Crítica
Ouvimos: Lazy Day, “Open the door”
- Open the door é o primeiro álbum do Lazy Day, codinome usado pela cantora e compositora Tilly Scantlebury. Ela compôs tudo, tocou guitarra, baixo, piano e synths e produziu o álbum ao lado de Gethin Pearson.
- Ao Songwriting Magazine, ela disse que o ritmo das faixas ajudou a dar uma forma para as canções. “Essa é uma das coisas que definitivamente impulsionou o processo de composição. Seja um padrão de bateria… Estou obsessivamente cortando, fazendo loops e retrabalhando, o que então impulsiona as letras, que então impulsionam o padrão das palavras”, disse.
- “Espero que as músicas alegres façam as pessoas se sentirem felizes. Espero que as músicas tristes façam as pessoas se sentirem validadas e em casa. Espero que as angustiadas e melancólicas façam as pessoas se sentirem fortes e determinadas. Espero que as animadas façam as pessoas se levantarem e dançarem”, afirma sobre o disco.
Os primeiros lançamentos de Tilly Scantlebury, que usa o codinome Lazy Day, eram mais lo-fi, como se fossem feitos no quarto – eram apenas alguns singles e um EP, que mostravam o começo do projeto. Curiosamente, ela escolheu o nome Open the door para seu primeiro álbum, indicando não apenas o mergulho em sua intimidade nas letras, como também a abertura para um mundo novo de criações musicais.
Batendo em temas como relacionamentos complicados e cascas de banana da vida adulta, Open the door é música pop de quem escutou muito Nirvana, Smashing Pumpkins, Smiths e… música eletrônica, tudo combinado. Killer, uma canção sobre emoções fortes no amor (ela diz que é sobre “como o amor encontra seu apetite”) é pop adulto em tom misterioso e ruidoso.
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Getting good põe a síndrome de impostor e as desilusões com o mundo do trabalho na frente (“acho que estou ficando boa/em coisas que eu queria não ser/sempre adiei/então acumulei todos os problemas”), em meio a um tom de rock adulto que lembra Hole e Fleetwood Mac, simultaneamente. Strangest relief abre com violão e banjo, e põe certo clima de trilha de filme da Sessão da tarde no ar. Já Falling behind é um rock que provavelmente não existiria sem que o Dinosaur Jr tivesse aparecido.
Por outro lado, tem uma faceta tecnopop e oitentista presente em algumas músicas de Tilly, como na dançante (e inspirada em Robyn e Mitski) Bright yellow e na smithiana Concrete. Não é o que mais aparece, já que a principal função de Open the door é aquecer corações com faixas como All the things, uma canção de voz e violão com vocais despedaçados, e Not now – esta, chamando atenção pelo clima folk-jazz que permite vocais tranquilos e linhas de baixo aparentes. A balada Alright tem efeito quase calmante: uma canção com guitarras tranquilas, vocais cantaroláveis e balanço de rock dos anos 1990, mas sem peso. E quase representa toda a riqueza musical do álbum, musicalmente.
Nota: 9
Gravadora: Brace Yourself Records
RESENHA: Em seu projeto solo Prisonnier Du Temps, Lionel Cadiou cruza oi!, pós-punk, hardcore e skate-punk em faixas de guitarras nervosas, vocais de revolta e espírito de confronto.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: La Vida Es Un Mus
Lançamento: 15 de maio de 2026
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Lionel Cadiou faz parte do Syndrome 81’, banda francesa que uniu estilos como oi! punk e pós-punk. Prisonnier Du Temps é seu “projeto solo”, funcionando quase como um codinome. E o álbum Prendre le pouvoir par la force ganha ares de mudança de atitude sonora, em que faixas como Trahisons et mensonges abrem num clima que chega a lembrar bandas como New Model Army – com violões, microfonias e ataques sonoros. Depois, a faixa embarca na oi! music à maneira de bandas como Angelic Upstarts.
