Cinema
Um filme sobre Remo Usai, o grande músico do cinema brasileiro
“A música é arte. Ela não é ditatorial. Ela não impõe condições. Ela propõe emoções”. Dá um nó na garganta ver Remo Usai, então um senhor de 80 anos, dizendo essa frase logo no começo do curta Remo Usai – Um músico para o cinema, dirigido por Bernardo Uzeda em 2008, e que foi foi vencedor do Festival É Tudo Verdade, naquele ano, na categoria melhor curta metragem.
Remo, caso você nunca tenha ouvido falar dele, foi simplesmente o maior compositor de música de cinema do Brasil – durante vários anos, foi praticamente o único autor de música para as telonas no país. Morreu aos 93 anos, na quarta (9), deixando uma obra enorme, que passou um bom tempo tentando organizar em casa, mexendo em velhas fitas com as gravações das músicas que havia composto.
Entre os filmes para os quais ele compôs trilhas, estão clássicos como Assalto ao trem pagador (1962), de Roberto Farias, Boca de Ouro e Mandacaru vermelho, de Nelson Pereira dos Santos. Seu trabalho passou pelo cinema novo, pelos filmes dos Trapalhões (O trapalhão nas minas do Rei Salomão, de 1977, tem músicas dele) e por sucessos como O caso Cláudia, de Miguel Borges.
Ainda assim, Remo precisou brigar muito para receber o dinheiro dos direitos de execução de suas músicas no cinema e na televisão. Segundo uma matéria do jornal O Globo, a disputa dele com o Ecad (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição) durou quase 40 anos, e só em 2021 o músico recebeu o pagamento de cerca de R$ 3,5 milhões.
O filme de Uzeda pode ser visto no Vimeo. Remo aparece tocando piano e dando depoimentos sobre sua vida e carreira – logo nos primeiros minutos, recorda quando foi à Califórnia ainda tropeçando no inglês, estudar música de cinema com Miklos Rosza. Hernani Heffner, gerente da Cinemateca do Museu de Arte Moderna (MAM-RJ), um dos entrevistados do documentário, recorda que Remo se destacou pelo pioneirismo, por ter aparecido na história da música para cinema e mostrado como realmente se compunha para a tela grande.
“Quando ele surge e diz: ‘Não é assim que se faz, tenho que ter uma maior precisão, tenho que encaixar meu trabalho dentro da narrativa’… Isso realmente soou muito estranho. Mas como ele deu as soluções, as pessoas se encantaram com ele”, recordou Hernani, lembrando também que mudanças no cinema nacional afastaram Usai do trabalho. Remo lembra com ironia essa época de pouco trabalho (durante a qual foi dar aulas e palestras), dizendo que “apareceu gente nova, muitos diretores morreram, e assim acabou: o Remo morreu”, afirmou.
Aqui no Pop Fantasma, não é um hábito nosso fazer obituário, mas eu tenho um grande orgulho de ter entrevistado Remo Usai para o Jornal do Brasil, numa matéria que saiu no dia 31 de julho de 2008, e que pode ser lida no site da Biblioteca Nacional. Não fui à casa dele (Felipe O’Neill, o fotógrafo, foi lá) e bati o papo por telefone. A matéria anunciou o filme de Uzeda (que também falou comigo). Usai guardava no apartamento onde vivia com a mulher, no Cosme Velho, “cinco décadas de história do cinema nacional”. Eram mais de 200 trilhas que, esticadas, davam “40 quilômetros de fita”, e que ele tinha acabado de recuperar antes que todo o material fosse perdido para o mofo.
“Não quero que esse material se estrague. Gostaria que o Ministério da Cultura ou alguma empresa ajudasse a preservá-lo”, contou Usai, que parte num momento muito triste da cultura brasileira.
É provável que os fãs do Radiohead estejam esperando BASTANTE por um filme de concerto do grupo – mas pelo menos vem por aí um filme de show de… Thom Yorke, líder da banda. A primeira tour solo do cantor vai ganhar o registro oficial Thom Yorke Live at Sydney Opera House, com os shows que ele fez em novembro de 2024 no Forecourt, pátio da Ópera de Sydney. Detalhe que os fãs não apenas do Radiohead como também de todos os projetos capitaneados por Thom podem esperar para se sentirem contemplados pelo filme. A direção é de Dave May.
