma aeromoça que mandou Westerberg apagar o cigarro durante um voo.
Uma discussão boa (e que rendeu um texto da Variety outro dia) é sobre a qualidade de gravação do disco, produzido por Tommy Erdelyi, o sujeito que um dia sentou na bateria dos Ramones e se chamou Tommy Ramone. Os vocais são uma piscina de reverb, as guitarras parecem transmitidas de um rádio AM, o baixo é inaudível quase sempre. Mas parece que a vontade de soar como uma banda independente dentro de uma gravadora grande falou alto – assim como havia falado alto também durante a gravação dos dois discos de um trio conterrâneo dos Replacements, o Hüsker Dü, na mesma Sire.
A Let it bleed edition melhora (e muito) isso com um mix alternativo feito por Ed Stasium, um ex-produtor dos próprios Ramones, que dá peso às músicas e corta os reverbs – e é esse remix que abre o pacote, seguido por um outro remix do original, várias demos e takes alternativos, e uma gravação feita ao vivo em Chicago, em 1986, unindo autorais e covers (de Nowhere man, dos Beatles, cantada por Westerberg no limite de seu alcance vocal, a Black diamond, do Kiss). No mix de Ed, Little mascara ganha mais um minuto e surgem vocais e teclados que haviam sido apagados do LP original. É quase um disco novo.
Uma descoberta, mais do que uma redescoberta. Tim nunca foi ouvido desse jeito, talvez nem pelos próprios Replacements. Que, pelo menos aqui, na reedição, tornam-se uma banda feliz em fazer parte de uma grande gravadora.
Gravadora: Rhino/Warner
Nota: 10
Foto: Reprodução da capa do álbum
RESENHA: T. Greguol troca jazz e experimentalismo por rock, MPB e crítica anti-IA em E só, disco curto, humano e quase pop.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 15 de maio de 2026
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Os dois discos anteriores do músico T. Greguol (Bum, de 2024, e Coisa, de 2025) eram uma mescla de jazz, experimentalismos que uniam música e matemática, e sonoridades bem diferentes dentro de uma mesma música. Já E só é um álbum bem curto (8 músicas, 16 minutos) e comparado aos anteriores, é quase um disco pop.
Com a ideia de fazer um disco de “música anti-IA, feita por gente, para gente”, e de “canções construídas a partir da presença, da imperfeição e da experiência humana”, Greguol focou nas letras e no canto, teve o material musicado por Lourenço Netto, e arregimentou músicos como Mari Crestani (baixo), Leandro TG Mendes (guitarra) e Vivian Benford (voz e percussão), para fazer um som que tem mais cara de rock e de MPB do que de jazz. E cujas letras têm filiação vanguardista, próximas de André Abujamra e Itamar Assumpção.
Agora é a hora, indie rock com peso nas guitarras, é uma música curta com vários segmentos – parece até maior. Metro (100 cm) é hard rock funkeado lembrando as medidas-padrão que interessam (“o metro do pop é os Beatles / o metro do tempo é a hora / o metro da vida é o dia / o metro humano é o que chora”). Reciclagem é rock com clima sombrio e meio latinesco, enquanto Xiplicix parece unir várias camadas sonoras em torno de um universo em que “todo mundo é auto ajuda / tá todo mundo numa seita / eu acho que todo mundo tá com medo / e com medo você topa tudo” (conhece algum mundo assim?).
E só tem ainda um lado mais pop-funk em Tchaptchura, e uma onda reggae +forró tropicalista em Ser ou não ser – música cuja letra ensina que nem todos os coaches do mundo podem ensinar certeza e personalidade (“não dá pra comer pizza / usando uma caneca / não dá pra ser se lhe / o que não se o é”).
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RESENHA: Social Distortion acerta em cheio em Born to kill: punk, country e rock de bar num disco sombrio e melodioso.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Epitaph
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Uma vez fui entrevistar uma dupla sertaneja e, acho que por causa da camisa que eu estava usando, começamos a falar sobre rock. Papo vai, papo vem, me peguei recomendando pra eles uma audição no Social Distortion. Que é, como os fãs sabem, uma banda punk californiana que faz uma nada improvável mistura de punk e country, mas sem recorrer a zoeiras como o cow punk.
O som deles tem tristeza, vida marginal, excessos, passado cadeeiro, melodias que parecem vir de uma canção tradicional, e pode facilmente ser confundido com a onda pop-punk – aliás, foi confundido, tanto que não houve época mais apropriada para a banda conquistar de vez a geração MTV do que com o disco White light, white heat, white trash (1996), repleto de canções luminosas e entristecidas (é o disco de I was wrong e When the angels sing, únicas músicas do SD que muita gente aqui no Brasil conhece até hoje).