La liberté s’obtient par le sang (“a liberdade é conquistada através do sangue”), sustentada por guitarras nervosas e por uma linha de baixo dominante (além do violão na base), tem a mesma cara guerreira de bandas como Social Distortion, com melodia simples e bem feita. O mesmo clima toma conta de faixas como L’armée des ombres, música ágil e quase pós-punk, e do clima quase gótico de Dans la douleur et les larmes e Le genou à Terre.
O Prisonnier investe também em climas abertos e de pura roda na plateia, como Dernier regard, punk para ouvir com os braços pra cima – caindo no skate-punk e no hardcore em Et jusqu’à la mort, gravada em meio a uma parede de som. Berrando como um sindicalista, Lionel convoca à revolta geral fazendo guitarras soarem como sirenes em Bout de nervs – que encerra tudo promovendo a melhor união oi! + pós-punk do álbum.
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RESENHA: Na estreia, a banda venezuelana radicada nos EUA Changing Places In The Fire cruza prog-metal, math rock, nu metal e grunge para falar de exílio, falta de perspectivas e deslocamento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Wild Thing Records
Lançamento: 24 de julho de 2026
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O Changing Places In The Fire é uma banda venezuelana radicada nos Estados Unidos – só isso já dá pano pra manga e assunto pra vários discos. A banda foi para lá fugindo da porradaria, provavelmente antes do aperto geral do governo Trump, e o próprio nome do grupo já indica o dilema entre a cruz e a caldeirinha. Um dilema que domina quase todas as faixas de Changing Places In The Fire, a estreia deles, com faixas falando diretamente sobre exílio (The epiphany tree) e falta de perspectivas (A case against the world).
Já o som do Changing Places In The Fire é um prog-metal bem feito, que capricha em beats quebrados, às vezes próximos do math rock – como em The epiphany tree e no clima pós-punk + nu metal de A reason to fall. Tem muita coisa que caminha para o lado do metalzão cromado (as ótimas guitarras de The fury and the sound e Home). Além de uma balada metálica (Into the unknown) e climas próximos do metal-grunge (Learn to die), e de coisas bem progressivas, como a balada sintetizada e fantasmagórica Black oceans, e a tranquila The door left behind.
Não chega a ser uma proposta original, mas o Changing Places une momentos de cara própria em meio a lembranças de bandas como Tool e Avenged Sevenfold – é um metal progressivo acessível e que valoriza mais a emoção do que a técnica ou a construção de atmosferas. Tanto que dá pra achar riffs econômicos em faixas como A case against the world, valorizando momentos de simplicidade em meio à elaboração mesmo em músicas quase psicodélicas como As if you were free.
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RESENHA: Em seu disco de estreia, Exil, Anaïs Sylla transforma a experiência do exílio em pop sofisticado, cruzando ritmos afro-caribenhos, reggae, r&b, ambient e folk malinês.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Alá Comunicação e Cultura
Lançamento: 21 de agosto de 2026
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Exil, nome do álbum de estreia da franco-suíça-senegalesa Anaïs Sylla, foi tirado de Exil, filme do cineasta Tony Gatlif – uma obra sobre pessoas errantes, que passam por culturas e identidades diferentes. Anaïs, radicada no Brasil, começou a pensar o disco na época da pandemia, quando o “exílio” que geralmente é feito entre países e novas culturas, virou uma obrigatoriedade que deveria ser vivida dentro de casa.
Acabou se tornando uma usina pessoal de criação rítmica e melódica, em que efeitos sonoros, violões, percussões e vocais macios unem-se em canções pop de clima afro e caribenho, como em Minha irmã (com Anelis Assumpção), Regard croisés, Rêver (com Jota.Pê e Caê) e o reggae De bouche à bouche. Em alguns momentos, Exil lembra o começo da carreira de Céu, mas com outras ideias rítmicas no lugar do samba-jazz eletrônico.
O som também abarca r&b ultratexturizado (Silhouette), um ambient viajante e leve (La mer) e o folk do Mali de Je chantrai pour toi (com Tiganá Santana). Exil traz tambem Anaïs lembrando do tempo em que cantou com João Donato na versão de Lugar comum em francês (Endroit commun), e fazendo pop sofisticado e marítimo em Traverséé.
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