RESENHA: Em Good weather for immaculate conception, Alanis Morissette mistura clássicos natalinos e canções autorais sobre melancolia, pressão social e inclusão.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7
Gravadora: Epiphany Music
Lançamento: 6 de novembro de 2026

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Alanis Morissette, como os fãs do álbum Jagged little pill (1995) sabem, é boa de análise. Praticamente tudo que você guardou das letras dela veio de alguma coisa que a cantora resolveu destrinchar – algum sentimento, trauma, evento da vida dela, qualquer coisa. Em Good weather for immaculate conception, seu álbum natalino, poderia sobrar assunto: a obrigação de sorrir, os encontros indesejados e a melancolia que não tira férias em dezembro. O repertório tem clássicos e duas autorais, e funciona melhor quando a Alanis compositora aparece no meio dos enfeites.

To an empath at Christmas time é a música que fala disso. Uma balada folk com batida pop, que vai ganhando aos poucos um acabamento próximo do soft rock e do mesmo som “alternativo” dos anos 1990 que marcou Alanis. A letra conversa com quem não aguenta a euforia, o consumo e a pressão para passar semanas fingindo que está tudo ótimo (“você não precisa sorrir para nós, nem ter um momento alegre / você não precisa prender a respiração até a época do Ano Novo”) enquanto responde a uma tia chata sobre namorados, namoradas ou empregos.

O holy night mostra que Alanis está cantando MUITO, nível Christine McVie e Stevie Nicks misturadas numa só. Tem sinos de natal e uma interpretação bonita. Mas é isso que o fã dos discos autorais esperava ouvir? Outra coisa: será que a presença de temas tradicionais faz sentido, já que Alanis aproveita para conversar com quem não suporta a melancolia da data? What child is this, canção tradicional construída sob a melodia da mais tradicional ainda Greensleves, tem violão folk e um canto (vá lá) exagerado. Já Little drummer boy fica celestial, enquanto Happy Xmas (War is over) – aquela mesma de John & Yoko, que Simone imortalizou, para o bem e para o mal, em português – preserva a emoção da canção numa gravação cheia de ambiência.

As coisas vão se ajeitando devagar em Good weather…: Beautiful star of Bethlehem põe o banjo do ator Steve Martin ao lado de Brandi Carlile num country acolhedor e realmente bonito. River, de Joni Mitchell, encontra piano, voz e cordas e fica linda. Momma Mary ganha peso entre gospel e britpop. É importante falar que a Alanis “autora” é a que dá cara própria mesmo quando relê músicas – isso porque Christmas on the dancefloor, uma das autorais, é a que rende menos no disco: um metal natalino sem a menor graça, ainda que tenha uma letra bacana, unindo festejo de Natal, dança e sacanagem.

Vale dizer que o Natal de Alanis tem protesto e inclusão, com a diversidade queer das vozes de Joy Oladokun (em Silent night) e do coral Trans Voices (na bela e sombria versão de O tannenbaum). No mais, Last Christmas (aquela do Wham!, que por sinal o Superchunk também gravou agora) vira um synth-pop meio sessentista, e Martin Short participa do jazz pianístico de Merry Christmas.

Há excessos e escolhas previsíveis em Good weather for immaculate conception. Mas o Natal de Alanis faz sentido. Talvez não seja o que seus fãs esperavam (bom, o disco surgiu de um velho hábito dela, de gravar canções de Natal para amigos e parentes, e tem contexto aí). Mas dá certo quando dá certo.

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RESENHA: Em Dead company, quinto álbum do Royal Blood, a dupla aposta em produção crua e riffs de hard rock, punk e metal alternativo, mas perde a inventividade.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 6
Gravadora: Warner
Lançamento: 6 de novembro de 2026

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Eu tenho tendência a ver certos discos na base do “ah, daqui a alguns anos as pessoas vão entender isso direito”. Faz sentido, porque certas mudanças não são compreendidas de cara, ainda mais quando você, eu e todo mundo esperava outra coisa. Só que… Bom, na real, qualquer pessoa já sabia que um dia o Royal Blood se tornaria apenas mais uma banda de som pesado e “rock alternativo”. Dead company, o quinto disco da banda, é um passo pra lá de largo nessa direção.

