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Lançamentos

Trevor Horn: disco com convidados traz Marc Almond relendo sucesso de Pat Benatar

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Trevor Horn convida Seal para reler "Steppin' out", de Joe Jackson (e grava disco com convidados)

Em 1º de dezembro, o produtor Trevor Horn vai lançar Echoes – Ancient & modern, disco em que traz vários cantores famosos (boa parte deles ex-colaboradores e ex-pupilos), trazendo surpresas como Lady Blackbird interpretando Slave to the rhythm, de Grace Jones e Seal soltando a voz numa releitura de Steppin’ out, de Joe Jackson. Dessa vez, um novo single do disco traz Marc Almond interpretando Love is a battlefield, de Pat Benatar.

O site Stereogum nota uma coisa bem interessante: tanto Pat quanto Marc Almond (do Soft Cell) vêm de uma onda ligada ao synth pop, mas Pat ficou mais ligada ao soft rock e à união de pop, blues e rock. Relida por Marc, a música virou um dance-pop com cara de anos 1980 e de música de “aeróbica” (lembra?). Almond conta ter ficado intrigado pelo convite de Trevor, pelo espírito de aventura que o trabalho com o produtor impõe.

“A última vez que trabalhamos juntos foi no início dos anos 1990, no disco Tenement symphony (1991), que tinha vários sucessos produzidos por ele”, diz. “Fiquei intrigado com a música, pois não era uma que eu teria escolhido para mim. Muitas vezes as pessoas escolhem músicas óbvias para mim que acham que eu gostaria e muitas vezes erram. Mas isso era outra coisa. Gosto de desafios e de fazer o inesperado. Trevor sabe como tirar o melhor proveito de uma performance vocal, e o resultado final me deixou absolutamente emocionado. Cada disco que ele faz é uma ópera pop com sua marca inimitável. Trevor estava certo na escolha da música”.

Horn, por sua vez, conta que se trata de uma canção simples, mas que diz muito. “Ela é perfeita para Marc cantar porque é isso que ele faz tão bem. Ele canta com todo o coração uma história dramática e emocionante – o amor e a própria vida têm sido um campo de batalha durante toda a sua vida”, diz.

Crítica

Ouvimos: Alan Vega, “Insurrection”

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Ouvimos: Alan Vega, "Insurrection"

Alan Vega e sua ex-banda Suicide não eram apenas “rock industrial”. Eram música infernal, mostrando para todos os ouvintes que situações assustadoras eram vividas não apenas em filmes de terror, mas no dia a dia. No contato com vizinhos perturbados, na violência nossa de cada dia, na vida fodida dos debandados do capitalismo – que é o verdadeiro assunto de Frankie Teardrop, música assustadora lançada no epônimo primeiro disco da dupla formada por ele e Martin Rev, de 1977.

Vega viveu no limite: antes do Suicide ter qualquer tipo de sucesso, passou fome e enfrentou dificuldades. No palco, era do tipo que se cortava e saía sangrando dos shows. Seu som sempre teve ideais radicais, inclusive politicamente – ele chegou a ser atacado pela polícia ao participar de passeatas, e o Suicide homenageou Che Guevara na música Che. Dos dois integrantes do Suicide, hoje só Martin Rev vive para perturbar os ouvidos dos outros com som pesado, distorcido e sintetizado. Alan, que prosseguiu por décadas como lenda viva do punk e da música eletrônica, lançando discos e fazendo exposições de arte, teve um derrame em 2012 e morreu durante o sono em 2016.

Seu material como compositor, ironicamente, devia bastante às raízes do rock, e à postura de “herói” do estilo. O novaiorquino Alan era fanático por Iggy Pop e Stooges, e seu vocal variava entre dois uivos – o de Elvis Presley, cujo visual inicial trabalhado-no-couro passou a imitar, e evidentemente o de Iggy. Os primeiros álbuns solo de Alan variavam entre o synth-pop nervoso e uma espécie de rockabilly aceleradíssimo e violento (o melhor exemplo é a estreia epônima de Vega, lançada em 1980). Não custa lembrar que o som do Suicide, de fato, chegou a impressionar até mesmo Bruce Springsteen, que já disse ser (pode acreditar) fã da dupla.

