Crítica
Ouvimos: Smashing Pumpkins, “Aghori mhori mei”
- Aghori mhori mei é o décimo-terceiro disco de estúdio dos Smashing Pumpkins, hoje um trio formado por Billy Corgan (voz, guitarra, composições), Jimmy Chamberlin (bateria) e James Iha (guitarra). O disco por enquanto saiu apenas em formato digital. Uma edição em vinil com conteúdo expandido está prevista para 22 de novembro de 2024. Para a mesma data, está previsto o single Formosa/Our Lady of Sorrow.
- A banda vinha trabalhando no álbum desde 2022 – em meio a isso, lançaram a ópera-rock tripla Atum. Para Billy Corgan, o disco é a versão Mellon Collie/Siamese dream do grupo, e é um álbum voltado para as guitarras pesadas – ao contrário do som mais variado e eletrônico de álbuns anteriores. A ideia de Corgan foi voltar à mentalidade que ele tinha quando fez as músicas dos primeiros discos, mas sem tentar se repetir. “Você tem que quase descobrir uma nova versão da versão antiga”, disse aqui.
Nos últimos anos, os Smashing Pumpkins cismaram que seus fãs morrem de saudade dos mistérios de discos como o gigante Mellon Collie and The Infinite Sadness (1995) – faz sentido, já que o terceiro álbum do grupo é uma das várias explosões dos anos 1990, aquela época em que parecia que cada artista poderia ter seu The dark side of the moon particular, nem que fosse por 15 minutos. Levando em conta que o líder Billy Corgan lamentou por vários anos que Machina/The machines of god (2000), último disco da primeira fase da banda, geralmente era esquecido e subestimado, tons sombrios, sobrenaturais e místicos estariam garantidos nos álbuns seguintes, nem que fosse por pura teimosia.
Foi mais ou menos por aí que tudo rolou, em discos cujos títulos mais pareciam nomes de videogames, como Shiny and oh so bright, Vol. 1 / LP: No past. No future. No sun. (2018), Cyr (2020) e a (boa, vá lá) ópera-rock Atum (lançada em três partes entre 2022 e 2023). “Mais ou menos”, no caso, porque os Pumpkins passavam a maior parte do tempo migrando do metal alternativo para o synth pop, e em vários discos, pareciam terem perdido bastante a mão. No razoável Zeitgeist (2007), o primeiro disco da fase 2, Billy voltou acompanhado apenas do baterista Jimmy Chamberlin, e deixou confusos até mesmo os fãs mais ardorosos: será que a independência que ele jogava na cara de seus colegas de banda em discos anteriores (ele regravava guitarras e baixos em álbuns como Siamese dream, de 1993) era para inglês ver?
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E pronto: Aghori mhori mei, o disco novo dos Pumpkins, é de verdade o tal disco “da volta ao rock” que andam falando por aí, e mostra que Billy Corgan, ao lado de Jimmy e de James Iha (guitarra), resolveu ir além das aparências, e assumiu que o peso, a beleza e as guitarras de discos como Gish (1991) e Siamese dream (1993) já são clássicos. Os riffs da faixa de abertura, Edin, já deixam isso bem claro – assim como a gravação de voz de Corgan, que sugere uma volta aos anos 1990. Na sequência, o clima desértico e roqueiro de Pentagrams, adornada por sintetizadores, e o balanço de Sighommi (primeiro single do disco, lançado junto com o álbum).
O baladão dream pop da orquestral Pentecost cresce o olho para fãs de metal alternativo, e a marcial War dreams of itself lembra uma faixa perdida de Gish. Na segunda metade do disco, os Pumpkins fazem lembrar (pode acreditar) um Pearl Jam gótico em Who goes there, deixam cair uma grungeira rápida em 999, lembram os tempos de Machina em Goeth the fall. O disco é encerrado com um repetitivo festival de riffs em Sicarus e com uma costumeira balada nebulosa e grandiloquente do grupo, Murnau.
