RESENHA: Gravação de 1976 do Motörhead mostra Lemmy, Clarke e Taylor juntos pela 1ª vez. Cru e reverberado, The Manticore tapes foi feito no começo da formação clássica do grupo.

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O valor histórico desse lançamento é grande. A gravação contida em The Manticore tapes, feita em 1976, marca a consolidação da formação clássica do Motörhead – Lemmy Kilmister (baixo, vocal), “Fast” Eddie Clarke (guitarra) e Phil “Philthy Animal” Taylor (bateria). Na época, o Motörhead era um grupo inédito: tinha gravado um disco com outra formação, On parole, mas o álbum ficou engavetado e só sairia em 1979.

A necessidade de ensaiar a nova formação – e acostumar todo mundo com o repertório o mais rápido possível – levou o trio ao estúdio britânico Manticore, que pertencia ao grupo progressivo Emerson, Lake & Palmer. Ao que consta, foi a primeira vez que Lemmy, Clarke e Taylor gravaram juntos, e o repertório engavetado de On parole (e que surgiria tinindo em Motörhead, primeiro verdadeiro disco do grupo, de 1977) aparece em The Manticore tapes em versões demo, bastante ágeis e – ponto negativo – cheias de reverb.

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Vibrator e Leavin’ here – esta, um clássico da Motown gravado por gente como The Who e Isley Brothers – surgem ágeis e rascunhadas. A misteriosa The watcher é rock pauleira com estrutura punk, o mais próximo que alguém chegou de amalgamar Sex Pistols e Deep Purple. Motörhead, hino do grupo (e originalmente uma canção do repertório do Hawkwind, ex-banda de Lemmy), soa distante na reverberação.

Uma curiosidade é Help keep us on the road, versão inicial de Keep us on the road. Um vapor pós-punk chega perto do Motörhead nessa faixa, em que Lemmy sola no baixo e chama mais atenção do que a guitarra. É algo que só o New Order faria e que nem o The Who havia conseguido fazer com My generation: lembrar que o baixo (bass guitar) é uma guitarra.

The Manticore Tapes encerra com versões alternativas e mais comprimidas de Leavin’ here, Vibrator e The watcher. Antes, surgem Witch doctor (de John Mayall) e Iron horse/Born to lose, em versões creditadas como “instrumentais” – na verdade, a voz de Lemmy aparece, mas sem microfonação alguma, como numa jam informal. Um registro cru e cheio de falhas, mas essencial para entender o nascimento de uma das formações mais lendárias do rock pesado.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7,5
Gravadora: Sanctuary / BMG
Lançamento: 27 de junho de 2025.

RESENHA: O University mistura screamo e noise rock num disco caótico e divertido. McCartney, It’ll be OK é barulho, ironia e criatividade no volume máximo.

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Dizem por aí que cabe aos jornalistas conceituarem músicas, movimentos e bandas. No caso de um disco maluco como McCartney, It’ll be OK, da banda britânica University, nem me atrevo. É emo, mas não é “emocional”. É noise rock, mas é “noise” demais. É screamo e pós-hardcore, mas já tem gente chamando o som deles de “progressivo (baita viagem falar isso, aliás).

O University, além de tudo, parece ter uma mania com o Iron Maiden. McCartney tem duas faixas chamadas History of Iron Maiden, no fim do álbum. A primeira (a “parte 1”) dura dez minutos e é uma sinfonia de barulhos, com vocal desesperado, guitarras aterradoras, bateria que parece socada com as mãos, e versos como “será que você já viu minha camisa amarela tão fresca e limpa? / a sete milhas da minha casa / foi quando eu soube que você era o melhor”.

Já a segunda (intitulada History of Iron Maiden pt 0.5) é um instrumental tocado nos teclados, que parece coisa de videogame – e no qual, curiosamente, dá para perceber o molho melódico do grupo. Zak Bowker (voz, guitarra), Ewan Barton (baixo) e Joel Smith (bateria), os três do University, ainda têm um mascote chamado Eddie – na verdade um amigo da banda que esconde o rosto com uma balaclava e que aparece nas fotos de divulgação como o “quarto” integrante.