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Insurrection é uma coletânea de gravações inéditas que estavam no baú de Alan. São músicas industriais e infernais feitas no fim dos anos 1990, todas falando sobre morte, sofrimento e contagem de mortos como se fosse algo natural, do dia a dia – e pensando bem, olhando os jornais e andando pelas ruas, é meio isso. É “bom de ouvir” dependendo do seu humor: é o disco das dançantes e góticas Sewer e Crash, do synth pop monocórdico Invasion, do pesadelo selvagem Cyanide soul e do lamento sonoro (de quase dez minutos) de Murder one.

Mercy é um estranho e assustador pedido de clemência, falando em gritos, anjos sangrando e tempestades sombrias. E nessa música o vocal de Alan lembra de verdade o de Elvis Presley, o que soa mais estranho ainda. Os beats são dados por uma percussão intermitente e tribal, seguida por uma batida eletrônica mais próxima do “dançante”. Soa mais insociável do que qualquer coisa lançada pelo Ministry ou pelo Alien Sex Fiend, por exemplo. Chains soa como entrar numa bizarra ressonância magnética de distorção. E Fireballer spirit oferece a mesma sensação, só que acrescida de barulhos eletrônicos.

Nota: 7,5
Gravadora: In The Red

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Crítica

Ouvimos: The Marías, “Submarine”

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Ouvimos: The Marías, "Submarine"
  • Submarine é o segundo álbum do The Marías, uma banda indie-pop de Los Angeles, formada pela cantora María Zardoya (que é portorriquenha criada na Georgia), pelo baterista e produtor Josh Conway, pelo guitarrista Jesse Perlman e pelo tecladista Edward James.
  • A banda começou a partir de um encontro entre María e Josh, numa casa de shows em Los Angeles – ela estave se apresentando e ele era o gerente. Começaram a compor juntos e iniciaram um namoro.
  • María era fã da cantora mexicana Selena quando adolescente, e conta que sua família estranhou quando ela decidiu cortar o cabelo muitos centímetros abaixo do normal. “Em Porto Rico todo mundo tem cabelo comprido. Quer dizer, é tudo uma questão de ir ao salão de beleza e fazer uma limpeza semanal. Mas eu queria mudar!”, disse aqui.

O nome “submarino” não é apenas figura de linguagem. A sonoridade do The Marías sugere mergulho sonoro, como se algo estivesse musicalmente submerso ou flutuando, graças ao tom dream pop das composições e da produção. É a onda deles em Submarine, disco tão luminoso musicalmente quanto angustiado nas letras (e em alguns vocais).

Como acontece em Paranoia, basicamente uma canção sobre falta de comunicação num relacionamento marcado por grilo em cima de grilo (“sua paranoia é irritante/agora tudo que eu quero fazer é fugir”). O hit Run your mouth, indie pop dançante e repleto de synths e linhas de baixo sintetizado, mostra a cantora Maria Zardoya irritada com a verborragia e o narcisismo de algum relacionamento: “você só me chama quando eu estou distante/sempre fala demais/e eu não quero ouvir”. Esse tom dramático (e meio enjoativo, às vezes) dá mais as caras nas canções em espanhol do disco, Lejos de ti e Ay no puedo.

O poder de atração de Submarine rola na combinação de vocais doces, sintetizadores e batidas, além de letras que sugerem frustrações com alguma falha na comunicação – e que dominam o álbum. Tipo em Real life, synth pop abolerado cuja letra mistura conversas pelo FaceTime, traições, mentiras e vontade de transar. Vicious sensitive robot lembra um Radiohead mais pop, ou uma mescla de Thom Yorke com Sade Adu – se é que isso é possível.

