Crítica
Ouvimos: PJ Harvey, “I inside the old year dying”
- I inside the old year dying é o décimo álbum de estúdio da britânica PJ Harvey. E o primeiro disco dela desde Hope six demolition project, de 2016. Foi produzido por ela ao lado de Flood e John Parish.
- Em maio, PJ disse esperar que o disco novo venha como “um espaço de descanso, um consolo, um conforto, um bálsamo, que é o que precisamos para os tempos de hoje”. Também houve notícias sobre referências a Shakespeare e à Bíblia Sagrada no disco.
- O álbum reaproveita passagens e personagens de Orlam, romance poético lançado por Harvey em 2022, que mostra um ano na vida de uma garota de Dorset, Inglaterra, chamada Ira-Abel Rawles. PJ foi criada em Dorset numa fazenda e as experiências dela no local costumavam ser contadas por ela em entrevistas nos anos 1990. Wyman-Elvis, o fantasma de um soldado inglês da Guerra Civil – cuja mensagem é nada menos que “love me tender” – é um personagem tanto do livro quanto do disco.
A primeira coisa a falar sobre o novo disco de PJ Harvey é que você vai ser atirado num oceano de beleza, introversão e recordações de um passado que pode trazer dores, traumas e velhos problemas de volta. Fazendo uma abstração, como se fosse o seu passado, e não o dela: é a sua história, as suas dores, as suas recordações, a sua origem, o lugar de onde você veio, com alegrias e tristezas. E a distância de tudo aquilo.
Só pelo vocal belo e dolorido de PJ – que traz uma beleza infantil na introdução da jazzística Seem am I e em canções que parecem ter sido feitas no século 18, como All souls – já dá para entender a demora desse mergulho pessoal, que passou por várias etapas antes de chegar a público. I inside the old year dying fala bem menos de um ano em que tudo se perdeu (talvez o 2020 da pandemia) e mais de uma época em que tudo parecia maior, mais assustador e mais impressionante, com referências que podem parecer estranhas à primeira vista. Como os fragmentos de Shakespeare perdidos em faixas como o soul-folk etéreo The nether-edge, cujos sons parecem sair de instrumentos pouco usuais, ou filtrados de maneira inusitada. Ou as referências a Elvis Presley que permeiam o álbum – e que surgem do livro Orlam, escrito por PJ, um pré-disco.
I inside the old year dying possivelmente vai ser bastante consumido em formato físico. Parece perfeito para ouvir lendo as letras (preferencialmente num encarte, e não num site) e tentando descobrir significados ocultos, ou para ser acompanhado como uma fábula repleta de realismo fantástico, de detalhes escondidos, e de personagens a serem descobertos. Ou cenas a serem desvendadas, como o “carnaval, uma despedida de carne” de All souls, a força da natureza que envolve a dramática A child’s question, august, e o renascimento de I inside the old I, dying (dos versos: “deslize da minha pele de infância, eu canto/estou cantando pela floresta/eu pairo no corredor/rindo para as folhas”), o clima de capa-e-espada de alguns arranjos. Ou o “atravessar para o outro lado” da tristonha e leve August.
Zumbidos de insetos, um interlúdio furioso, e mais assombros com a natureza encerram o álbum, com a curiosa Noiseless noise, barulho sem barulho, lembrando que até a leveza tem força. E fechando a jornada com versos como “conheça cada lágrima nessas matas/conheça em todos os lugares/do que é bom e do que não é”. Um disco mais para ser sentido do que para ser racionalmente entendido.
Foto: reprodução YouTube
Gravadora: Partisan
Nota: 10
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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