RESENHA: No álbum Dream life, Marta Del Grandi mistura memórias, política e fantasia num pop sofisticado entre dream pop, folk e ambient, com voz em primeiro plano.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Fire Records
Lançamento: 30 de janeiro de 2026

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Cantora e compositora italiana, Marta Del Grandi avisou, ao lançar o single Alpha Centauri, que Dream life, seu terceiro disco, seria diferente em vários aspectos de seu álbum anterior, Selva (2023). “Dream life tem uma abordagem mais contemporânea, com letras que tocam em questões políticas e sociais, uma narrativa pessoal mais explícita e um som pop mais definido. É mais como um fotolivro, mais nítido e detalhado”, conta ela, que também se inspirou num livro que leu, e que trouxe memórias bem antigas de seu tempo de escola.

Essas memórias aparecem unidas em Dream life com viagens às estrelas, recordações de família, vitórias e derrotas do dia a dia, e coisas que (felizmente) foram deixadas para trás. Amores idos, gatilhos e tempo desperdiçado tomam conta de You could perhaps, a faixa de abertura, que trilha Dream life num corredor especial, com referências de Kate Bush, Laurie Anderson, Peter Gabriel, Cate Le Bon e pop alternativo em geral – todas surfando ondas entre o dream pop, o ambient e o industrial (por causa da percussão).

Dream life é um disco que fala de embates com o que muita gente entende como sendo “vida real”. Na faixa-título, uma marcha folk que lembra Lou Reed (e depois ganha clima bubblegum), Marta tenta olhar nos olhos da realidade e ver o que ela pode dizer a respeito da vida (“se eu a deixar vagar livremente / onde ela irá nos levar?”), além de recordar coisas que ouviu ao longo do tempo a respeito de fantasias pessoais.

Antarctica tem algo de pós-punk, de jazz rock e de Yoko Ono, com vocais que soam como um coro grego, e uma letra em que Marta dialoga consigo própria, sem saber como lidar com um passado que queima por dentro (“o tempo em que passo me preparando para ter vantagem / requer muitos cubos de gelo e a Antártida está derretendo”).

São duas faixas que inserem o ouvinte no universo do disco, que musicalmente ainda esbarra no synthpop sonhador (20 days of summer), no folk imagético lembrando Laura Nyro e Judee Sill (Alpha Centauri) e até numa espécie de balada roqueira espacial (a charmosa Show shaped cloud, com clima herdado do jazz e vibe noturna). Neon lights, que fala de criaturas fantásticas e intuições proféticas, é uma música companheira, tranquila – ainda que tenha aspecto experimental e sombrio, distorções e ritmo bem particular.

Dream life destaca bastante a voz de Marta e também o bom trânsito dela entre estilos difíceis e sofisticados – a noturna Some days, perto do fim, é um tema que oscila entre o jazz e o clássico. Oh my father, no final, tem violão discreto e um vocal luminoso que vai se abrindo ao longo da música, ganhando sopros e um beat acústico e seco depois. A letra, por sua vez, resume o sentimento de estranheza do disco, em versos dedicados a seu pai: “será que sou velha demais para estar tão assustado e perdido? / eu já deveria ter aprendido a navegar por estes mares / mas quando as águas sobem, as ondas simplesmente me engolem”. Um som musical e existencial.

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RESENHA: Loopcinema mistura psicodelia, vibe de VHS antigo, colagem sonora e erro criativo. My-lovely-yellow-kombi é viagem sem mapa, entre indie e space pop.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 4 de janeiro de 2026

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Sabrina Garcia, a artista por trás do nome Loopcinema, é a criadora de um universo muito particular, em que a psicodelia surge borrada, como uma fita gasta de VHS ou imagens de um super-8 mal conservado. My-lovely-yellow-kombi, seu sexto disco, funciona como uma colagem em movimento: faixas sonoras cruzam a estereofonia, ruídos se estabilizam (e ganham clima de meditação) e o erro vira linguagem nova.