Aghori mhori mei não é o disco perfeito dos Smashing Pumpkins, e deixa no ar uma certa impressão (reforçada pelos discos imediatamente anteriores) de que a magia se perdeu, e Billy Corgan teve de descer do olimpo que ele acreditou habitar. Vale dizer que a quase inexistência de artistas atuais influenciados musicalmente pelo lado guitar band dos Pumpkins, indica que Corgan percebeu que o som do grupo envelheceu bem mais do que o de bandas como New Order, R.E.M., Sonic Youth, Blondie e The Cure – cujas referências podem ser achadas até em discos bastante pop dos dias de hoje. O saudoso Steve Albini costumava zoar o Pumpkins chamando a banda de “REO Speedwagon das festas college”, um ou outro crítico musical já chamava a atenção pro fato de que havia uma caretice básica incrustrada na fórmula da banda. O tempo não diminuiu as qualidades dos Pumpkins, mas tratou de colocar as coisas em seus lugares.
Nota: 7
Gravadora: Martha’s Music/Thirty Tigers
RESENHA: Em Wintry mix, o Superchunk reúne uma faixa inédita e versões de Wham!, Magnetic Fields e Galaxie 500, misturando power pop, punk e clima natalino.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Merge Records
Lançamento: 6 de novembro de 2026
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Wintry mix, EP que o Superchunk lançou de surpresa, é (ora vejam só) um disco de inverno cheio de melodias solares, contendo uma música autoral original e quatro versões, todas ligadas ao Natal ou à estação mais fria do Hemisfério Norte. O disquinho tem um cachorro sorridente na capa – ou seja: é capaz de você se apaixonar por Wintry mix antes mesmo de ouvir.
“Vejo essas músicas sazonais como um quebra-cabeça divertido de resolver”, explica Mac McCaughan. O desafio seria encontrar uma maneira de deixar a marca da banda num assunto tão explorado. Shortest day of the year (No tinsel mix), única autoral, oferece uma boa medida do plano: power pop garageiro, vozes melódicas e uns “uuu” que aproximam Beach Boys e Weezer. Música de inverno com um pé na praia, porque o Superchunk tem dessas.
Last Christmas, do Wham!, aparece numa versão ruidosa e alegre, com a guitarra tomando conta sem soterrar a melodia de George Michael – é power pop purinho, respeitando o original, mas dando cara nova. O grupo regravou também duas do Magnetic Fields: The blizzard of ’78 e Have you seen it in the snow, vieram do conceitual 50 song memoir (2017). A primeira faixa ganha uma correria quase Ramones – a segunda encontra um punk sessentista que lembra os discos solo de Johnny Thunders (New York Dolls).
Snowstorm, do Galaxie 500, fecha o pacote trocando o andamento arrastado por um ataque entre Ramones e Buzzcocks, com certa tensão na guitarras que fazem lembrar a tempestade do título. Cinco faixas bastam para o Superchunk fazer um baita disco.
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RESENHA: Em The holy cross tigers, o Twisted Teens estreia na Sub Pop misturando punk, garage rock e country em canções sobre separações, traições e ressentimento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Sub Pop
Lançamento: 6 de novembro de 2026
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Os Ramones fizeram e gravaram Questioningly, então não há motivo para o Twisted Teens ter vergonha de chorar as mágoas sobre uma guitarra country. The holy cross tigers, estreia na Sub Pop e terceiro disco do grupo em 2026, mistura punk, garage rock e melodias de gente que perdeu o amor, mas ainda lembra o caminho do bar. Caspian Hollywell canta com uma voz rouca que remete a Jimi Hendrix, enquanto a steel guitar de RJ Santos parece conhecer detalhes da história que ele preferia esquecer.
Segundo Hollywell, as músicas vieram de uma separação durante uma viagem à Albânia. De volta a Nova Orleans, ele continuou dividindo a casa com a ex e bebendo além da conta. Mas a dupla não trata a desgraça com solenidade. À Pitchfork, o cantor resumiu sua fé na melodia: “Se você fizer uma canção grudenta, pode tocar qualquer coisa e as pessoas vão gostar”. Os Buzzcocks, citados por ele na conversa, ajudam a entender o método.
