RESENHA: Hayley Williams manda recados bem endereçados nas 17 faixas de seus novos singles – que, coletivamente, estão sendo chamados por fãs e jornalistas de Ego. E musicalmente, tudo se sustenta muito bem.

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Bom, pra começar, não existe nenhum disco de Hayley Williams chamado Ego. O nome – originalmente usado numa tintura de cabelo lançada em tiragem limitada pela empresa dela, Good Dye Young – está sendo usado pelos fãs da cantora do Paramore (e por alguns jornalistas) para chamar a coleção de 17 singles que ela soltou de repente.

O lançamento dos singles é um trabalho que merece nota 10 em marketing e vendas, enfim. Hayley abusou do senso de comunidade, soltando primeiro as faixas de graça no site dela – quem era cliente da Good Dye Young teve acesso a uma senha de acesso, depois compartilhada por eles com os outros fãs. O material chegou só bem depois, com uma qualidade sonora melhor (e capas), às plataformas.

No todo, a história aponta para vários lados: mistério (o que era a tal mensagem em áudio que havia na pasta com as músicas?), quentinho no coração (para o lançamento, o site de Hayley ganhou um visual de desktop bagunçado dos anos 1990, com direito a Winamp), vendas (as músicas estão associadas a uma tintura e são um presente da Good Dye Young!), convergência (em tempo de algoritmos, ora vejam só: uma estratégia que envolve e-mail, site e senhas espalhadas por fóruns).

Também aponta para um, vá lá, respeito à experiência dos fãs: ouça as faixas como bem entender, não é um álbum com um programa de audição fixo. Nem sequer há um hit single porque tudo é single. Já musicalmente, o conjunto de faixas atualmente conhecido como Ego tem um conceito, ou quem sabe, vários – e todos se misturam com o lado business da coisa. Hayley agora é uma artista independente, faz pop enrockado em tempos de indie pop e de som-de-quarto, e nunca se sentiu tão à vontade para dizer o que vai pela cabeça.

• Ouvimos: Halsey – The great impersonator
• Ouvimos: Suki Waterhouse – Memoir of a sparklemuffin

Vai daí que na faixa Ice in my OJ, Hayley faz questão de falar de “um monte de idiotas filhos da puta que eu enriqueci”, da mesma forma que faz uma canção de amor aos antidepressivos na ótima Mirtazapine, esbraveja contra a América do Norte cristã e racista em True believer (dos versos “aja como se deus não estivesse olhando / mate a alma, tenha lucro” e “eles dizem que Jesus é o caminho, mas então eles deram a ele um rosto branco / para que eles não tenham que rezar para alguém que consideram menor que eles”).

Hayley também solta montes de frases ácidas em Brotherly hate – que (há quem diga) é uma zoeira cruel com os irmãos Josh e Zac Farro, ex-integrantes do Paramore – e homenageia/desomenageia sua terra natal Nashville em Ego death at a bachelorette party, na qual avisa que “sou a maior estrela no bar deste cantor country racista”. Discovery channel, que traz uma bizarra interpolação de The bad touch, hit de 1999 da Bloodhound Gang (cujo refrão fazia referência ao canal), virou uma pérola das relações abusivas, com uma letra que tanto pode falar de sexo quanto de gravadoras adeptas da suruba econômico-corporativa (“vinte e poucos anos atrás, começamos a jogar um joguinho / e agora vamos todos sentar e terminar, e adivinha? / sua vez, a dor está escondida”).

Levando em conta que Hayley batizou seu selo como Post Atlantic, tudo em Ego tem endereço certo. Já musicalmente, ela e seu parceiro-produtor Daniel James apostam em climas análogos ao dream pop (Zissou é bem isso), visitam a mesma onda glam-sixties de Suki Waterhouse e Halsey (True believer, Brotherly hate), proporcionam novos horizontes ao soft rock (Won’t quit on you, Love me different), recordam a barulheira dos anos 1990 (Kill me, Mirtazapine e a alanismorissettização de Different man) e jogam no time do indie pop (Ego death, Blood bros, Negative self talk e todo o repertório). O conjunto todo acaba soando bem mais instigante do que se fosse apenas um álbum.

