Crítica
Ouvimos: Shallowater – “God’s gonna give you a million dollars”

RESENHA: No segundo álbum, God’s gonna give you a million dollars, o Shallowater mistura slowcore, country e shoegaze num dirtgaze delicado e ruidoso, cheio de imagens e distorções.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 5 de setembro de 2025
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Vindo do Texas, o Shallowater faz em seu segundo álbum, God’s gonna give you a million dollars, um som que pode ser definido tranquilamente como slacker rock. Na real, é um slowcore com base country, estio geralmente nomeado como dirtgaze. Uma música que sai cavalgando enquanto o grupo esbanja evocações de Radiohead, Pavement, Smashing Pumpkins, The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Drop Nineteens. Tudo em prol de um som que mais parece um amanhecer ruidoso, um passeio a cavalo regado a LSD (opa, não tente fazer isso em casa), o mundo de Marlboro com outra erva no lugar de tabaco.
Blake Skipper, o vocalista, canta tão suavemente que sua voz parece que vai despedaçar – em meio a riffs quase estilingados, baixos profundos (que abrem boa parte das faixas), discretas slide guitars, ritmos circulares e uma bateria leve. Um disfarce calmo usado pela banda ao abrir músicas como Sadie, Untitled cowboy e a faixa-título do disco. Só que lá pelas tantas, as distorções e microfonias tomam conta e nuvens espessas de guitarras tornam-se a principal atração das longas faixas de God’s gonna give you a million dollars (são seis músicas em pouco mais de 40 minutos).
Conforme o disco do Shallowater vai avançando, a disposição da banda para fazer músicas bonitas e cheias de imagens vai ficando mais clara. Untitled cowboy, por exemplo, soa como jazz-country dos infernos. Algo que pode agradar aos fãs do Geese e a quem lembra de discos antigos do Pavement chegando às lojas, e um som que vai ganhando uma beleza toda própria. Highway parece um sonho, mais próximo de uma valsa country herdada de Neil Young do que da sujeira musical – embora as distorções tomem conta logo depois.
God’s gonna give you a million dollars tem ainda os quase nove minutos de Ativan, música viajante e de letra curta, que prega: “um homem não pode viver / só de Ativan (ansiolítico, geralmente usado para tratar problemas do sono) e gelo picado / mas eles podem mantê-lo firme”. Um som que abre na lentidão, mas com momentos de agilidade e peso (deve ser uma ótima música ao vivo, inclusive). No fim, a banda convida o guitarrista Hayden Pedigo para tocar em All my love – um som plácido, de lembranças guardadas há anos num caminho escondido, com letra emocionante. Um belo encerramento para um álbum cheio de surpresas.
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Crítica
Ouvimos: Nekra – “Is it really living?” (EP)

RESENHA: No novo EP, Is it really living?, o quarteto londrino Nekra cruza hardcore, noise rock e punk em cinco faixas sobre machismo, capitalismo, submissão e resistência, com riffs pesados e vocais gritados.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: La Vida Es Un Mus
Lançamento: 28 de agosto de 2026
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Você realmente vive ou apenas sobrevive? É isso que o quarteto punk feminino Nekra quer que você pense com seu novo EP, Is it really living? Vindo de Londres, o grupo encaixa misturas de hardcore e noise rock nas cinco faixas do disco, e capricha na porradaria, tanto em músicas quanto em letras. Os vocais são sempre gritados, e as / os fãs de bandas como Ratos de Porão e Exploited vão curtir bastante o som.
“Viver”, no caso, é não se adaptar às regras de submissão de uma sociedade machista – como elas cantam em Bad bitch stomp, música em que avisam: “nós nunca nos encaixamos no molde / nunca conseguimos passar / seus ideais de virtude / nunca foram para nós”. Venas é porradaria séria cantada em espanhol, enquanto All we got is us abre com ruído de transmissão (como numa rádio que avisa a hora da guerra), ganha riffs metálicos e enfileira palavras de ordem: “nunca confie em mentiras vindas de mãos ensanguentadas / o império precisa cair / a hora é agora / precisamos atender ao chamado”.
No final do EP, Risk factor considera a vida sob o manto do capitalismo uma farsa, e põe uma pergunta na mente: “é viver se estivermos vivendo por empréstimo?”, cantam / gritam / protestam. Pancadaria punk de valor.
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Crítica
Ouvimos: Paper Hats – “Once was enough” (EP)