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Se você está achando o University loucura demais para seu pobre cérebro… Bom, talvez até seja mesmo. O disco começa com Massive Twenty One Pilots tattoo, que inicia com barulho de telefone, berros e uma estileira guitar rock que, no susto, se transforma numa mescla de screamo radical e pós-hardcore, com microfonias, ritmos quebrados e versos que lembram uma caricatura emo. Curwen é punk rápido, com letra crua no estilo de Kurt Cobain.

Já Gorilla panic é um sinfonia de microfonias que abarca slacker rock, math rock, screamo, pós-hardcore e outros estilos que se bobear, você vai precisar googlar. A letra: “quanta louça você conseguiria lavar sem detergente? / e quão limpo você conseguiria ficar sem sabão? (…) / o que é uma chaleira de peixe sem a chaleira? / quantos peixes você conseguiria fritar sem a frigideira?”.

Hustler’s metamorphosis, GTA online e Diamond song, as outras três faixas, ficam quase na mesma variação, acomodando estilos como blues e psicodelia, e apresentando momentos em que a zoeira é tão imensa que a microfonação parece que nem vai dar conta. Aparentemente, a missão do University é achar beleza no caos e botar ordem no que parece desordenado. Desempenharam a tarefa muito bem.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Transgressive Records
Lançamento: 20 de junho de 2025.

RESENHA: Lorde rompe com o passado em Virgin, disco íntimo e sombrio que mistura pop minimalista, desabafos e eletrônica densa.

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Tão dizendo por aí que Virgin, o quarto disco de Lorde, é o que sua estreia Pure heroine (2013) deveria ter sido, se na época ela não tivesse 17 anos. Faz sentido, embora Ella Marija Lani Yelich-O’Connor (nome verdadeiro da cantora) não fosse exatamente uma artista disposta a chocar e a confundir quando mais nova. Na época, ela basicamente ela se divertia desafiando os limites do mercado pop com versos cortantes e uma sonoridade sombria.

Na real, nem dá para dizer que há uma disposição em “chocar” (no sentido sensacionalista da coisa) aqui. O material de Virgin veio de questionamentos e desabafos sinceros. E que soam mais sinceros ainda pelo lugar que o álbum ocupa na carreira dela – o lugar de disco bastante aguardado, e que trouxe para o fã-clube dela uma turma que tem hoje a idade dela quando começou. Virgin também foi estrategicamente montado por ela e seus parceiros-produtores para combinar sensorialmente letras, músicas, arranjos e narrativa.

As questões sobre sexualidade que ela vem falando em entrevistas já abrem o álbum com Hammer, uma balada introspectiva, mas dada a explosões, em que ela fala frases como “não tenho todas as respostas”, “paz na loucura”, “cartão-postal da borda”, entre outras sentenças bem mais espinhosas que a narrativa do tranquilo Solar power (2021), disco anterior. Um álbum que acabou chamando infelizmente mais atenção pela capa sexy e pelas músicas declaradamente emaconhadas.

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Virgin soa o tempo todo como algo detalhadamente trabalhado, e não excessivamente trabalhado. Os arranjos são quase minimalistas, as seguranças e inseguranças das letras são universais e comuns, a perda da inocência citada na dance music sombria Current affairs pode acontecer aos 40 ou 50 anos. Em meio ao som eletrônico e texturizado de What was that, mais inseguranças, drogas e amores em que só uma parte dá o suficiente.

O repertório de Virgin também abarca crueza quase industrial referenciada no blues e no jazz (o single Man of the year), indie pop com frieza controlada e interpretada (Shapeshifter), um eletrorock sobre cobranças, estresses e busca da perfeição (Favourite daughter) e bjorkices (as vozes e efeitos de Clearblue). Broken glass soa quase como um baile funk indie, com uma letra seca sobre transtorno alimentar – e climas próximos do soul e do synthpop surgem em If she could see me now e David.

De modo geral, Virgin é um disco marcado pelo silêncio antes do chute no balde, e pelo esporro após a explosão. Lorde decidiu romper com tudo, inclusive com suas versões anteriores, e pôs a busca por um novo mapa nas músicas. Deu super certo.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Republic/Universal
Lançamento: 27 de junho de 2025