Se você nunca ouviu nada de Hayley Williams ou do Paramore, ouça Ego correndo. Se já ouviu tudo, resista à tentação de comparar Ego com o raivoso Petals for armor (lançado por ela em 2020) e ouça como se nem soubesse quem é Hayley.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 10 (vou tratar como álbum)
Gravadora: Post Atlantic
Lançamento: 1 de agosto de 2025

RESENHA: Vitor Brauer leva seu projeto Tréinquinumpára a Porto Velho, misturando piseiro, tecnobrega, noise e humor ácido em parceria com artistas locais.

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Mais conhecido pela sua presença na formação de uma das bandas mais desafiadoras do brasil – o Lupe de Lupe, cujo disco mais recente, Amor, resenhamos aqui – o mineiro Vitor Brauer tem uma carreira solo paralela que segue na mesma missão-visão-valores de sua banda. Ou talvez o próprio Lupe de Lupe tenha muito de seu projeto individual.

Tréinquinumpára 06: Porto Velho é o sexto álbum de uma série de discos em que Vitor dá uma de nômade musical e criativo: ele passa três meses numa capital e grava um álbum numa delas. A ideia é que a série dure dez anos – já se passaram dois. Dessa vez, ele se bandeou para Porto Velho (RO) e interagiu com nomes da cena rondoniense, como Tuer Lapin, Ramon Alves e Quarto Mudo.

O sexto Tréinquinumpára é uma viagem musical ao Norte do país, mas sob a visão de Vitor, que faz quase um pagode noise-rock em Não se apaixone por mim, cuja letra, de tão romântica e desesperada, soa bem humorada: “eu não tenho casa / eu não tenho dinheiro / eu só tenho essa minha jornada / isolado num lugar que não é meu (…) / meu futuro está sempre tão longe / não desperdice sua vida comigo”. Piseiros e tecnobregas tomam conta do disco em faixas como o shoegaze nortista Você me machucou (com batidinha eletrônica e dor de corno abissal na letra) e Pelo amor de deus, amiga, que põe a sofrência feminina na ordem do dia.

O barulho puro toma conta em alguns momentos, como na vibe caótica de João 13:8 (que lembra Captain Beefheart and His Magic Band), na moda noise-rock Porto Velho radiator springs e na porradaria de Franklin Richards – esta, quase um filhote de Sonic Youth e Suicide, cuja letra, toda falada, prega: “as tecnologias a favor do tempo livre / acabaram com o tempo livre / o pobre cada vez mais pobre / o rico cada vez mais rico / o jovem cada vez mais burro / o velho cada vez mais velho”. Completam a viagem a sofrência raiz de Auxílio à lista (cover do sertanejo Nelson Rossy) e a balada grunge desconstruída de Blurzinho.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 29 de julho de 2025

RESENHA: Greta Isaac faz dance punk caótica e teatral em Dolly Zoom, com faixas cheias de atitude e energia.

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Se você teve acesso ao som da galesa radicada em Londres Greta Isaac com seu EP anterior, Productive pain, lançado em fevereiro, vai tomar um susto com Dolly Zoom, seu novo disco. O EP anterior era puramente de dream pop e sons esparsos, experimentais – às vezes beirando a bossa psicodélica, como rolava em Stuck on the ceiling, a faixa de abertura.

Dolly Zoom, o EP novo, traz Greta num território que parece mais natural para ela: o do pop alternativo, às vezes descontrolado como se a direção criativa tivesse ficado maluca, inspiradíssimo em David Bowie a ponto do título do disco ser um alter ego da cantora – a tal da Dolly Zoom, uma personagem que, diz Greta, nasce “da sensação de estar presa em uma sala claustrofóbica de como achamos que devemos parecer, nos comportar ou falar”.

Puramente Dolly Zoom é um disco de dance punk, em que sons de dança pesada emendam-se um no outro, começando com a impulsiva Soft scoop talking dog, e seguindo com o hino de influencers animadas Movie star (“mamãe e papai disseram: seja boazinha / foda-se essa merda, eu sou Hollywood!”), o electroclash provocativo de Car crash e o eletrorock de Villain. O EP é bem curto, aliás: são oito minutos e cinquenta segundos (!) de som eletrônico e escapista, ainda em fase de testes e de construção de imagem.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7,5
Gravadora: Kartel
Lançamento: 8 de agosto de 2025.