Para quem curte rap, dá para traçar um paralelo com Earl Sweatshirt e com os discos mais experimentais de Tyler The Creator. Em alguns momentos, o universo de Loopcinema lembra uma Ethel Cain sem terror, em que viagens ao espaço, flamingos, abelhas e astronautas perdidos surgem no meio do caminho – e em meio a versos que parecem trazer mais do que apenas lisergia mutante, como em My-lovely-little-flamingo (“por que escondem tudo da gente? / por que escondem tudo de mim? / de você, de tod—, por que eles contariam tudo pra gente? / qual seria a graça? / eu quero descobrir por conta própria / sem spoilers, sem delongas”, diz a letra).

Perdidas e achadas no disco, surgem lembranças de Syd Barrett, Júpiter Maçã, Flaming Lips, Atoms For Peace e até de hyperpop, como no tecnobrega espacial de Don’t-stop / Can’t-stop, cuja letra é uma cantiga de amor psicodélica. Saia-amarela, a mais acessível do disco, evoca o indie rock dos anos 2000 e sons setentistas, em clima de electro-rock psicodélico. Rice: beans, por sua vez, é o tipo de som que inspiraria a alopração musical de muitos artistas pop, lembrando uma HQ musicada em que rola o encontro de alguém com seu eu do futuro, além de visões além do alcance comum.

Com seis longas faixas, My-lovely-yellow-kombi tem ainda o city pop muito louco de Two lover cinema, música de 15 minutos que passeia entre samples do pop, experimentações de ritmo e uma cara trip hop no fim. E, no encerramento, o beat oitentista e as percussões de Honey. Uma viagem sonora sem mapa.

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RESENHA: NewDad deixa o shoegaze flertar com o pós-punk em Altar, disco denso, pesado e melancólico sobre perdas, traumas e aprendizado cotidiano.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Atlantic
Lançamento: 19 de setembro de 2025

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Vindos de Galway e hoje residentes em Londres, os integrantes do NewDad exploram possibilidades um tanto diferentes para o shoegaze e suas guitarras densas. Altar, o segundo álbum da banda, está mais perto do pós-punk, com todos os minimalismos e friezas inerentes ao estilo: sons frios, linhas de baixo à frente, batidas maquínicas… Mas tudo misturado a climas vaporosos e algum peso, dependendo do momento.

Altar basicamente é um disco sobre perdas, ganhos, fossas da vida, aprendizados que surgem de maneira bem esquisita. Uma espécie de cosmovisão do dia a dia, que surge por exemplo em Sinking kind of feeling, música que fala sobre deus, libertação do pecado, libertação do mal, mas sob um ponto de vista prático (“temo as coisas que fiz e o que posso fazer a seguir / porque há mais de um paraíso / mais de um inferno / e eu vi um destes últimos naquele hotel barato / mas você disse: ‘não pode piorar’”, diz a letra, que segundo a vocalista Julie Dawson, é um retrato de como “a indústria da música é um inferno particular”).

• Ouvimos: Portugal. The Man – Shish

Outra faixa, Heavyweight, traz um monte de conselhos (“tente ser um pouco mais fria / para que eles saibam que não podem tomar o controle”) e um refrão que fala abertamente sobre os traumas da vida (“para que você possa me jogar em águas profundas / e me dizer que isso me tornará mais forte / você me joga nas ondas / e depois age surpreso quando preciso ser salva”).

Essa união de pós-punk, tristezas e mistérios sonoros domina praticamente todo o disco, em faixas como Other side (que soa meio shoegaze / meio metal), Pretty, a ruidosa Roboosh, a balada Sinking kind of feeling (lembrando a fase anos 1990 do The Jesus and Mary Chain). Sons que ganhariam mais tranquilamente a denominação dream pop surgem bem mais perto do final, com Vertigo, Mr Cold Embrace e a balada Everything I wanted.

Vale dizer que o NewDad já sai na frente pela preocupação em juntar letras boas (sim, a banda tem um propósito, vamos dizer assim) a melodias legais e bem referenciadas. Até a opção deles por colocar nas letras religiosidade, infernos e paraísos soa bem gótica. Adote essa banda.

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