RESENHA: Marcelo Segreto estreia solo com De canção em canção, disco curto e afetivo que mistura folk, vanguarda paulista e clima de easy listening.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Dobra Discos
Lançamento: 18 de agosto de 2025

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Vocalista da Filarmônica de Pasárgada – que lançou há pouco um EP recordando músicas da Vanguarda Paulista, com participações de artistas do movimento – Marcelo Segreto estreia solo com um disco curto, direto e inspirado pelo filme De canção em canção, do estadunidense Terrence Malick. Daí o nome do disco ser também De canção em canção, numa referência que passa não apenas pelo cinema, mas pela vida que corre de amor em amor, de personagem em personagem.

• Ouvimos: Pélico – A universa me sorriu – Minhas canções com Ronaldo Bastos

Muita coisa do álbum tem atmosfera de easy listening – Oi e tchau, por exemplo, chega a lembrar Raindrops keep falling on my head, sucesso de BJ Thomas, em alguns trechos. O lado vanguardista explorado recentemente pelo seu grupo não fica de fora: surge nas letras repletas de brincadeiras com as palavras, como em Te vou eu amar que eu sei, gravada ao lado de Tiê, e nos climas de algumas composições, como o tango-reggae de De lá pra cá (cuja letra mostra uma visão irônica do desajeitamento ligado ao amor). Surge também na vibe de HQ de músicas como Sei lá, folk-toada-jazz que fala em “quando te vi / a Terra até parou de girar”. Já em faixas como Ok, ok, ok, a seresta folk Segredo e London, Londres surge um clima beatle, presente em linhas vocais e no uso de cordas.

Boa parte do repertório de De canção em canção vem de observações não apenas dos relacionamentos, mas também do tempo que passa e vai levando pessoas para perto, ou para longe. A quase faixa-título, o folk Song to song, cantado em inglês por Marcelo e Tiê (que participa de cinco faixas do disco) põe na roda esse fluxo de relacionamentos – fala de certa forma até do tédio que vem junto, e dos começos que parecem finais. Uma vibração que surge também na declaração de amor distante de Se você chegar, toada dedicada a Zeca Baleiro, e que lembra Dia branco, de Geraldo Azevedo.

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RESENHA: Em Utopia, Dori Caymmi segue sua busca por uma música “extremamente brasileira”, longe do Tropicalismo e fiel às raízes de Dorival.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Biscoito Fino
Lançamento: 26 de agosto de 2025

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“O Tropicalismo foi um movimento mais para São Paulo. Eu, no Rio, não fui afetado por isso. Nem prestei atenção. Até porque Domingo no parque e Alegria, alegria são duas músicas muito bonitas, mas não vejo nada de Tropicalismo nelas. A do Gil tem um ritmo nitidamente baiano e a do Caetano é uma marcha. Agora, porque puseram uns caras tocando guitarra no palco com uma pose, os Mutantes, dizem que é a Tropicália. Eles estavam imbuídos daquele Sgt. Pepper’s, dos Beatles, que lá em casa não entrou. Lamento, mas não tenho tempo para os Beatles. Eu tenho tempo para Ravel, Debussy, Edu Lobo, Noel Rosa, Tom Jobim”.

Tem muitas, digamos, camadas de entendimento nessa declaração de Dori Caymmi, dada à Folha de São Paulo em 1999. Vamos à mais tranquila: o compositor carioca, que está buscando há décadas uma música brasileira pura e profunda, nunca se alinhou com o “som universal” do Tropicalismo. Por causa disso, poucas vezes foi enxergado como parte do primeiro time da MPB, ou até mesmo como parte de uma entidade musical chamada “MPB” – um lugar ao qual, curiosamente, pertence Djavan, cujo som é ligadíssimo ao de Dori e tem herança de seu pai Dorival.

Não mudou muita coisa de lá para cá – recentemente, Dori declarou a O Globo ter arrancado a antena do carro para não correr o risco de ouvir o que se toca nas rádios, e também deu declarações como “pega a minha primeira entrevista e eu já dizia o que digo hoje. Por que eu tenho que mudar? Podem me chamar de reacionário, mas sou feliz”. Utopia, seu novo álbum, prossegue na busca por uma música “extremamente brasileira”, como ele próprio afirma.

• Ouvimos: Joyce Moreno – O mar é mulher

Tendo Paulo Cesar Pinheiro como parceiro em sete das dez músicas, Dori se alinha à “música pernambucana, baiana, mineira” e faz um som que evoca várias imagens do Brasil nas melodias e nas letras de músicas como Búzio azul (com participação do Boca Livre e clima marítimo lembrando o pai Dorival) e O nome da moça, com vocal de Monica Salmaso – uma música que soa como um retrato musicado em que só se descobre os personagens no desenrolar da letra.

Musicas como Viageiro (com Monica Salmaso, Sergio Santos, Boca Livre e MPB4 alternando vozes), Pelas mãos de algum poeta (com Sergio Santos) e Sozinho de nascença vêm de um universo sertanejo que nada tem a ver com a música sertaneja das TVs e rádios, oferecendo viagens sonoras que levantam voo lado a lado com mensagens de vida, introspecção e labuta.

Prosseguindo em Utopia, Navegação sugere uma volta por Portugal e Angola, a toada moderna Isabela (com Ivan Lins) mostra a alma da personagem por intermédio do seu olhar. No fim do disco, frevo, samba e valsa dividem espaço nas faixas Ninho de vespa (com o MPB 4), Filete d’água e Filigrana. Já na capa do álbum, a Utopia de Dori volta-se para suas origens, com um retrato seu pintado pelo pai Dorival em 1946 – um desenho carrancudo, mas no qual aparecem até um brinquedo do futuro músico (uma bola) e uma paisagem enevoada.

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RESENHA: Em Case studies, o Why Bother? mistura punk, garage e psicodelia suja em faixas que soam como pesadelos gravados numa garagem assombrada.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Feel It Records
Lançamento: 3 de outubro de 2025

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Quarteto de Mason City, Iowa, o Why Bother? não faz jus ao nome: ouvir o som deles lá pela madrugada pode cortar o sono de qualquer ser humano. Isso porque basicamente Terry (voz, synth, mellotron), Speck (guitarra, vocais), Pamela (baixo) e Paul (bateria) fazem punk e garage rock de terror, com inspirações mais do que evidentes em The Damned, Ramones e na primeiríssima fase de Alice Cooper – o disco de estreia de Alice, Pretties for you (1969), é bastante citado ao longo da audição desse Case studies, novo álbum do grupo.

• Ouvimos: Intercourse – How I fell in love with the void

Se o papo é meter medo, o Why Bother? vai em frente: o disco novo, segundo a própria banda, foi inspirado em experiências fora do corpo e projeção astral. “Você encontrará essas pistas inseridas nas gravações? Talvez…”, confundem os quatro. Seja como for, o grupo se comporta como uma banda de garagem dos anos 1960 que teve seu som enfiado numa garrafa e jogado no mar, logo na faixa de abertura, Helen’s father (Has no heart) e na vira-lata There she was.

Na sequência, eles invadem a área do punk setentista + garage rock em In between the distance, I take back e na parede de ecos e ruídos de Destruction by design. Já Feeding the birds parece gravada perto de uma ribanceira, com direito a ruídos aterradores de pássaros no final. O Why Bother? também cai dentro da psicodelia suja, entre Alice Cooper e Pink Floyd, na tribal e hipnótica Still remain/Back in sleep paralysis, que tem seis minutos. E faz praticamente só barulho em The past makes me sasd / Behold! The great war of 12 realms.

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