Isso porque, segundo o comunicado de lançamento, Thom Yorke Live at Sydney Opera House “abrange todos os aspectos dos mais de trinta anos de carreira de Yorke como artista de gravação, desde uma versão acústica de tirar o fôlego de Let down (Radiohead), até faixas menos conhecidas favoritas dos fãs (como Rabbit in your headlights, do UNKLE) e seleções de seus aclamados álbuns solo com influências eletrônicas”. Ou seja: você confere lá todo o baú de recordações do cantor, que mergulhou também em canções de sua banda paralela Atoms For Peace e de seu projeto em dupla com Mark Pritchard (o disco Tall tales foi resenhado aqui pela gente).
Um outro detalhe que o release promete: mesmo que a casa de shows seja enorme, a sensação é a de assistir a um show bem intimista, tipo “uma noite com Thom Yorke”. “O filme tem ares de um vislumbre íntimo dos bastidores, permitindo testemunhar um mestre em ação. Yorke une as diversas vertentes de sua carreira com seu falsete arrebatador e presença de palco magnética. Para fãs de Radiohead, The Smile e tudo mais, esta é uma experiência cinematográfica imperdível”, dá uma enfeitada o tal texto.
Live at Sydney Opera House estreou no Playhouse da Ópera de Sydney no último dia 20 de janeiro. No dia 6 de março, uma sexta-feira, ele chega nos cinemas da Austrália. Vale aguardar? Confira aí Thom soltando a voz em Back in the game, dele e de Pritchard, e o trailer do filme (e sem esquecer que temos um podcast sobre o começo do Radiohead, que você ouve aqui).
RESENHA: Os Raveonettes mergulham de vez no lo-fi e shoegaze em PE’AHI II, disco que soa mais próximo de uma transição do que de uma realização.
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Raveonettes, aquela dupla que misturava distorções a la Jesus and Mary Chain, clima melodioso herdado dos anos 1950 e estética do filme Juventude transviada, lembra? Pois bem, eles guiaram o timão de vez para gêneros como shoegaze e lo-fi. Não é algo estranho ao som deles, vale falar. Climas “serra elétrica” sempre tiveram lugar nos discos de Sune Rose Wagner e Sharin Foo. PE’AHI II, novo disco, é a continuação de PE’AHI, disco de 2014 que já promovia suas invasões nessas áreas. Sem falar que 2016 atomized – disco anterior de inéditas da banda, 2017 – surfava essa onda.
Só que o Raveonettes de 2025 chega a soar experimental, mesmo quando abre o novo disco com uma balada nostálgica e melancólica, Strange. E na sequência, o ruído programado de Blackest soa como uma curiosa mescla de blackgaze e pop de câmara. Já Killer é uma nuvem de microfonias que lembra bandas como Drop Nineteens, só que com mais cuidado na melodia.
Entre as outras curiosidades do disco, estão o noise rock programado de Dissonant, a viagem sonora e distorcida de Sunday school e a onda sonora de microfonia (alternada com toques dream pop) de Ulrikke. O resultado final deixa um ar de EP, de mixtape, mais do que de um álbum completo e realizado dos Raveonettes. Ainda que PE’AHI II tenha momentos ótimos, soa mais como uma transição para o que vem por aí.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Beat Dies Records
Lançamento: 25 de abril de 2025
Por muito tempo, Onda nova (1983), filme dirigido por Ícaro Martins e José Antonio Garcia – e censurado pelo governo militar –, foi jogado no balaio das pornochanchadas e produções de sacanagem.
Fácil entender o motivo: recheado de cenas de sexo e nudez, o longa funciona como uma espécie de Malhação Múltipla Escolha subversivo, acompanhando o dia a dia de uma turma jovem e nada comportada – o Gayvotas Futebol Clube, time de futebol formado só por garotas, e que promovia eventos bem avançadinhos, como o jogo entre mulheres e homens vestidos de mulher. Por acaso, Onda nova foi financiado por uma produtora da Boca do Lixo (meca da pornochanchada paulistana) e acabou atropelado pela nova onda (sem trocadilho) de filmes extremamente explícitos.
