Crítica
Ouvimos: Lake Street Dive, “Good together”
- Good together é o oitavo disco da banda norte-americana Lake Street Dive, formada hoje por Rachael Price (voz, ukelele, guitarra), Bridget Kearney (baixo, piano, vocais), Mike Calabrese (bateria, órgão, vocais), Akie Bermiss (teclado, órgão, vocais) e James Cornelison (guitarra, vocais).
- O grupo passou por gravadoras como Nonesuch e Signature Sounds, e hoje lança seus discos de forma independente, mas com apoio da veterana gravadora Fantasy.
- O batera Mike Calabrese diz que a banda quer “soar como se os Beatles e a Motown fizessem uma festa juntos”.
- Da discografia do grupo, fazem parte os EPs Fun machine vols. 1 e 2, com covers de Wings, George Michael, Fleetwood Mac, Daryl Hall & John Oates e outros. “Imagine que você entra em seu bar favorito e o Lake Street Dive está no palco, fazendo nosso show semanal regular por US$ 5 por pessoa. Essas são as músicas que faríamos covers lá e como as tocaríamos”, diz o grupo.
Se o Lake Street Dive fosse uma banda dos anos 1980 ou 1990, estaria disputando o mesmo mercado de grupos como Style Council e Swing Out Sister, ou até do Tears For Fears fase The seeds of love. A turma dos revivalistas com atitude, dos artistas pop com os pés no jazz e no soul (e no rock clássico), e com ouvidos abertos para outros estilos musicais.
No caso específico deles, o LSD (opa!), uma banda que inicialmente era mais voltada para uma espécie de country misturado com jazz, lideraria feliz a turma dos adoradores de Stevie Wonder – um amor que apareceu em discos anteriores, e em especial no imediatamente anterior, Obviously (2021), que trazia músicas como Same old news e Being a woman, além de balanços com cara de Motown, como Know that I know.
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Essa receita volta em boa forma em Good together, oitavo disco do grupo, que investe mais uma vez na “imagem musical” de amigos se divertindo juntos no estúdio e nos palcos, e também mantém a sonoridade voltada para misturas entre soul, r&b, rock clássico, jazz e, vá lá, country – este, em especial, por causa da vocalista Rachael Price, uma australiana radicada no Tennessee, que já tinha alguns anos de carreira solo antes de se juntar ao Lake Street, e chegou a cantar música gospel.
O disco já abre logo com dois balanços – os funkeados Good together e Dance with a stranger, ambos com filiação direta a Motown e Sly Stone. Mas no prosseguimento, aponta para o indie rock fofo no estilo Peter, Bjorn and John (em Far gone, com órgão pseudo-new wave e riff de assovio) e para um funk-soul mais percussivo e lento (Get around). Faces mais jazz-blues e mais roqueiras aparecem em músicas como Help is on the way e Walking uphill, enquanto Better not tell you é r&b com um balanço que soa até meio ska, graças à percussão e aos metais. No final, tem o indie-pop-soul da festeira Party on the roof, e uma balada quase épica, Set sail (Prometheus & Eros), lembrando um Queen voltado para o soul. Um disco dançante e com muitas emoções envolvidas.
Nota: 9
Gravadora: Fantasy
RESENHA: Deafkids mistura metal, eletrônica, terreiro e transe em Cicatrizes do futuro, álbum instrumental, sombrio, ritualístico e inquietante sobre ansiedades do futuro.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Neurot Recordings
Lançamento: 29 de maio de 2026
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A melhor descrição que você vai ler sobre o novo álbum do Deafkids já foi dada por Elson Barbosa, da newsletter Subsensor: “o disco soa como um shot de mescalina durante um ritual entre o Faust e o Godflesh num terreiro de umbanda”. Cicatrizes do futuro sai sete anos após o último disco do grupo, Metaprogramação (2019), muito embora discos colaborativos feitos com Test e Petbrick tenham mantido a banda na ativa. O nome do disco já dá o que pensar: vivemos numa sociedade constantemente assombrada pelo futuro, sempre ocupada com ansiedades e expectativas.
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A vibe do álbum aponta para essa doideira sombria e pseudofuturista dos dias de hoje. Ainda que o material seja quase todo instrumental, Cicatrizes do futuro é um disco destruidor, aterrador e repleto de climas monstruosos, no melhor dos sentidos – e isso já vale como imaginário. Parasita, a faixa de abertura, une vozes guturais, sinais de código e beats circulares para mostrar musicalmente o que é esse tal universo. E é seguida pelo batidão afro-jungle-metal de Cicatrizes, que vai se tornando mais rápido e ritualístico.