Stalks abre com country garageiro e termina entre “defeitos especiais”. When we first met junta indie rock dos anos 2000 e desespero country, lembrando um começo amoroso que já não existe. Be an angel ensaia uma entrada celestial, com violão, steel e teclados, antes de emendar num country rock tranquilo, mas amargo. Blue rose é quase um Buzzcocks de voz encardida, até a guitarra de Santos aparecer.
I spend my time crying leva a comparação com Questioningly adiante: uma balada punk country, com voz queixosa e uma steel lindíssima acompanhando o pedido de mais bebida. Figure it out aproxima Modern Lovers e Bruce Springsteen, enquanto Lock and key troca a separação pela traição entre amigos, com uma melodia que sugere lugares distantes do country antes do corte abrupto.
Nas letras de The holy cross tigers tem um detalhe: há certa atenção dispensada às plantas, às flores e à possibilidade de alguma coisa voltar a crescer – uma sensibilidade pouco vista na obra deles. Every flower tem um soul hendrixiano que vai derretendo em ruído e experimentação. Darker the night is the brighter I see encerra entre Beatles, Velvet Underground e vozes distorcidas, quase num pesadelo.
No geral, The holy cross tigers não é a história arrumadinha de quem sofreu, aprendeu e ficou bem. O disco carrega no clima de recaída, e no ressentimento – em vez de enjoar ou ficar cafona, combina com o som do duo a ponto de dar vontade de ouvir tudo outra vez.
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RESENHA: Em Neo punk, Pusher174 mistura punk, no wave, garage rock e gótico em gravações caseiras, com letras sobre angústia, dificuldades cotidianas e rebeldia.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 7 de novembro de 2026
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O Pusher174 é o projeto musical de Luis Henrique Lopes da Costa, mineiro radicado na Bahia que compõe, produz e grava seu barulho em condições caseira. No disco anterior, Líder dos delinquentes, o som parecia ter escapado da Mute Records do começo dos anos 1980. Neo punk, o novo disco, amplia a urgência: tem no wave, garage, gótico, teclados espaciais e até uma lembrança de power pop. As letras estão menos diretas, mas continuam políticas no cansaço, no dia a dia de dureza relatado e no prazer de incomodar.
A faixa-título é quase no-wave, costurada por um riff selvagem. Já Escolher matar aproxima new wave e Iggy Pop numa fantasia violenta, enquanto Stress usa violão, percussão e um coralzinho para juntar angústia existencial e contas (boletos, enfim) que não fecham. Os “defeitos especiais” impedem que a gravação caseira vire sinônimo de tranquilidade.
Eu tô entediado parece montada com pedaços que vieram de lugares diferentes: voz, guitarra e bateria não têm a mesma textura, o sax aumenta a confusão e os glitches finais tiram tudo do eixo, como se houvesse algo de hip-hop alternativo nesse punk de computador. Já Fica comigo poderia ser um Teenage Fanclub da fase Grand prix pervertido. O pedido amoroso é dirigido ao Brasil, entre a dificuldade de fingir indiferença e a vontade de mandar gente embora.
Um beijo dói tem baixo distorcido e evocações de Buzzcocks e Replicantes, na letra de puro romantismo punk. Memória do sangue passa pelo gótico verde-e-amarelo de Zero e Arte no Escuro, com bateria tribal e rap de Iku the Kid. Nada pra reclamar é quase um gótico minimalista, “de brinquedo”, com sax lembrando Psychedelic Furs e clima experimental do meio para o fim. Já O medo não me assusta fecha o disco com psicodelia garageira: sons lembrando órgão Farfisa e vibe lembrando The Damned surgem na faixa, cuja letra fala sobre desobediência sem cerimônia.
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Ouvimos: Twisted Teens – “The holy cross tigers”
Ouvimos: Pusher174 – “Neo punk”
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