Crítica
Ouvimos: High Llamas, “Hey panda”
- Hey panda é o décimo-primeiro álbum de estúdio da banda anglo-irlandesa High Llamas, fundada em 1991 por dois ex-integrantes da banda indie Microdisney, o cantor e compositor Sean O’Hagan e o baixista Jon Fell, além do baterista Rob Allum.
- O novo disco vem oito anos após o anterior do grupo (Here come the rattling trees, de 2016) e traz mudanças no som da banda, que ressurge influenciado por hip hop e sons eletrônicos. Efeitos de autotune aparecem aqui e ali, por exemplo.
- Sean diz à Magnet Magazine que o novo disco lhe parece, de qualquer jeito, como um álbum da banda. “Basicamente porque escrevo em um piano e em um violão de cordas de náilon. Qualquer outra pessoa iria aonde a melodia leva, mas tento levar o ouvinte a um lugar muito diferente”, conta.
Num mundo ideal, o som belo e desafiador dos High Llamas encontraria mais ouvintes nas platafomas digitais do que tem atualmente. Mais do que referenciado em Van Dyke Parks, Beach Boys, The Left Banke e rock barroco em geral, a musicalidade do grupo liderado por Sean O’Hagan encontra paralelo na beleza dos discos orquestrais e das trilhas de filmes lançadas entre os anos 1960 e começo dos 1970. Trechos de discos como Hawaii (1996) soam celestiais como os álbuns orquestrados por Burt Bacharach, ou como as melodias da trilha sonora da fantasia Horizonte perdido (1973), composta por Burt.
Aliás, rebobinando: o filme conta a história de um sujeito, Richard Conway (Peter Finch), que vai parar num lugar chamado Shangri-La com uma turma após um sequestro de avião, e acaba cotado para virar o líder dos lamas locais (o High Lama, enfim). Ainda que o “llama” do nome da banda seja de “lhama” (o animal), e tenha vindo de uma foto que O’Hagan viu numa revista, rola aí uma conexão imaginária de uma das bandas mais criativas e arrojadas da história da música indie com o universo do sonho e da fantasia. Um mundo que está presente em toda a discografia deles. E que arrebanhou muitos fãs pelo mundo agora.
Agora corta pra Hey panda, disco novo deles, e o primeiro em oito anos. Mais eletrônico que o comum na obra do grupo, e produzido após o contato com a obra do produtor e rapper norte-americano J Dilla, pode causar bastante estranhamento em quem conhece a banda de outros discos. Ainda que o High Llamas talvez até estivesse habilitado a passar por uma metamorfose dessas, é complicado ver Sean O’Hagan e seus amigos comportando-se como se fosse uma banda psicodélico-moderninha. Uma metamorfose que, sim, é justa, mas que ainda precisa de maturação.
Da fase nova do grupo, vá sem medo à bossa-nova lo-fi Bade amey, ao lounge-r&b doidão How the best was won (excelente título, por sinal), à balada eletrônica The water moves e ao synth pop (!) Fall off the mountain. Por outro lado, vá com medo à balada blues Hungriest man, e à meditativa The grade, tentativas meio tortas de inserir na sonoridade do grupo efeitos de autotune. Tem o instrumental Yoga goat e Stone cold slow, ambas soando como tentativa de parecer com o disco A wizard, a true star, de Todd Rundgren, mas sem a mesma maravilhosidade. Um retorno bastante aguardado, mas que ainda não é “o” retorno.
Nota: 6,5
Gravadora: Drag City
RESENHA: Hardcore sombrio e sem alívio: o School Drugs mistura punk, grunge e peso metálico em Funeral arrangements, disco de clima fúnebre.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Indecision Records
Lançamento: 24 de outubro de 2025
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A música do School Drugs não foi feita para os momentos, er, felizes da vida – pelo contrário, você talvez demore para escutar um punk rock que seja tão deprê, e que não se roce na estileira emo. O som varia entre hardcore e metal, mas não é “metalcore”: soa na maior parte do tempo como um posto avançado da berraria brutal e da consciência de classe do Exploited, já que o School Drugs tem evidentes influências de grunge e exibe outras referências.
Modern medicine (2019), a estreia do School Drugs, era até mais old-school em relação ao hardcore do que Funeral arrangements, que é o segundo álbum. O disco ficou sendo trabalhado em fragmentos por quatro anos, e começou a se organizar aos poucos em torno de uma paleta sombria, bastante inspirada pela pandemia (discos causados ou influenciados por ela vão sair até 2030, nem duvide disso).