Profecia, por sua vez, leva o som do Deafkids pra uma espécie de selva metálica – com uma percussão emparedada que tem viradas de samba. As experimentações eletrônicas do grupo também unem trance, funk e terreiro (Simulacro, Advertência) e eletroafrohardcore (Reflexo), além de se tornarem bem mais hipnóticas e pesadas nas três últimas faixas – por acaso, com os títulos Feitiço, Possessão coletiva e Em transe.
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RESENHA: Death punk veloz e diabólico: Deaf Devils misturam Motörhead, punk clássico, hardcore e metal britânico dos anos 1980.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Revolution Kids
Lançamento: 20 de novembro de 2025
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Parece até uma banda saída de Detroit, ou de Nova York, ou quem sabe até de Londres. Mas os Deaf Devils são um quarteto de Valencia, Espanha, liderado por uma cantora-diaba – Lucyfer, que fica à frente de Pipe Dead (guitarra), Kuba (baixo) e Eric Von (bateria). Deaf Devils, o primeiro álbum, é definido por eles como “death punk” ou “action rock”, e vai numa onda de punk sabbathiano-motörheadiano e bem rápido.
Parental control e Tonite já abrem o disco nessa onda, que se aproxima de uma receita noturna, clássica e provocativa de punk rock. Em alguns momentos, dá pra comparar com bandas históricas como Vice Squad, que surgem como lembrança em faixas como Dancing with the devil e Lost control, tudo sempre bem ágil e com base de guitarra que remetem tanto a Sex Pistols quanto ao punk californiano.
O Deaf Devils também chega perto do hardcore em músicas como Getaway, e ganha uma cara mais metálica em Gates of hell – tão rápida quanto o resto do disco, mas com palhetadas que lembram o metal britânco dos anos 1980. The offer chega a ter guitarradas parecidas com as de bandas como Status Quo e o Black Sabbath da fase Dio, mesmo que o resultado final seja próximo do punk. Assuntos diabólicos também não faltam, como o pacto de Deal e autoafirmação metalpunk (em clima de Motörhead) de Lucyfer.
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RESENHA: Slift mistura doom, prog e ficção fantástica em Fantasia, disco pesado e acessível que une Jorge Luis Borges, cyberpunk e viagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Le Bosquet / Sub Pop
Lançamento: 5 de junho de 2026
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Trio francês que opera num território entre o progressivo e o doom metal, o Slift nunca soou tão fiel a si próprio quanto em Fantasia, seu quarto álbum – ao menos é a impressão que fica após escutar as oito longas faixas do disco. Basicamente é um disco em que universos como o realismo fantástico, a literatura cyberpunk e os mundos dos videogames se unem numa história de corrupções e paranoias universais. As músicas são pesadas e desesperadas, e tudo parece bem mais acessível que os discos anteriores do grupo, equilíbrio total entre peso e viagem sonora.
Tem bastante progressivismo em Fantasia – os teclados da faixa-título jogam todo mundo num universo que parece levitar, mesmo com os vocais gritalhões de Jemi Foussat (responsável também por guitarras e synths). E essa levitação ressurge no começo de Corrupted sky, que abre com sons de guitarra que lembram um Depeche Mode metal. Só depois o /a ouvinte entra num universo bem mais sinistro, que desemboca nas sombras de The village e no groove sabbathiano de A storm of wings.
- Ouça também YHWH Nailgun, Big|Brave, Absorbance e Pussy Riot.
Quem curtir literatura vai poder brincar de achar referências em Fantasia – de Jorge Luis Borges a Mikhail Bulgakov, tem muita coisa escondida e nem tão escondida assim. O blues-metal Orbis Tertius tem seu título tirado de um conto de Borges, Tlör, Uqbar, Orbis Tertius, sobre um lugar misterioso que… Bom, não vamos estragar a surpresa de quem quer ler o conto. Seguindo com o disco, Day of execution é metal-prog ágil e com bastante peso, e a faixa de encerramento Secret mirror, até ganhar bastante peso, tem aquela beleza decorativa típica do progressivo “espacial” – uma tendência que pegava de Jean-Michel Jarre a (pode acreditar) Richard Clayderman em começo de carreira.
Fantasia parece condensar tudo que o Slint fez até hoje, e dá pra dizer que é o disco que mais serve como “apresentação” da banda. Waiting man, uma das melhores faixas, é definida pela própria banda como “o Pink Floyd invadindo as sessões de Master of reality (disco do Black Sabbath)”. De certa forma, essa definição se aplica a todo o disco.
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