RESENHA: D4vd estreia com Withered, pop lo-fi com ecos de emo e pós-britpop. Começou fazendo trilhas pra vídeos de Fortnite. Hoje canta o fim do amor.

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O começo de carreira do novaiorquino David Anthony Burke, ou simplesmente D4vd, foi bem, digamos, prafrentex. Ele na verdade queria ser gamer e jogar profissionalmente o jogo-mania Fortnite – daí teve a ideia de divulgar vídeos no YouTube com montagens de suas partidas. Prosseguiu nessa até levar um gancho da plataforma por causa das trilhas dos jogos. Da ideia inicial de criar suas próprias trilhas, usando o app BandLab, e do sucesso que seus vídeos com músicas autorais passaram a fazer, nasceu uma carreira musical.

Daí que Withered, primeiro álbum de D4vd, 20 anos, não nega esse começo, muito menos sua geração. É um disco de pop-de-quarto, fluido, lo-fi, e que muitas vezes vai para um som reduzido a seu mínimo conhecido como pop. Isso rola no som imaginativo de Atomic land, no soft rock Sky, na corneira britpop (com guitarra parecendo vir de uma fita velha) You left me first e no discurso “como posso te chamar de amiga, se já te chamei de amor?” de Friend again, pop com evidente origem emo.

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O disco tem dez produtores (o próprio D4vd entre eles), um número considerável de co-autores, e uma participação de peso – Kali Uchis, que solta a voz na balada blues Crashing. E felizmente ninguém tentou transformar D4vd em algo diferente do que ele sempre foi, ou algo do tipo. Mas e as letras? Bom, Withered é o retrato de um jovem em frangalhos, influenciado tanto pela solidão do bedroom pop, quanto pela vibe choramingas do emo e do pós-britpop. E que está tendo que acompanhar a seu modo um mundo em que os relacionamentos não vão pra frente e, às vezes, só uma das partes está namorando de verdade.

A mescla musical inclui referências do trap e do hip hop, como no vocal autotunado de Where’d it go wrong?. No meio dessa salada sonora (bem feita, vale deixar claro) há emanações de bandas como Coldplay e Starsailor em Somewhere in the middle, punk pop em What are you waiting for, pop sinuoso com agudinho em Feel it,  e até shoegaze (!) em Unrequited (faixa bônus da edição deluxe). Além de uma despedida das mais esquisitas na faixa final, Afterlife: “e quando eu morrer (você está segurando a faca) / eu te amarei da vida após a morte”. Eita.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Deathroom / Interscope
Lançamento: 25 de abril de 2025.

RESENHA: The Tubs mistura jangle pop e punk em Cotton crown, disco intenso sobre luto e memória, com letras afiadas e peso emocional evidente.

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A capa de Cotton crown, segundo disco da banda galesa The Tubs, mostra o vocalista Owen Williams ainda bebê, sendo amamentado num cemitério (!) por sua mãe — a escritora, jornalista musical e compositora Charlotte Greig, que tirou a própria vida em 2014.

A imagem, por si só, carrega um peso simbólico e emocional considerável. E no caso de Owen, o luto acabou ocupando um espaço central em sua vida criativa. Muito antes de começar a trabalhar em Cotton, ele decidiu escrever um romance que orbitava a morte da mãe — livro este que, por sinal, chegou a ser pré-editado por seu pai e sua madrasta, ambos também escritores.

Mas a obra nunca chegou a ser publicada. “Uma grande agente quase o aceitou, mas desistiu assim que chegou à segunda metade. Disse que era muito estranho. Que eu não escrevia sobre traumas com empatia”, contou em sua newsletter. “Eu tinha sido escrupuloso em conter qualquer dor ou anseio, guardando tudo para as duas últimas frases, que eu esperava que fossem um vislumbre de um mundo subterrâneo de luto. Mas isso exigia chegar ao fim”.

Owen aparentemente ficou tão desgostoso com as recusas que preferiu nem sequer tentar uma autopublicação. De qualquer jeito, uma parte do livro acabou surgindo em Cotton crown, novo disco do The Tubs – que basicamente apresenta-se como uma banda entre o jangle rock e o punk do Clash, o que corta qualquer sensação estranha vinda das letras e da capa.

