RESENHA: Em Carnaval de luz, o U2 recupera o pós-punk e a eletrônica, com produção de Jacknife Lee e participação de Dolly Parton, mas ainda exagera na grandiosidade.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Island
Lançamento: 13 de novembro de 2026

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Tinha uma velha piada de que o U2 não tinha fãs: tinha uma galera que literalmente brotava nos shows, como se viesse debaixo da terra. Pessoas com quem você nem esbarrava na rua, porque só saíam do chão para ver a banda. Claro que é piada, mas dá para entender o sentido pela quantidade de gente que provavelmente nunca foi a outro show na vida. Só a um ou dois do U2.

Dito isso: Carnaval de luz é mais do que um disco. É a tentativa do U2 de agradar aos fãs antigos e à galera “ocasional” em todos os sentidos: quem ama os hits e se diz fã número um, quem passou a ouvir porque gosta do Bono, quem gosta do lado politizado do quarteto e quem nem ouve tanta música, mas ouve U2. Provavelmente nem Paul McCartney tem essa preocupação, mas o grupo precisa ter, porque não adianta botar a cabeça para fora de casa se for para fazer uma coisa pequena. Muito dinheiro, muitas nações, muitas expectativas, muito TUDO envolvido. Assim não dá nem vontade de fazer música. Ou dá?

Vale dizer que os tempos estão favoráveis para o U2. Mesmo os fãs mais roqueiros já reconhecem a banda irlandesa como um grupo pop, ou alt-pop, que usa elementos hipnóticos do pós-punk, do krautrock e da eletrônica para construir seu som. A visão artística de Bono, The Edge, Larry Mullen Jr. e Adam Clayton facilita. O U2 não criou apenas música: criou uma estética, um esquema de produção que você imediatamente associa ao som da banda — e cuja influência reconhece em muita gente.

Na real, e sem demérito nenhum para a banda (até porque o Kiss fez algo parecido), é como se o rock tivesse deixado de olhar para os vocais de Freddie Mercury e para a guitarra de Jimmy Page e resolvesse se interessar pelos truques de prestidigitação de David Copperfield. Faça uma comparação com Chitãozinho e Xororó amando os lasers e as luzes do show do Yes no Rock in Rio de 1985 — isso aconteceu de verdade — e você vai ter uma ideia da mágica que o U2 consegue fazer, e que bandas como o Coldplay seguem tentando: agradar a uma entidade chamada “todo mundo” fazendo música, e tentar ser visto até por quem nem liga tanto assim para música.

Sobre Carnaval de luz: sim, é o melhor disco da banda desde How to dismantle an atomic bomb (2004). Com Jacknife Lee na produção e Brian Eno assinando algumas composições, o U2 recuperou entusiasmo e personalidade. Go (Carnaval de luz) abre com teclados distorcidos, voz quase irreconhecível e eletrônica mais próxima do álbum Achtung baby (1991) do que de The Joshua Tree (1987). Quando a guitarra de The Edge chega, a estranheza já fez seu serviço. Vale dizer que dos discos mais recentes do U2, Carnaval de luz é o álbum em que a cozinha da banda (Larry e Adam) trabalha mais, trabalha melhor e ganha mais destaque.

La reina entrega o riff de estádio, mas a bateria soa como um festejo coletivo. A letra traduz o clima de comunhão (que, aliás, é o clima do disco): “ninguém está sozinho / mas ninguém sabe disso”. Street of dreams responde com teclado sonhador e um auto-tune na abertura, ambos soando estranhamente como um realejo – além de versos em espanhol e um refrão pronto para reunir a multidão. Já The mirror maker (Rosalía) ganha vida com o baixo costurando a melodia e guitarras que chegam a lembrar os Cramps.

Se tem algo que dá um certo tédio a Carnaval de luz é a mania da banda de tentar transformar cada canção num grande acontecimento. O que os Beatles faziam naturalmente, eles parecem fazer na base do “pera, e se a gente fizer ISSO nessa música?”. Faz falta aquele lado sujinho de Achtung baby e Pop (1997). Quem ficou chocado com o eletrônico Pop provavelmente já mudou de ideia faz tempo: de chocante, o disco tinha pouca coisa. Pelo menos não era mais chocante do que aquela porrada de regravações do complexo de discos Songs of surrender (2023).