Pela primeira vez, o som de Mike Kerr (voz, baixo e teclados) e Ben Thatcher (bateria) parece magrinho, desprovido do regime de engorda a que era submetido, em meio a ideias, efeitos e pedais, nos álbuns anteriores. Alguns momentos, como o punk Mother never told you, soam como se alguém tivesse desligado a tomada e… puf. Era só baixo e bateria mesmo, o resto era mágica. A própria dupla produziu o disco e apostou numa espécie de antiprodução, pondo tudo a nu e tentando voltar à estreia, Royal Blood (2014). Uma “volta” muito entre aspas, já que há bem menos efeito surpresa aqui.

Dá certo em alguns momentos? Olha, Nowhere all along, um blues-rock simples, é uma das melhores do disco, das mais bem absorvidas pelo clima “bom e velho roquenrol” de Dead company. As composições não precisavam ter acompanhado esse emagrecimento, que deixa boa parte do repertório “legalzinho”. Quase dá a impressão de que algum dono de rádio rock brasuca baixou no estúdio, determinou como deveria ser a gravação e o duo levou a fama.

A faixa-título vai na onda do metal alternativo comum. Swallow the bomb melhora a mistura de punk e peso, e Ten over ten começa no hardcore antes de cair no punk. Ride oferece um metal cromado que passa sem deixar muita coisa. O problema não é a simplicidade: é faltar uma ideia que justifique colocar mais um riff na sequência.

Rear view mirror encontra essa “ideia” perdida, num peso zeppeliniano que ainda tem algo de Smashing Pumpkins. Take em all tem suingue, vozes sequenciadas e uma abertura entre Queen e Lenny Kravitz. Já os efeitos de Tapping out ajudam, mas a faixa parece perdida entre tantos rocks pesados, do Royal Blood e de outras bandas. The closer, por sua vez, encerra o disco migrando para um metal mais tradicionalista, de clima gospel no andamento – soa quase como um alt-pop pesadíssimo, legal mas só… legal.

O risco de fazer um disco de “volta ao passado” é que, como dizem por aí, foguete não dá ré – e mesmo voltando ao começo, convém mostrar que você não é mais o mesmo. E em Dead company, o Royal Blood quase ficou parecendo uma banda revivalista que quer imitar o começo deles. Olha…

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RESENHA: No EP Hymn, a banda sul-africana Pussy Heaven mistura pós-punk, doom metal e shoegaze em três faixas com riffs pesados, percussão tribal e corais ritualísticos.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 30 de junho de 2026

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O Pussy Heaven, banda feminina da África do Sul, faz um som que já foi definido como industrial e progressivo-dark – na real, está mais para uma curiosa mescla de pós-punk e doom metal. O EP Hymn tem três faixas de riffs crus, microfonia e batidas que às vezes soam como tambores de chamada. Por cima, vozes em coro chegam de longe, entre o cântico e a ameaça. O nome do EP faz sentido: são hinos, temas cerimoniais.

Ok, dificilmente alguém vai escolher essas músicas para animar uma cerimônia de igreja – mas a vibe é essa. E a graça também. Milkshake começa com ruídos e microfonia, até uma batida selvagem encontrar um riff que costura a faixa. A lentidão e o peso do doom ganham uma impaciência punk, enquanto o vocal parece conduzir um ritual de feitiçaria no cômodo ao lado. A guitarra ruge, as vozes se afastam e a tensão cresce.

Alfie abre distorcida, mas o coro traz uma beleza celestial. Há algo de grunge e shoegaze nessa combinação de sujeira e vozes delicadas. Depois, teclado e batida ensaiam um ambiente suspenso, próximo do ambient, que o riff logo atravessa. A percussão ajuda a impedir que a música se acomode na névoa do shoegaze.

Gizmo coloca os tambores e o coro para seguir o mesmo passo, com uma pulsação de pós-punk e um peso sabbathiano. As vozes, antes mais distantes, passam a participar do ataque. É a faixa em que o lado cerimonial do grupo mais se aproxima de uma convocação para o tumulto. As letras do EP passam pela fragilidade da vida, pela vontade de seguir em frente e pela revolta, com imagens que aumentam o tal ar de ritual. Há esperança ali, mas ela vem acompanhada de avisos e ameaças.

O EP é curto, mas dá para perceber uma banda interessada em mexer na relação entre peso e delicadeza. As guitarras não ficam apenas fazendo uma parede atrás do canto: interrompem, rasgam e mudam o rumo das músicas. E os corais têm beleza suficiente para atrair você para perto do barulho. Não é apenas tecnologia – parece feitiçaria, e isso é ótimo.

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