Crítica
Ouvimos: Neil Young, “Before + after”

- Before + after é o 45º disco de Neil Young. Traz treze regravações solo acústicas de músicas suas, compondo um álbum que é definido por ele como “uma peça ininterrupta de 48 minutos” (mas ao contrário do que andam falando, o disco está disponível em plataformas como o Deezer como um conjunto de faixas separadas, e não como apenas uma música).
- O disco foi todo tocado por Neil, embora Bob Rice contribua com vibrafone e piano em duas faixas. Young produziu o disco com Lou Adler e fez a mixagem com Niko Bolas. As faixas são um passeio pela discografia dele, indo de clássicos a álbuns dos anos 1990, além de duas músicas de sua ex-banda Buffalo Springfield.
Se você lida com música, ou com escrita (vale jornalismo?), ou com arte de modo geral, você com certeza já quis ser o Neil Young – e me arrisco a dizer isso porque, simplesmente, não imagino que alguém possa não querer. As razões para isso são inúmeras: vários anos de carreira sólida, preocupação moderada com resultados, fama de difícil, espaço nas grandes gravadoras, lançamentos aos borbotões, interesse garantido da mídia e do público, um arquivo extremamente bem aproveitado de ideias, rascunhos e discos engavetados, topete o suficiente para bancar seus projetos. E sucesso mesmo quando tudo parece que vai contra.
Com tantos álbuns (são mais de 40) não é complicado achar discos na carreira de Neil que passaram bem longe da marca do gol em termos de qualidade. De modo geral, a fase oitentista do cantor, quando trocou a Reprise pela Geffen e lançou até música eletrônica e synth pop, ganha nariz torcido de muitos fãs da antiga – mas Trans (1983), um desses discos duvidosos feitos por ele, tem tantas qualidades que dá até para apreciar os defeitos. Pelotas de ranço foram dirigidas recentemente a Le noise (2010), disco de voz e guitarra cuja ousadia vale ouro, mas cuja musicalidade dá aquelas aporrinhadas básicas em quem esperava ouvir algo parecido com clássicos como After the gold rush e Harvest.
- Ei, temos um episódio do nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, sobre a fase Geffen de Neil Young.
Em meio a um momento de mexidas no baú – em 2023 já saíram Chrome dreams, disco originalmente pensado para sair em 1977, e Odeon Budokan, disco gravado ao vivo em 1976 – Young decidiu encerrar o ano relendo antigas músicas no esqueleto. Before + after é um presentinho para os fãs, com o cantor relendo antigas canções apenas com voz, violão, piano, gaita e órgão – este último, em If you got love, por acaso uma sobra de Trans e a única música quase-inédita do álbum. A entidade “disco de regravação” causa pânico, claro – e a maior qualidade de Before + after é pemitir ao ouvinte chegar mais perto de Neil, como se fosse um show caseiro e exclusivo que ele quis dividir com os fãs.
O botão de repeat vai tocar em especial na releitura de A dream that can last (do disco Sleeps with angels, de 1994), com o piano de faroeste tocado como no original, e só isso. E também nas lembranças de duas faixas de sua ex-banda Buffalo Springfield, Mr Soul e Burned. E na melancolia de Birds, do After the gold rush, regravada sem o coral do original, e só na voz e piano. Tem ainda o hino I’m the ocean, que perdeu o ar grunge com que foi gravada no disco Mirror ball (1995), no qual um não-creditado Pearl Jam foi a banda de apoio de Young. Vale pelo desfilar de hits, e por manter o sonho da independência nas mentes dos fãs. E só por isso já vale muito.
Nota: 7,5
Gravadora: Reprise
Foto: Reprodução da capa do álbum.
Crítica
Ouvimos: Softcult – “When a flower doesn’t grow”

RESENHA: Dupla canadense Softcult estreia com shoegaze e dream pop sobre opressão, machismo e trauma. Letras duras e pessoais confrontam abusos e relações tóxicas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Easy Life Records
Lançamento: 30 de janeiro de 2026.
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Um dos ditados populares geralmente mais mal usados do mundo é “quando as flores não crescem, troca-se de jardineiro” (olha, já vi uma equipe inteira ser demitida por um patrão que repetia insistentemente isso nas reuniões que determinaram o passaralho). Mas recentemente, o palestrante Alexander den Heijer deu uma retorcida nessa frase e tirou de lá a seguinte sentença: “Quando uma flor não desabrocha, você corrige o ambiente em que ela cresce, não a flor”.
A mudança na frase tornou-a mais didática e sensível – e mais propícia a tempos de compreensão e entendimento. E enfim, When a flower doesn’t grow, álbum de estreia da dupla canadense Softcult, está bem mais perto dessa imagem do que da visão de equipes sendo colocadas na rua por algum chefe metido a frasista. Mercedes e Phoenix Arn-Horn, integrantes do grupo, fizeram basicamente um álbum de shoegaze e dream pop que exorta fãs, falando de resiliência, opressão, machismo, violência e comportamentos lamentavelmente tolerados.
O termo “auto-ajuda”, aqui, é literal – muitas vezes embebido em histórias pessoais e em finais violentos. Pill to swallow parece relembrar o tempo em que Mercedes e Phoenix faziam parte da banda pop Courage My Love, que virou aposta da Warner canadense, e só rendeu estresse. Versos como “chega de falsas promessas / o futuro parece tão distante e estamos lá embaixo” devem ter sido escritos à base de muitos gatilhos.
- Ouvimos: Juia – Dois trabalhos
A curiosidade é que, assim como outra sensação canadense, Alanis Morissette, o Softcult também deixou uma carreira musical pregressa para trás – e se Alanis gravou o álbum Jagged little pill (1995) sob o signo das más recordações, Mercedes e Phoenix classificam o sucesso errado como “a hard pill to swallow” (e ambas as frases com “pill” têm o mesmo sentido).
Entre shoegazes bem prototípicos e vocais com doçura pop, o Softcult chega a outras “pílulas” desconfortáveis: o apaixonamento ingênuo de Naive, o abuso de 16/25 (sobre um relacionamento de um homem mais velho com uma menina menor de 18) e a falta de acolhimento no mundo, que vira assunto da faixa-título. Em vários momentos, as letras de Mercedes tornam-se duras de ouvir, por levantarem esses assuntos com todas as letras – e com riqueza de cenas.
Em faixas como 16/25, o Softcult faz barulho como se viesse da Inglaterra em 1991/1992: guitarras pesadas e beat dançante-robótico (e um certo ar de quem ouviu nu-metal na adolescência, também). She said, he said, sobre um date abusivo e violento, une falas, vocais tranquilos, gritos e distorções, na cola de bandas atuais como Sprints – Hurt me, a curta faixa seguinte, vai na mesma onda e ainda faz lembrar o Nirvana da estreia Bleach (1989). A punk Tired põe machos palestrinha e gente declaradamente machista para correr.
Por outro lado, há delicadeza no dream pop de I held you like glass, e de Queen of nothing – essa, uma música que fala sobre como as mulheres sofrem com um sistema que já é abusivo desde que o mundo é mundo, e é pensado exclusivamente para o conforto dos homens. Tem também emanações de Slowdive na beleza pesada de I’m sorry. O Softcult faz música sonhadora, mas olha para uma realidade bem cruel.
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Crítica
Ouvimos: Accelera Deck – “Gargoyle lips”