The greatest show on Earth é um rock típico do U2 — daquele tipo em que você já imagina pessoas olhando para o céu, fãs chorando, luzes aparecendo, estádios lotados e uma vibe meio “não sei se a igreja subiu ou se o céu desceu”. Enquanto isso, na letra, dois amantes tentam preservar a confiança e a fé. O auto-tune de If the world is at war we better not be encontra um uso delicado entre voz e teclados. Glorify leva o pós-punk dançante para uma vibe “luau MTV”, e Can’t stop us now aproxima reggae, imaginário latino e caribenho e percussão afro de uma ideia coletiva e bonita: “todos nós somos melhores do que qualquer um de nós”. No cenário, as idas do cantor a Cuba e suas anotações, com direito a citações de lugares como o bar Floridita e o Hotel Ambos Mundos.

Torn termina com Dolly Parton, em sua última gravação, cantando sobre laços familiares rompidos — e dando uma aula de interpretação. Lembra a entrada de Johnny Cash em The wanderer, última música de Zooropa (1993): uma voz de fora chega e muda a escala do U2. Dolly consegue ser grandiosa sem parecer preocupada com a última fileira do estádio. Aliás, Dolly sabia fazer vocais no estilo de Bono melhor do que ele próprio, mas isso não deveria ser uma novidade.

No final de Carnaval de luz, fica a impressão de que o U2 ainda é uma grande banda, sabe surpreender e não perdeu de vista a música como core business — mas precisa desapegar-se de si próprio.

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RESENHA: Em O my beloved, o Kings of Leon troca o rock de arena pelo country-rock, com influências de folk e indie e letras sobre família, amor e passagem do tempo.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: LoveTap Records / Virgin
Lançamento: 6 de novembro de 2026

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Tava na hora do Kings of Leon abandonar o sucesso fácil e se preocupar com o quentinho no coração. Se os fãs da fase inicial dos Followill (os irmãos Nathan, Caleb e Jared, além do primo Matthew) se sentiram abandonados com a ascensão comercial da banda, O my beloved tem seus argumentos: o grupo deixa de ser uma máquina de cuspir sucessos de arena para encarar um country-rock íntimo, com violões, melodias tranquilas e letras sobre família, amor e passagem do tempo. É um som mais rico e delicado, com uma despreocupação com refrãos e facilidades que não existia nem nos primeiros discos.

O my beloved não é um álbum gospel, apesar do título e da criação pentecostal dos irmãos, filhos de um pastor – o nome da banda, por sinal, homenageia o avô Leon, igualmente pastor e missionário. Tá mais para um disco para ouvir em família, mesmo que a sua família passe longe da configuração defendida pelos conservadores. O grupo se voltou para suas raízes sulistas e parece fazer o som que gostaria de ouvir, sem precisar ficar calculando a reação das rádios ou das plateias de arena.

Tem letras bobas no disco? Não: o Kings of Leon parece maduro ao falar da liberdade da infância (Koysar), de gratidão (My whole world) e da família como cobertor de afeto e apoio (Rose). Cold blue dawn recupera visitas de Caleb a Graceland, antiga casa de Elvis Presley, e aproxima os sonhos de criança dos lados bons e ruins do sucesso. Sobrou alguma coisa para o numeroso público do grupo? Bom, The hand, com slide guitar, violão e clima folk, renderia um ótimo tema de novela de Manoel Carlos. Já Forever endeavour surpreende com guitarras atmosféricas que chegam perto do shoegaze – e com climas próximos do indie dos anos 1980. E ainda ganha um clima celestial quando entra o piano.

Essa aproximação com outras turmas rende mais do que a simples troca do amplificador pelo violão. A delicadeza tem mais efeito quando os arranjos encontram um desvio, em vez de só baixar o volume. Make it count tem algo de Cure na escolha dos acordes e até nos vocais, naquele encontro de tristeza e alegria que Robert Smith conhece bem. Feel the love lembra o country-rock indie e noturno dos Thrills, embora sem a mesma beleza, e encontra guitarras dobradas à Thin Lizzy pelo caminho.