O elenco é um espetáculo à parte. Além de Carla Camuratti, Tânia Alves, Vera Zimmermann e Regina Casé, aparecem figuras como Osmar Santos, Casagrande e até Caetano Veloso – que protagoniza uma cena soft porn tão bizarra quanto hilária. Durante anos, o filme sobreviveu em sessões televisivas da madrugada, mas agora ressurge restaurado e remasterizado em 4K, estreando pela primeira vez no circuito comercial brasileiro nesta quinta-feira (27).
Meu conselho? Esqueça tudo o que você já ouviu sobre Onda nova (ou qualquer lembrança de sessões anteriores). Entre de cabeça nessa comédia pop carregada de referências roqueiras da época, um cruzamento entre provocação punk e ressaca hippie. O filme abre com Carla Camuratti e Vera Zimmermann empunhando sprays de tinta para pixar os créditos, mostra Tânia Alves cantando na noite com visual sadomasoquista, segue com momentos dignos de um musical glam – cortesia da cantora Cida Moreyra, que brilha em várias cenas – e trata com surpreendente modernidade temas como maconha, cultura queer, relacionamentos sáficos, mulheres no poder, amores fluidos e, claro, futebol feminino.
Se fosse um disco, Onda nova seria daqueles para ouvir no volume máximo, prestando atenção em cada detalhe e referência. A trilha sonora passeia entre o boogie oitentista e o synthpop, com faixas de Michael Jackson e Rita Lee brotando em alguns momentos. E o que já era provocação nos anos 1980 agora ressurge como registro de uma juventude que chutava o balde sem medo. Vá assistir correndo.
*****
Já Milton Bituca Nascimento, de Flavia Moraes, que estreou na última semana, segue outro caminho: o da reverência, mesmo que seja um filme documental. Durante dois anos, Flavia seguiu Milton de perto e produziu um retrato que, mais do que um relato biográfico, é uma celebração. E uma hagiografia, aquela coisa das produções que parecem falar de santos encarnados.
A narração de Fernanda Montenegro dá um tom solene – e, enfim, logo no começo, fica a impressão de um enorme comercial narrado por ela, como os daquele famoso banco que não patrocina o Pop Fantasma. Aos poucos, vemos cenas da última turnê, reações de fãs, amigos contando histórias. Marcio Borges lê matérias do New York Times sobre Milton, para ele. Wagner Tiso chora. Quincy Jones sorri ao falar dele. Mano Brown solta uma pérola: Milton o ensinou a escutar. E Chico Buarque assiste ao famigerado momento do programa Chico & Caetano em que se emociona ao vê-lo cantar O que será – um vídeo que virou meme recentemente.
Isso tudo é bastante emocionante, assim como as cenas em que a letra da canção Morro velho é recitada por Djavan, Criolo e Mano Brown – reforçando a carga revolucionária da música, que usava a imagem das antigas fazendas mineiras para falar de racismo e capitalismo. Mas, no fim, o que fica de Milton Bituca Nascimento é a certeza de que Milton precisava ser menos mitificado e mais contado em detalhes. Vale ver, e a música dele é mito por si só, mas a sensação é a de que faltou algo.
Por acaso, recentemente, Luiz Melodia – No coração do Brasil, de Alessandra Dorgan, investiu fundo em imagens raras do cantor, em que a história é contada através da música, sem nenhum detalhe do tipo “quem produziu o disco tal”. Mas o homem Luiz Melodia está ali, exposto em entrevistas, músicas, escolhas pessoais e atitudes no palco e fora dele. Quem não viu, veja correndo – caso ainda esteja em cartaz.
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Ouvimos: Demob Happy – “The grown-ups are talking”
Ouvimos: Tombstones In Their Eyes – “Under dark skies”
Ouvimos: Victoryland – “My heart is a room with no cameras in it”
Ouvimos: Kazaizen – “Sky fish fly”
Urgente!: Nova exposição sobre David Bowie vai te levar pra dentro da mente dele
Urgente!: Véspera transforma faixa-título de seu álbum em canção densa e espacial
Ouvimos: Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago – “Criolo, Amaro e Dino”
Ouvimos: Public Enemy – “Black sky over the projects: Apartment 2025” / Chuck D – “Chuck D presents Enemy Radio: Radio Armageddon”
Ouvimos: KMFDM – “Enemy”
Ouvimos: Siren Section – “Separation team”
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Ouvimos: Lisa SQ – “Reel me in”
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