RESENHA: Accelera Deck mistura reggae, dub eletrônico e industrial em Gargoyle lips: quatro faixas cheias de beats tensos, reverbs e ecos psicodélicos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Lathelight
Lançamento: 12 de junho de 2025
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Chris Jeely, o cara por trás do Accelera Deck, é um músico de Birmingham. Só que a Birmingham em questão nada tem a ver com a cidade britânica que deu Black Sabbath e Duran Duran ao mundo: é a terceira cidade mais populosa do Alabama, nos EUA. Com projetos lançados sob vários nomes, ele originalmente é um guitarrista. Só que (“só que” volume dois) seu trabalho hoje em dia é mais conhecido pela experimentação eletrônica e pela criação / tensão de beats.
- Ouvimos: Backengrillen – Backengrillen
Numa determinada fase, seu som unia guitarras emparedadas de shogaze e batidas de drum’n bass. Gargoyle lips, disco novo de seu projeto mais conhecido, o Accelera Deck, é basicamente reggae + dub eletrônico e industrial. São quatro faixas, com suas versões “dub” no lado B, sendo que os originais já praticamente são dubs viajantes e reverberados.
Rhizomatic parece um samba-rock eletrônico, com guitarras e teclados viajantes, complementados com um beat que mais parece uma máquina funcionando na fábrica. Palace soa industrial, e vai ganhando síngue, com baixo e teclado. Faz lembrar os passos de alguém caminhando por um palácio abandonado, e tem algo de Laibach e Ultravox. O reggae psicodélico de Slouvers (que fica menos acelerado e focado nos beats na versão dub) e as reverberações dancehall da faixa-título (essa, ganhando um Gargoyle riddim que acentua a lisergia e os beats, com direito a sons rodados ao contrário na abertura) encerram o disco.
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Crítica
Ouvimos: Água Pesada – “Mexanismo”

RESENHA: Stoner/doom psicodélico: o Água Pesada mistura em Mexanismo Black Sabbath, Soundgarden e maracatu num disco ruidoso e sombrio, cheio de riffs, peso e delírio.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: Independente
Lançamento: 10 de fevereiro de 2026
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Falar em “som pesado” ao ouvir a banda paulista Água Pesada parece até brincadeira. Ricardo Faller (voz/guitarra), Fabio Domingues (baixo) e Fernando Sioni (bateria) constroem um universo de violência sonora pura, em que cada música é um susto diferente. Mesmo que a definição de “stoner rock” seja a mais apropriada, o som deles tem doom metal, música brasileira, psicodelia, batuques a la Nação Zumbi e aclimatações que lembram Soundgarden – especialmente no vocal de Ricardo, rasgado como de Chris Cornell.
Formado por nove longas faixas, Mexanismo, novo disco deles, é psicodelia pesada herdada de Black Sabbath, Kyuss, o Soundgarden da era de Louder than love (1989), e de grupos casca-grossa em geral,. Carquejogênese, a abertura, é curta e simples, com ruídos de orquestra e outros barulhos. Gato fantasma abre a temporada de sons longos e sombrios e Eminente lume da perpétua perambulação une metal comum e beat de maracatu, até se tornar algo bem viajante logo depois. Meio do fim, fim do meio ganha certo suíngue dado pela guitarra wah wah, enquanto Teatro macabro soa como uma valsa funesta, com quebras rítmicas que parecem surgir do improviso.
Pouco dá para entender das letras de Mexanismo – os vocais, afinados e abertos, são mixados em meio a nuvens de graves e de guitarras ruidosas. Ouvindo, você sente que o Água Pesada bate de frente com o establishment, com as opressões da vida. Escritórios e manicômicos, por exemplo, é peso maníaco perto do doom metal- ouvindo, dá para imaginar alguém surtando com a escala 6×1 e depredando o local de trabalho.
Chorume cibernético (veja lá que nome!) é quase metal-punk, com riffs buzinando e vibe ágil. No fim, stoner metal nordestino com flauta (Cosmeuzébio) e uma verdadeira panela sonora do diabo (Esgoto das almas), com clima stoner-metal-gótico, soando como alguém solitário em meio a pragas e desgraças.
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