RESENHA: No EP de estreia Once was enough, o londrino Paper Hats cruza noise rock, punk, garage, metal e drum’n’bass em músicas barulhentas sobre morte, desespero, inadequação e relações frustradas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 26 de maio de 2026
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Vindo do circuito under de Londres, o Paper Hats (que acabou tendo que colocar um UK em seu nome por causa de algum xará) é daquelas bandas que gostam de fazer barulho. Olha só esse causo contado pelo baixista Gabe Khitarishvili-Awde a respeito de Tether, uma das melhores faixas desse EP de estreia, Once was enough.
“O som estridente do amplificador de guitarra sozinho levou o medidor de decibéis do estúdio ao limite”, disse. “Nosso guitarrista, Sam, girava a guitarra para longe do amplificador para que todas as frequências ressoassem – era possível ouvi-las mesmo com todo o isolamento acústico da sala de controle. Há uma sensação de que um zíper está sendo puxado bruscamente nos seus ouvidos cada vez que os acordes rítmicos tentam abrir um buraco em meio à microfonia”.
É por aí, já que Tether, do alto de seus quase sete minutos, abre esparsa e levinha, mas já dá a entender que vem por aí algo bem ameaçador, por causa dos ruídos de guitarra – tem algo de Television no som, mas é como se o Television se apaixonasse por Black Sabbath, e Tom Verlaine tivesse Tony Iommi como ídolo. Na letra, os recados de alguém que vive contando os próprios dias, como se viver doesse: “Tema sua morte a vida toda / serei o primeiro a pular, esperando sua presença atrás de mim”.
O EP começa no desespero e no grito, com o curioso garage-noise-rock romântico (pode acreditar!) de Sharp. Completando, o Paper Hats ainda apresenta o punk hendrixiano de Dedux, o aviso de perigo de D’Artagnan (que letra é essa? “a morte significa complicações / não só não sei o que vem a seguir / como também estou sofrendo com o que ficou para trás”) e o rock + drum’n bass sujo de Grin rho, sobre um cara que em definitivo não foi feito para relações casuais (“eu te disse oi tantas vezes / mas claramente não era o que você merecia / me desculpe por ser eu mesmo quando eu deveria ter sido outra pessoa”). Que deprê pesada.
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Crítica
Ouvimos: Look Into The Abyss – “Dissociate”

RESENHA: Em Dissociate, a curitibana Look Into The Abyss cruza emo, pós-hardcore, screamo, gótico e metal em músicas sobre depressão, abusos, ansiedade, autodestruição e mudança.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 3 de abril de 2026
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“Nosso disco é um solene lembrete de entendimento, estagnação, persistência e mudança de hábitos”, avisa a banda curitibana Look Into The Abyss. Dissociate, novo álbum do grupo, é também um tratado forte sobre pressão, depressão, abusos e o que fazemos conosco depois de passar por tudo isso. No caso, dissociar também é criar novas maneiras de enfrentar tudo isso – mais ou menos como o Nirvana buscou falar em In utero (1993), ou como o Hole fez em Live through this (1994).
Dissociate tem climas que oscilam entre emo, pós-hardcore e gótico, chegando perto do screamo em Cycles, uma música sobre raiva reprimida, e na onda quase death metal de Abyss (“quanta verdade você consegue suportar? / sacuda sua gaiola / nos tornamos a soma de tudo que tocamos”), ou na valsa emo + nu metal de Eyes on me, ansiedade social em verso e porrada.
As melodias acompanham a amargura de faixas como Stagnant by the time (único verso: “estagnado quando tive que aprender a andar novamente”), Breath it out (que recomenda: “fique longe do abismo / você não sabe o que existe lá / você não sabe / ninguém sabe”). Why, um emo sombrio e violento, e Distant voices, com algo de System Of A Down na composição (embora passe um bom tempo só com voz e baixo), ensinam que a autodestruição é um vício e um perigo.
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