Crítica
Ouvimos: Pearl Jam, “Dark matter”

- Dark matter é o décimo-segundo álbum de estúdio do Pearl Jam, que retorna com o quinteto habitual: Eddie Vedder (voz), Jeff Ament (baixo), Stone Gossard (guitarra), Mike McCready (guitarra solo) e Matt Cameron (bateria).
- Josh Klinghoffer (guitarra e teclados), que esteve numa das formações dos Red Hot Chili Peppers, e hoje é músico de tour do PJ, esta também no disco e até tem créditos de coautoria numa das faixas, Something special.
- Como você já deve ter visto por aí, Andrew Watt, que já cuidou de discos dos Rolling Stones, Miley Cyrus, Ozzy Osbourne, Post Malone e mais uma turma enorme, produziu o disco e surge como coautor (ao lado da banda) em todas as faixas. Andrew é fã do Pearl Jam, que considera sua banda preferida, e já vinha trabalhando na carreira solo de Vedder. “O disco é feito por um fã para os fãs, e espero que eles gostem”, diz à Spin.
Andrew Watt é um produtor daqueles bem metelões. Num papo com a Spin, contou que levou uma guitarra para participar de um reunião de composição com o Pearl Jam – e acabou com créditos de composição em todas as faixas do novo álbum, Dark matter, ao lado do grupo. Se um disco vai ganhar a produção dele, tem que ficar com a cara da banda, mas o filtro dele precisa ficar evidente. Justo. Ou sei lá.
No caso de Dark matter, funcionou: o Pearl Jam fez seu melhor disco em muitos anos. A discografia do grupo de Seattle sempre pareceu ensanduichada entre tentativas de se tornar um Pink Floyd dos anos 1990. E igualmente entre tentativas de produzir algo que fosse tão demolidor quanto Vs (1993) e Vitalogy (1994), respectivamente o segundo e o terceiro álbuns da banda, melhores que qualquer outra coisa que eles tenham feito.
O Pearl Jam, hoje uma banda “clássica” do rock, retorna guiado por Watt para as mesmas tendências sonoras que deram origem ao som do (olha que ironia) Nirvana. O começo do álbum, com as batidas e linhas de baixo vigorosas de Scared of fear e React, respond, lembram mais o pós-punk e o college rock dos anos 1980 que influenciaram o som dos anos 1990 – aqui, gerando um Sonic Youth sem experimentalismo, um Nirvana sem os gritos de Kurt Cobain, um Replacements menos rueiro. O mesmo rola lá pela segunda metade do álbum com Running, e de certa forma, até com a balada power pop Something special.
Wreckage, o mais novo single, vai para outro lado. É um rock com raízes folk, radiofônico como o Pearl Jam não tem sido há muito tempo (com letra fazendo referência a Donald Trump, segundo Eddie Vedder), capaz de conquistar fãs novos entre a galera que ouve pop calmo e reflexivo (quem sabe?) e de alegrar quem tem idade para lembrar de Jeremy e Last kiss tocando no rádio. Mesma coisa acontecendo com Won’t tell, uma balada de tom quase brit pop anos 1990 em alguns momentos.
Waiting for Stevie e Got to give trazem para o novo álbum a faceta (herdada do rock setentista) de banda compositora de hinos, repletos de solos de guitarra. Dark matter, a faixa-título, abre a cortina do lado funk-metal do grupo. No final, a reflexiva Setting sun traz Eddie Vedder alternando tons graves com seu vocal usual.
Os já citados Vs. e Vitalogy foram lançados sob um contexto dos mais esquisitos – a batalha perdida do grupo contra a empresa de ingressos Ticketmaster, que deu numa baita perda de grana para o Pearl Jam. Dark matter, nas letras, lida com os escombros do mundo, e com a transformação de praticamente tudo em um misto de lixo inorgânico e inteligência artificial.
Essa sensação de bancarrota volta e meia aparece na obra do grupo norte-americano, e surgia até na estreia Ten (1991). E define que o PJ não vai parar de ter assunto por um bom tempo.
Nota: 8,5
Gravadora: Monkeywrench/Republic
Crítica
Ouvimos: Hélio Delmiro e Augusto Martins – “Certas coisas”

RESENHA: Gravado pouco antes da morte de Hélio Delmiro, Certas coisas evita o tom de despedida com repertório variado e ótima sintonia com Augusto Martins.
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Quando o violonista Hélio Delmiro morreu (vítima de complicações de diabetes e problemas renais em 16 de junho, aos 78 anos), não apenas Certas coisas, gravado com o cantor Augusto Martins, estava terminado, como também o músico já estava prestes a cumprir agenda de imprensa – já até tinha dado uma entrevista. Produzido por Moacyr Luz, o álbum chuta a tristeza para o mais longe possível e escapa do clima de epitáfio, por causa da dinâmica entre cantor e músico, e pela vontade com que Hélio ataca violão e guitarra nas doze faixas.
Hélio Delmiro teve inúmeros amigos, parceiros e testemunhas. Seu trabalhos como guitarrista e violonista de cantoras como Elis Regina e Clara Nunes sempre são lembrados. Mas ele também tocou em grupos como o Fórmula 7, e na banda da versão carioca do Jovem Guarda, programa apresentado por Roberto Carlos, Wanderléa e Erasmo Carlos durante os anos 1960.
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Como um reflexo dessa trajetória variada, o repertório de Certas coisas vai da MPB clássica à mais popular. Certas coisas, de Lulu Santos e Nelson Motta, aparece com algo de blues no andamento – e De repente, lado B da dupla de compositores, encerra o álbum ganhando cara de música de Gilberto Gil. Fotografia (Tom Jobim), que teve a guitarra de Hélio na gravação do disco Elis & Tom (1974), traz o músico ao violão unindo jazz e blues, e encartando um trecho de Garota de Ipanema (Tom Jobim e Vinicius de Moraes). Jardin d’hiver, popularizada por Henri Salvador, investe no samba-jazz noturno, e até Como vai você, de Antonio Marcos e Mario Marcos, está no repertório.
Augusto, cantor bom e despojado, acompanha e se deixa acompanhar por Hélio. O resultado vai do canto correto da faixa-título à entrega de Fotografia e de Fé cega, faca amolada (Milton Nascimento, Ronaldo Bastos) – que se torna um samba épico, quase viajante – passando por uma versão contida até demais do bolero Contigo aprendi (Armando Manzanero). O repertório tem uma música totalmente inédita – a ótima Acanhado, de Hélio e Moacyr Luz – e traz como maior surpresa Bye bye Brasil, de Chico Buarque e Roberto Menescal, gravada como se fosse uma bossa pop de Rita Lee e Roberto de Carvalho.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Mills Records
Lançamento: 30 de maio de 2025
Crítica
Ouvimos: Alberto Continentino – “Cabeça a mil e o corpo lento”