- Ouvimos: Blackwater Holylight – Not here, not gone
Esse clima funéreo gerou faixas como Dead vine, hardcore gritado e desesperado, subindo pelas paredes, cuja letra fala sobre vidas perdidas e danos que jamais serão remediados. Can’t slow down vai na veia das ansiedades que brotaram com força em 2020 – e que permanecem vívidas. Plastic promise abre em clima quase metálico e ganha ares punk. Músicas como No taste, Cold hearted e Brave, repletas de peso e clima sinistro, tentam achar respostas em meio às babaquices e escrotidões do mundo.
De impressionar, tem Epicedum, tema instrumental que começa tremendo o chão, em vibe pós-punk e marcial, e migra pra um tom britpop. Tem também o fato do School Drugs ter resolvido incrementar seu som com cordas em faixas como Haunted, além do funeral musicado da faixa-título, que dura cinco minutos e soa como uma cerimônia punk-gótica. As ferozes Feel like shit e Work forever, por sua vez, falam do tratamento dispensado pelo mundo a uma pá de gente da classe trabalhadora.
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RESENHA: Morro Fuji estreia com sua MPBaze no álbum Ainda nem doeu: MPB, shoegaze e pop sonhador em canções melódicas, nostálgicas e cheias de boas guitarras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: MoFu Records / Shake Music
Lançamento: 28 de maio de 2026
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O Morro Fuji vem do ABC paulista, surgiu no ano anterior à pandemia, e define seu som como MPBaze – uma mistura de MPB e shoegaze, mostrando que a onda de bandas referenciadas nas paredes e nuvens de guitarra é caso sério a ponto de haver misturas bem diferentes do trivial.
Ouvindo com atenção Ainda nem doeu, álbum de estreia do grupo, outras coisas entram em jogo. O Morro Fuji é basicamente uma banda saudosa da época em que o rock nacional não se prendia a padrões e privilegiava a melodia (por mais que a gente tenha Paralamas do Sucesso e Legião Urbana, grooves, beats e vibrações meio formulaicas acabam, muitas vezes, chegando na frente por serem mais fáceis de reproduzir ou de imitar – e isso acontece no mundo todo). O shoegaze entra mais como uma senha melódica, uma cláusula de introspecção – o som não é emparedado e denso, como num disco do My Bloody Valentine.
- Ouvimos: Graham Coxon – Castle Park
Um outro detalhe é que o som de Angela Destro (voz), Leonardo Pacheco (guitarra), Nícolas Farias (voz e guitarra), Natan Bertolino (bateria) e Pietro Demarchi (baixo) une o design melódico de Rita Lee e mumunhas sonoras herdadas de Lô Borges e dos Novos Baianos, às vibrações de bandas como The Sundays e Chapterhouse, além do Ride e o Blur do começo. Eram grupos que, mais do que fazerem “shoegaze”, eram especializados em música sonhadora, em canções que davam a real sensação de estar acima do chão.
O Morro Fuji une todos esses universos, além de guitarras que lembram bastante Smiths e Echo and The Bunnymen, em canções como as estradeiras Brisa e Ação e reação, o pop-rock adulto Agridoce, o soft rock Memorável, a balada voadora Nuvens espirais (Larara), a bossa pop Eu do futuro, o pop de câmara Asa de cera. Nas letras de Ainda nem doeu, o mesmo clima bittersweet de várias bandas dos anos 1980 e 1990 que caminhavam embaixo das nuvens e sentiam ruídos na mente e no coração. Uma música que alude a sonhos, mesmo que às vezes fale sobre como é duro acordar deles.
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RESENHA: Pós-punk suíço com ecos de stoner, indie e U2. O Rivermind lança EP com boas músicas, e cuidados nos arranjos – falta só mais originalidade
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 13 de junho de 2026
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O Rivermind vem da Suíça e engrossa as fileira dos revivalistas do pós-punk que investem em uma sujeira a mais, ou uma atmosfera a mais – as guitarras têm uma distorção ou outra herdada do stoner, os vocais têm aquela limpeza “climática” que vem de bandas como Muse, há uma onde indie-pop que surge em alguns momentos. Imagine, a faixa de abertura do EP Rivermind, traz climas mais pesados – e as duas seguintes, Nightlight e Honey, trazem um clima de pop alternativo confessional.
- Conheça também The Bad Actors, Absorbance, YHWH Nailgun, Crise e Arkells.
Em Honey, há guitarras que lembram o U2 e climas ligeiramente herdados do Royal Blood (o duo é citado na lista de influências do Rivermind). Nevermind, a melhor faixa do EP, soa como um pós-punk mais pop, e mais ligado aos climas indies dos anos 2000. O final, com Sunfire, é diretamente herdado do rock marcial do começo dos anos 1980 – e também dá pra lembrar do U2 ouvindo essa. Só um começo, em que ainda é preciso correr atrás de mais originalidade, mas já existe bastante cuidado com composições e arranjos.
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Ouvimos: School Drugs – “Funeral arrangements”
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