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Pelo que dá para perceber por algumas letras de Cotton crown, o músico queria tentar escrever sobre o assunto com um despojamento digno das canções de bandas como Replacements e Hüsker Dü. Ou seja: aquele tipo de música que só vinte anos depois você percebe que falava sobre depressão, ou sobre algum tema bem mais complexo.

Faixas como The thing is, Freak mode e Illusion nao chegam a tocar no assunto da capa – mas deixam entrever um clima de vazio, de desassociação (“quando olho no espelho / às vezes, tudo o que vejo é um espaço vazio”). Narcissist, uma das faixas mais melódicas do disco, prega que “Jane diz que você é um (ou uma) narcisista / bem, eu quero ver / você deveria fazer isso comigo”.

Entre punk rocks melódicos e faixas que soam como um encontro entre The Clash e Big Star, o grupo impressiona pelos vocais intensos e combativos, no melhor estilo Joe Strummer, emoldurados por violões bem marcados. One more day transita entre o jangle pop do R.E.M., a melancolia dos Smiths e a sombra do Joy Division, puxada por vocais graves e uma atmosfera soturna. A letra fala de um sonho com alguém que se foi, e gira em torno de uma súplica: “você poderia me dar mais um dia”.

No final, tem Strange – uma faixa solar, ligada ao country-rock e com ritmo ligeiramente funkeado. Poderia ser uma música do Capital Inicial no estilo de Não olhe pra trás, se a banda brasiliense topasse inserir uma ligeira paredinha de guitarras em suas canções. A letra, sem rodeios, recorda o momento em que Owen leu sobre a morte da mãe no jornal.

“No velório, alguém pegou meu braço / disse que você poderia escrever uma música para homenagear sua mãe / disse que a banda poderia escrever uma música”, canta Owen. Um tom que, de fato, soaria estranho em livro – mas que em canção, dá a impressão de uma dor contida, de quem ainda não teve tempo de ver a ficha cair, e acaba sendo forçado a encarar a realidade.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Trouble In Mind Records
Lançamento: 7 de março de 2025.

RESENHA: No segundo disco, Hunting season, o Home Is Where troca o emo por um alt-country estranho e criativo, misturando Dylan, screamo e folk-punk em faixas imprevisíveis.

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O Home Is Where é uma banda emo – mas no segundo disco, Hunting season, eles decidiram que estava na hora de mudar tudo, ou quase tudo. O grupo volta fazendo um alt-country pra lá de esquisito, com referências que vão de Bob Dylan a Flying Burrito Brothers. Sendo que a ideia de Bea McDonald (voz, guitarra) parece inusitada demais para ser explicada em poucas palavras (“um disco que dá para ouvir num churrasco, mas que também dá para chorar”, disse).

Com essa migração sonora pouco usual, o Home Is Where se tornou algo entre Pixies, Sonic Youth, Neil Young e Cameron Winter, com vocal empostado lembrando um som entre Black Francis e Redson (Cólera). Reptile house é pós-punk folk, Migration patterns é blues-noise-rock, Artificial grass tem vibe ligeiramente funkeada e é o tipo de música que uma banda como Arctic Monkeys transformaria num hit – mas é mais esparsa, mais indie, e os vocais chegam perto do screamo.

Hunting season tem poucas coisas que são confusas demais para serem consideradas apenas inovadoras ou experimentais – Bike week, por exemplo, parece uma demo dos Smashing Pumpkins da época de Siamese dream (1993). Funcionando em perfeta união, tem o slacker rock country de Black metal mormon, o folk punk de Stand up special e uma balada country nostálgica com vibe ruidosa, a ótima Mechanical bull. Os melhores vocais do álbum estão na balada desolada Everyone won the lotto, enquanto Roll tide, mesmo assustando pela duração enorme (dez minutos!), vale bastante a ouvida.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7
Gravadora: Wax Bodega
Lançamento: 23 de maio de 2025.