RESENHA: A mistura de pós-punk esquisito, música eletrônica, som cerimonal e no wave do Fini Tribe ressurge na caixa The sheer action of the Fini Tribe 1982-1987, em faixas ruidosas e inventivas.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Shipwrecked Industries / Finiflex Records
Lançamento: 10 de outubro de 2025

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O Fini Tribe é uma banda tão obscura que mal pode ser considerado um projeto musical maldito. Vindo de Edimburgo, Escócia, ele acabou tendo influência na mistura musical que deu origem aos balearic beats, as batidas dos clubes de Ibiza – tudo por causa de Detestimony, música de 1986 que foi tocada em clubes locais e que entrou em coletâneas do estilo. Com referências de grupos como Throbbing Gristle, Wire, Can e Captain Beefheart and His Magic Band, eles geraram projetos como o Ministry – e vale citar que Chris Connely, um dos criadores do Fini Tribe, acabou saindo da banda para ingressar tanto no Ministry quanto nos Revolting Cocks.

Não havia só proto-house e música eletrônica no som do Fini Tribe, como dá para perceber tranquilamente na audição da caixa The sheer action of the Fini Tribe 1982-1987 (que pode ser ouvida na íntegra no Bandcamp e em demais plataformas de música). No geral, o som do Fini Tribe – cujos integrantes eram Chris, Simon McGlynn, Andy McGregor, Davie Miller, Philip Pinsky e John Vick – era bastante descendente do funk punk de bandas como Pop Group, Slits e Gang Of Four, e mais parente ainda da no wave.

• Ouvimos: Wire – Nine sevens (box set)

A própria Detestimonial soa como a mescla exata de Gang Of Four com a fase intermediária (1985/1987) do Ministry. Cathedral, na abertura, é no wave quase psicodélica, com ritmos ao contrário, vocal falado e teclados em tom ambient. Backwards and forwards we learn tem som extremamente estilingado, até no vai e volta do baixo. O clima do Ministry no disco The mind is a terrible thing to taste (1989, por sinal o segundo a contar com Connely) surge em faixas como All fours, a ritualística Throttlehearts (Rising mix) e as industriais Adults absolved e Idiot strength. A influência do Can é celebrada na regravação de I want more, hit da fase dançante da banda.

Conforme The sheer action of the Fini Tribe vai seguindo, o lado fantasmagórico do grupo – herdado da música cerimonial do Throbbing Gristle – vai ficando mais evidente, em músicas como Make it internal, Monimail e Paperself, além de novas versões, em demo ou ao vivo, de faixas que já surgiram na caixa, como Backwards and forwards we learn. O lance é que, no fundo, o Fini Tribe era uma banda basicamente de pós-punk e no wave. Fãs de bandas como Flipper e Public Image Ltd, e das compilações Não São Paulo (lançadas em 1986 e 1987 pela Baratos Afins) vão reconhecer muita coisa por aqui, em faixas como Papelself, The constant, Me and my shadow e na doideira de Choke – esta, um som pós-punk e desesperador, extremamente mal gravado, que parece feito de maneira tosca só pra provocar.

Por outro lado, tem o pós-punk típico, entre Slits e Teardop Explodes, de Splash care, e a beleza de We’re interested, além de climas meio afrbeat em Goose duplicates, Restless e Big jug / Wet stee rail. Monimail II tem flauta, percussão, e parece uma versão hippie de Siouxsie and The Banshees. City on a fence é uma música em que tudo parece rodar ao contrário. E entre várias curiosidades, destacamos a de Torch / Distance, que mais parece um sophisti-pop no estilo de Prefab Sprout e Style Council, só que jogado na tosquice underground. No fim das contas, é o resumo de uma história geralmente pouco lembrada e contada, ao seu alcance.

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RESENHA: Hetta dispara um sass core frenético em Acetate: grind, punk e noise em faixas curtíssimas, caóticas e precisas, cheias de humor ácido e brutalidade.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Lovers & Lollypops
Lançamento: 21 de novembro de 2025

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Existe uma nomenclatura chamada sass core, para definir bandas que misturam hardcore com estilos como grindcore, noise rock, screamo e até new wave, pós-punk e post rock. Além disso, as bandas dessa onda costumam inserir em sua música tudo que possa tornar o som mais irônico e menos masculinizado. Vale tudo: detalhes nas letras, nos vocais, na maneira de tocar, na atitude de palco, por aí.

O Hetta vem de Portugal, é formado por Alex Domingos (vocais), João Pires (guitarra), João Portalegre (bateria), Simão Simões (baixo) e costuma ser inserido nesse rol de bandas. Com alguns singles e um EP, Headlights (2022), na discografia, eles acabam de lançar o primeiro álbum, Acetate, que soa como uma metralhadora girando em velocidade aceleradíssima. Dá perfeitamente para comparar com bandas como Dillinger Escape Plan e Locust, por causa do clima rápido, ríspido e absolutamente quebradiço das músicas – mas tem bem mais aí.

• Ouvimos: Vlure – Escalate

Para começar, o som do Hetta parece mais uma loucura milimetricamente ensaiada e calculada do que um improviso em torno do barulho. Músicas curtas e diretas como Fire the choir, Twin scissors, Pontaria e The gold standard in dumpster diving (literalmente: “o padrão ouro em coleta de lixo”) são demolições musicais, com guitarras sombrias e estridentes, vocais agudos e gritados (às vezes soa como uma mistura de King Diamond e Kurt Cobain), e módulos rítmicos que vão se alternando.