Warm company é das melhores: a slide guitar puxa o rock sulista para um terreno contemplativo, com lembranças de Lynyrd Skynyrd e Pink Floyd. Pretty thing dispensa a batida forte e conserva um violão abafado, quase doméstico, até o lindo encontro com a guitarra no final. Get you down tem algo de The Verve ou Radiohead, mas é só impressão inicial – o tratamento country e as guitarras espalhadas pelos canais vão levando a música para longe.

Só que voltar às origens não resolve tudo. Blue jeans and diamonds parece esconder Use somebody debaixo de cordas e melancolia montanhesa, e entrega pouco. Dependendo da hora em que você for ouvir, tanta contemplação pesa: os assuntos se repetem, os andamentos se acomodam e o disco fica monótono. O Kings of Leon não virou uma grande banda folk ou country de uma hora para outra. Mas encontrou uma maneira de envelhecer que rende bem mais do que outro refrão pronto para encarar um estádio.

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RESENHA: Em O laço da cobra, Dadá Joãozinho cria uma ópera-rock-MPB sobre identidade, desejo e liberdade, com samba, maracatu, eletrônica e participações especiais.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Coala Records
Lançamento: 25 de setembro de 2026

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O laço da cobra, segundo álbum solo de dadá Joãozinho, é uma ópera-rock-MPB, dividida em atos – mas dá para entrar sem ler o programa, já que o disco tem uma estrutura parecida com a dos discos conceituais-sem-conceito, tipo Ziggy Stardust, de David Bowie, em que o ouvinte pode até completar trechos. A história de Cobra Rara, sujeito às voltas com identidade, desejo e masculinidade, aparece em músicas que misturam samba, bolero, maracatu e eletrônica. A produção é cheia de detalhes, mas deixa espaço para as vozes e para os assuntos irem se seguindo, em meio a participações de amigos como Nina Maia, Ana Frango Elétrico, Jadsa e Samuel de Saboia.

Logo depois das cordas e vozes de Não para, vem o lado intérprete de Dadá em Nunca vi você tão triste, samba de Monarco e Ratinho, conhecido na voz de Zeca Pagodinho. O piano e a grandiloquência das cordas lembram Benito di Paula, enquanto a percussão encaminha tudo para o samba-reggae. A lembrança da música rende um dos melhores beats que Dadá já gravou e mostra um intérprete que sabe valorizar a conversa da letra.

Mais caro vai além: guitarra com efeito, violão, maracatu, funk e rap vão se encontrando numa música sobre transformar o que acontece na rua e em casa em som. O sax acrescenta algo daquela MPB que conversava com o jazz nos anos 1970 e 1980. O avô Pedro participa cantando um pedaço do bolero La barca, com um conselho para não naufragar na vida.

Muda tudo de lugar trata da confusão entre amizade e amor num bolero atravessado por beats de maracatu e teclados quase ambient. Golpe da coca continua esse movimento, acrescentando uma voz em francês, toques sombrios e algo de trap. As batidas crescem sem atropelar a canção, e as passagens de um ritmo para outro parecem prolongar o assunto – curioso que se trata da letra que mais deixa perguntas na cabeça de quem ouve (que golpe é esse? como rolou?). Nesse quesito, até faz falta que O laço da cobra tenha mais músicas e uma duração maior (são só 22 minutos).

Se existe um conceito no disco, é a vontade de sair, procurar liberdade e sobreviver – um tema que chega a Boca do rio, com vibe herdada do reggae e teclados quase orquestrais, e uma letra em que o procedimento de fuga vira escolha pela sobrevivência. Noche de luna llena é o lado Kraftwerk do disco, com teclados mágicos e em clima de videogame, em meio a partículas rítmicas. O rio não volta atrás fecha a travessia em clima kraut-rap, experimental e hipnótico – com uma letra que passa rapidamente do amor e do desejo para os mistérios da existência. No geral, um disco que pega pela identificação com a busca de liberdade – e que traz as gravações mais bem produzidas e acabadas que Dadá lançou até hoje.

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