Loucura: o SD é da geração dos Sex Pistols (surgiram em 1978), mas tiveram vários hiatos, causados pelo vício em heroína e pela prisão do vocalista Mike Ness. Born to kill, disco novo deles, é o oitavo (e constantemente adiado) álbum da banda. Hoje o som deles fica a meio caminho entre Iggy Pop e Bruce Springsteen, chegando perto do hard rock em alguns momentos, como na faixa-título – música de guitarras ótimas, que combina diversão e revolução – ou em No way out, canções que aperfeiçoam um fórmula que já existia no som deles há 30 anos.
- Ouça também: Lip Critic, Younger, Sparta, Lowertown e Traidora.
O lado mais country do Social Distortion surge em faixas como Tonight ou na canção de bar Crazy dreamer (com participação da lenda do country rock Lucinda Williams), e acaba sendo até menos atraente em Born to kill do que a faceta mais desbragadamente rocker. Como em Partners in crime, som de peso e de marginalidade, e o power pop com maldade de Over you. Agora, aqui tem Don’t keep me hanging on, uma música que parece Elvis Presley aderindo ao punk, e na qual a receita country-punk surge bem azeitada.
Na segunda metade de Born to kill, aliás, surgem outras faixas que marcam diferenças no som do grupo: Never goin’ back again soa como Black Sabbath aderindo ao country-blues, Walk away (Don’t look back) é um boogie rock que deve tanto ao Clash quanto ao AC/DC e… olha, o SD gravou Wicked game, do Chris Isaak, e pode crer que ficou melhor que aquela versão glam metal do HIM. Sabe-se lá se o Social Distortion vai lançar um disco novo tão cedo, então aproveite Born to kill.
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RESENHA: Lip Critic mistura punk, noise, industrial e rap eletrônico em Theft world, disco caótico nascido de um caso real de roubo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Partisan Records
Lançamento: 1 de maio de 2026
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Se o que você esperava era algo que combinasse o ruído sombrio do Suicide, a vibe punk de bandas como Gang Of Four e Buzzcocks, a estranhice do Wire, a onda industrial-eletrônica do Nine Inch Nails, o impulso destrutivo de bandas como Atari Teenage Riot e a porradaria falada de Death Grips e Paris Texas, vá sem medo ao som do Lip Critic e a seu segundo álbum, Theft world.
O grupo de Danny Eberle, Bret Kraser, Connor Kleitz e Ilan Natter tem também muito das vibrações experimentais do Cabaret Voltaire – por sinal, o próprio nome “Lip Critic” vem de mergulhos no dadaísmo e na combinação de palavras aparentemente imiscíveis. Agora, a disposição para tirar música de situações absolutamente inusitadas que o grupo tem, é que pode MESMO servir de modelo para bandas novas.
Pra começar, a banda vinha trabalhando num segundo disco antes de bolar Theft world, mas o trabalho não engrenava. Enquanto quebravam a cabeça e continuavam a turnê do debute, Hex dealer (2024), o vocalista Bret Kraser descobriu que suas informações pessoais haviam sido roubadas por um fã da banda, que já tinha feito várias compras em seu nome. O sujeito havia comprado até a discografia completa da banda no Bandcamp.
- Ouvimos: Adult Leisure – The things you don’t know yet
Em vez de chamar a polícia, a banda simplesmente localizou o meliante e marcou um encontro com ele – surpreendentemente, o cara apareceu. No papo com o grupo, ele disse acreditar que o Lip Critic estava escondendo mensagens codificadas em suas músicas como parte de uma elaborada caça ao tesouro. O resultado é que todo o material de Theft world (“mundo do ladrão”) veio das gravações do bate-papo com o tal cara – e se você já achava o Lip Critic estranho, o novo disco parece esconder nas letras uma tese maluca que poderia ter sido bolada por Charles Manson.
Esse caos todo já surge na primeira faixa, Two lucks, música de ruído eletrônico e meio assustador, que oscila entre o eletropunk e um samba a la Suicide (!), enquanto Jackpot faz um rap eletrônico usando ruídos de videopôquer, com uma letra que parece uma ode à loucura (“tentei por muito tempo deixar isso para trás / deixá-lo de lado / expulsá-lo, eu preciso disso / essa parte de mim”).
Tem punk eletrônico e porradeiro em faixas como Debt forest, o eletrocore My blush (Strength of the critic) e Yard sale (230 take). Mas o Lip Critic é bem mais inventivo do que apenas “pesado”, aderindo a um eletrocore + trip hop em Talon, aproximando-se do drum’n bass em Charity dinner e Legs in a snare e criando uma onda afropunk na hipnotizante Drumming with Izzy.
As letras não são exatamente diretas, mas o batidão eletrônico de Shoplifting soa como um “já no primeiro roubo ele dançou” adaptado para o dia a dia de quem afana objetos em shoppings (“saboreio o que conquisto, não quebre meu feitiço / primeira vez que senti esse peso e caí direto na gaiola, eu poderia criá-la sozinho”). Tirar poesia de coisas ruins, é algo que muita gente já fez – agora, fazer poesia com o prejuízo financeiro, acho que só vi aqui.
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