É algo que parece ate uma herança do post rock, do pós-hardcore ou das partes mais pesadas de OK computer, do Radiohead: Twin scissors varia entre punk e metal, The gold stardard… chega a lembrar um samba crusty (e depois vira um metal funk casca-grossa), Plainclothes man chega a virar uma valsa de gritos e porrada – como uma roda punk que se movimenta em compasso ternário.

Já That’s not my skin you’re eating é pancadaria entre punk, metal e suíngue a ponto do vocal ser quase um rap torto, enquanto Wire lashes chega quase a ser um jazzcore. No meio disso tudo aí, tem a soma de pós-punk e hardcore maníaco de Caught again e Buckteeth. As letras são narrações de cenas de violência policial, guerras, brigas, sangue, vômito e mutilações. Triple Tracy, no final, cria quase um Carnaval de sangue e fogo para proclamar o “verão da revolução” (“o traficante de giz de cera está chegando / ele está procurando seus dentes / grita: ‘todas as músicas são canções de amor quando eu estou no controle’”). De arrepiar os cabelos.

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RESENHA: Lily Allen renasce em West End Girl: pop confessional, moderno e afiado, transformando dores pessoais no melhor álbum dela em anos.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: BMG
Lançamento: 24 de outubro de 2025.

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Muita gente anda dizendo que não esperava que Lily Allen, depois de tanto tempo (No shame, o disco anterior dela, saiu em 2018) voltasse com um álbum ótimo – e, de fato, as atenções do mercado fonográfico não estavam mesmo voltadas para ela. West End girl surgiu quase de surpresa no momento em que Lily se sentiu com coisas para falar, e mais do que tudo, segura consigo própria. O fim do casamento com o ator David Harbour, e os abusos e traições que ela viveu durante o relacionamento, são o suposto principal tema do disco (recentemente, a cantora deu uma disfarçada, falou que nem tudo é verdade e disse que West End girl foi “inspirado” em seu ex-casamento).

Lily sempre foi bastante confessional em relação a particularidades de sua vida, em músicas e entrevistas, mas dessa vez os fãs já vinham caçando detalhes de que algo estranho vinha rolando. Recentemente ressurgiu uma entrevista dada pelo ex-casal no tapete vermelho do prêmio teatral Oliviers Awards 2022: Lily foi indicada a melhor atriz por seu papel na peça 2:22 A ghost story e, no tal bate-papo, teve aturar o (então) marido fazendo uma piadinha cheia de ressentimento e inveja. Nas fotos do evento, ela parece bastante incomodada com tudo e sem a menor vontade de estar ali, pelo menos ao lado de Harbour.

• Ouvimos: Blood Orange – Essex honey

Seja como for, o David Harbour (ou o que o valha) que é retratado em West End girl é um sujeitinho invejoso (na faixa-título), infiel (Just enough, Madeline e quase todo o disco), viciado em sexo (Pussy palace), escroto (em Nonmonogamummy ela fala algo sobre David ter exigido relacionamento aberto e que ela quisesse ter filhos com ele) e frequentador de redes sociais bem estranhas (4chan Stan, na qual Lily confessa que as bandeiras foram tantas que ela resolveu fuçar nas coisas do ex-marido e achou uma nota de compra suspeita). Allen também se diz cansada de ter que bancar a mãe de seus maridos e namorados (Fruityloop, de versos como “queria poder consertar todos os seus problemas / mas todos os seus problemas são seus para você consertar”).

Já Dallas Major, cantada na primeira pessoa, usa um truque típico de Madonna e Beyoncé – a criação de um alter-ego que, na real, é uma versão dela própria – e resume tudo em tristes constatações: “eu uso o nome artístico Dallas Major, mas esse não é meu nome verdadeiro / sabe, eu costumava ser bem famosa, isso foi há muito tempo atrás / sim, estou aqui em busca de reconhecimento e provavelmente devo explicar / como meu casamento se tornou aberto desde que meu marido me traiu”, canta, antes de mudar a perspectiva: “o nome dela é Dallas Major / ela morre de medo de fracassar / ela só está aqui em busca de validação”.

Musicalmente, West End girl é o melhor disco de Lily em bastante tempo, e tem algumas modernidades bem interessantes, como a bossa jazz pop da faixa-título, a agilidade sonora de Ruminating (com piano pop lembrando os hits de Joe Jackson), a blues ballad indie de Sleepwalking e o pop alternativo, com ares sessentistas, de Tennis. Madeline é um pop abolerado, quase um brega, que vai ganhando cara trap. Faixas como a celestial Pussy palace, 4chan Stan e Fruityloop (essa, lembrando a Lily do começo) deixam sempre a impressão de algo familiar – mas nunca repetido ou entediante.

Já Nonmonogamummy, mesmo com a letra relatando amarguras pessoas, é pop feliz e com ligeiro ar 60’s, evocando algo de Low rider, hit do War. Dallas Major é um r&b com cara quase disco, E ainda tem Let you w/in, pop adulto de piano, com andamento evocando Elton John e Paul McCartney. West End girl é o momento em que Lily percebe o tempo que perdeu tentando impressionar e conquistar gente estúpida – mas também musicalmente, é a “melhor versão” dela nos últimos tempos.

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