RESENHA: Alberto Continentino, com Cabeça a mil e o corpo lento, faz pop-psicodélico com clima setentista e cinematográfico, misturando MPB, soul, bossa, boogie e city pop.
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Mais do que o groove das músicas de Lincoln Olivetti e Robson Jorge, os discos de Gal Costa feitos entre os anos 1970 e 1980 – com todo aquele aspecto pop, mágico e quase espacial – parece servir de referência para vários álbuns e músicas das novas gerações da MPB. O terceiro disco de Alberto Continentino, Cabeça a mil e o corpo lento, tem muito desse clima.
Essa musicalidade rola em faixas que passam igualmente por um filtro psicodélico (Coral, com Dora Morelenbaum, e o single Milky way, com Leticia Pedroza) e fluido musicalmente – é o caso do disco todo, mas especialmente de O ovo do sol, que lembra os discos de orquestras dos anos 1970 e tem um quê passadista-futurista que ruma em direção a Stereolab e Arthur Verocai.
- Ouvimos: Dora Morelenbaum – Pique
- Urgente!: Wet Leg aquece para Moisturizer no Tiny Desk. Ana Frango Elétrico na vibe pós-disco.
- Ouvimos: Stereolab – Instant holograms on metal film
Cerne, por sua vez, é um balanço no estilo de discos de Dom Salvador e Waltel Branco, com ritmo dado por assovios. Manjar de luz, com Ana Frango Elétrico, é tranquila e mântrica em letra e música. Go get your fix, com Gabriela Riley, une samba, bossa e city pop, e Uma verdade bem contada, com Nina Miranda nos vocais e Kassin na parceria, é boogie com cara de trilha de filme nacional antigo.
Como músico, Alberto tem duas décadas de carreira e trabalhou com músicos como Caetano Veloso, Ana Frango Elétrico, Adriana Calcanhotto – é um nome que provavelmente você já viu em muitos shows e discos. Em Cabeça a mil e corpo lento, por sua vez, ele filtra tudo que aprendeu nos estúdios e palcos por um clima voador e quase sempre, cinematográfico. O terço final do disco, com o soul Negrume, o pop francês carioca Vieux souvenirs (com Nina Becker) e a balada Madrugada silente – uma parceria com Negro Leo, levada por piano Rhodes, violão e baixo – traz bastante disso.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Selo RISCO
Lançamento: 17 de junho de 2025.
Crítica
Ouvimos: Gustavo Ortiz – “Desafogo” (EP)

RESENHA: Com samba, jazz e até ambient, o EP Desafogo, de Gustavo Ortiz, trata de liberdade e denúncia, com destaque para a faixa José, João.
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“Desafogo” é uma daquelas palavras que a gente está acostumado a ler mas, em vários casos, nunca parou para ver o significado – uma palavra ligada ao fim de algo que oprime, pressiona, sufoca. No caso do EP do paulista Gustavo Ortiz, ela conceitua um repertório que fala sobre formas diferentes de viver. Mas apontando também para os tais momentos em que a opressão diária dá um tempo.
O clima também é de denúncia, e muita. A faixa José, João, com Romulo Fróes, foi lançada em single no simbólico 1º de maio, e é dedicada ao pai de Gustavo, um ex-caminhoneiro que começou a trabalhar ainda na infância, e morreu de covid poucos dias antes de receber a vacina – o clipe traz imagens do aniversário de 3 anos de Gustavo, com o pai entre os presentes, A faixa-título, composta há 16 anos, fala sobre como às vezes é complicado apenas esquecer dos problemas e descansar. Botafé propõe, na letra, liberdade para ser, ao mesmo tempo, silêncio e barulho.
Musicalmente, Desafogo é um samba com variadas referências. A faixa de abertura Trago voa pelo jazz, pelo samba de Jorge Ben e até pelo ambient. A faixa-título tem samba, afoxé e até um lado seresteiro, com coral feminino no estilo das Gatas. O violão e a voz dominam Casca cascata, e uma vibe quase carioca, herdada de Aldir Blanc e seus muitos parceiros, aparece em José, João. E Botafé encerra o disco em tom de chamada e de valsa afro.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente/Tratore
Lançamento: 20 de junho de 2025
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