O baião-drum’n bass Hamptons parece um filme de Pedro Almodóvar e não é à toa, em se tratando de uma banda que já lançou uma música chamada Hable com ella. O tema dos relacionamentos virtuais que trazem frustração atrás de frustração reaparece na baladinha No one noticed. Nem tudo é tão brilhante em Submarine, mas as surpresas são muitas.

Nota: 7,5
Gravadora: Nice Life/Atlantic

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Crítica

Ouvimos: Knocked Loose, “You won’t go before you’re supposed to”

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Ouvimos: Knocked Loose, "You won't go before you're supposed to"
  • You won’t go before you’re supposed to é o terceiro disco do Knocked Loose, banda do Kentucky normalmente definida como metalcore. 
  • O grupo existe desde 2013 e de lá para cá já perdeu dois bateristas – vale citar que é um cargo que exige muito do integrante, já que a porrada ali é séria em todas as faixas. Atualmente a banda conta com Bryan Garris (voz), Isaac Hale (guitarra solo, voz), Kevin Otten (baixo), Kevin “Pacsun” Kaine (bateria) e Nicko Clsderon (guitarra base, voz).
  • “A capa do disco e (a música) Blinding faith não se aplicam apenas à religião. É sobre qualquer coisa que se eleve sobre você, qualquer coisa que seja inevitável na experiência humana normal. De onde eu venho, você vai passar por igrejas que são os prédios mais caros da sua cidade, entende o que quero dizer?”, diz Bryan aqui.

Não é apenas som pesado, é uma tormenta musical, no melhor dos sentidos. A receita do metalcore do Knocked Loose envolve gritos, vocais guturais, gorgolejos, guitarras altíssimas e mixadas em pé de igualdade com os ataques da bateria, e tensões dignas de um filme de suspense – e não exatamente de um disco de som pesado. O que significa dizer que faixas como Blinding faith, Thirst e Suffocate têm barulhos que pegam o ouvinte de surpresa. Há passagens que lembram mais o eletrohardcore e o grindcore de bandas como o Locust, ainda que o som do Knocked Loose seja bem mais orgânico.

You won’t go before you’re supposed to traz pouco menos de meia hora de som e, só pela lembrança da podridão sonora do Locust, dá para ter uma ideia de que se trata de uma banda de metal bem pouco pop – mesmo se comparada a grupos como Slipknot e Pantera. O universo mostrado pelo quinteto no álbum é frio, cru e sem salvação: o KL mete o pau na hipocrisia das religiões, em gente falsa (Don’t reach for me tem os versos: “nenhuma mentira pode se espalhar com a língua removida/vou arrancar a sua língua”) e lança mão de histórias bem estranhas. Inclusive, consta que o título do disco vem de um conselho de gosto duvidoso que o vocalista ouviu de uma senhorinha, enquanto se cagava de medo durante o primeiro voo da banda depois da pandemia.

Suffocate, por sua vez, é ameaçadora: uma bateria que soa como tiros, ou várias explosões, e a combinação dos vocais de Bryan Garris e da cantora-youtuber Poppy, em versos como “eclipsando o peso/estrangulado por cada erro/(…) vou cavar até encontrar a porra da raiz/que sofri por sua causa”, guiando o timão do álbum para um lado pessoal que coloca o Knocked Loose um pouco mais próximo do punk anos 1990 ou do emocore. Não há momento tranquilo no disco, mas a vinheta-de-dois-minutos Take me home tem um papel parecido com o de Lookaway no clássico Roots, do Sepultura – um pouco de experimentalismo amaciando a porrada.

Do meio para o final, The calm that keeps you awake (que curiosamente lembra o estilo de Iggor Cavalera, ex-Sepultura, na bateria) e Sit & mourn trazem mais introversão para o disco – mas só na letra. Musicalmente, ambas são quase uma demolição, ainda que essa última tenha quase um minuto de toques tranquilos na guitarra, ao começar.

Nota: 8,5
Gravadora: Pure Noise Records

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