Crítica
Ouvimos: Saint Etienne, “The night”
- The night é o décimo segundo álbum de estúdio da banda britânica Saint Etienne, definido pela própria banda como uma continuação do disco de 2021, I’ve been trying to tell you.
- O disco foi produzido pelo Saint Etienne em colaboração com o compositor e produtor Augustin Bousfield. A banda é formada há mais de três décadas pelo trio Sarah Cracknell, Bob Stanley e Pete Wiggs.
- Sobre o disco, Wiggs diz que “queríamos continuar o clima suave e espacial do último álbum, talvez até mesmo dobrá-lo. Mas é um álbum muito diferente, não é baseado em samples. Músicas, climas e peças faladas entram e saem enquanto a chuva cai lá fora. É o tipo de disco que gosto de ouvir no escuro ou com os olhos fechados”, diz.
Faz falta a época em que o Saint Etienne era uma grande revelação do indie pop. Foxbase alpha (1991) e So tough (1993) são discos que observam a composição de música pop por ângulos bastante diferentes, recorrendo sempre a cláusulas clássicas (synth pop anos 1980, grupos vocais dos anos 1960, uma mescla de Beatles + Beach Boys, etc) e dando uma sensação de conforto, especialmente por causa da bela voz de Sarah Cracknell.
As pessoas mudam, as coisas mudam, e lá se foi o Saint Etienne dedicar-se cada vez mais a uma música ambient, experimental e abstrata – em que tudo parece ser a trilha sonora de algo, seja das letras inconclusivas do grupo, seja de uma história que está sendo contada no decorrer das faixas. Claro que ficou bonito e isso não se discute, apesar da nostalgia dos primeiros tempos. No caso de The night, o disco novo (cuja capa soa como uma paródia – em clima de lixo eletrônico – da arte de Three imaginary boys, estreia do The Cure) parece fazer um sobrevoo sonoro e introspectivo nos caminhos percorridos por alguém da juventude até uns 20, 30 anos depois.
Talvez o tal sobrevoo seja na vida do próprio grupo, nas felicidades e nas tristezas. The night é marcado do começo ao fim por um ruído de chuva, que desaparece em poucos momentos, e por uma imagem de “ouro” como o tempo que se esvai. As faixas são interligadas, abrindo com Settle in, que inicia com conversas, como se fosse um papo de piano-bar – até que a música se torna um art pop celestial, e surge a voz de Sarah falando: “Quando você tem vinte ou vinte e um anos, você tem tanta energia e fé/(…) O tempo voa e escapa pelos dedos”. Chegando perto do final, a vinheta Wonderlight traz a cantora declamando, com voz tranquila, sobre a sensação de voltar para casa sozinho e ouvir música até adormecer, como o (quase) fechamento de um ciclo.
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O material novo do Saint Etienne tem partes orquestrais de tirar o fôlego (Half light, Celestial, esta encerrada com ondas sonoras vocais de emocionar) e mexe com sons que parecem vir de longe – como uma trilha sonora distante num filme em que alguém olha a chuva na janela (por acaso na faixa Through the glass), ou uma música indistinguível que aparece num sonho. No caso, a já citada Half light, No rush e Northern countries east – esta, aberta com um instrumental sombrio, como se algo estranho fosse acontecer, mas imediatamente adocicada pela presença de um cravo, que dá uma beleza quase dissonante à música.
When you’re young, levada adiante por um piano simples e por um ritmo que lembra uma célula rítmica de reggae, e o hino Gold, um r&b experimental com piano lembrando Cais, de Milton Nascimento, dão mais variedade ao disco. E, bom, o rótulo “progressivo” é algo que só deve ser tirado do bolso quando realmente valer a pena – no caso de The night, não vale mesmo. Mas enfim, é um disco que tem o tom mântrico de Nightingale, que lembra Peter Gabriel, as vozes sobrepostas (num clima meio Laurie Anderson) de Elliar Carr, e Preflyte, que se fosse lançada nos anos 1980 acabaria ganhando aquele rótulo esvaziado de new age.
De qualquer jeito, o estilo se insinua também no soul celestial de Alone together, uma das raras músicas com bateria-percussão mais distinguíveis, aberta com piano rhodes e guitarra, e seguindo com algo que lembra Holding back the years, do Simply Red. É o encerramento do álbum, apostando na magia da passagem do tempo e no tom introspectivo.
Nota: 9
Gravadora: Heavenly Recordings.
RESENHA: Em Relicário: Sá & Guarabyra, o Selo Sesc resgata show inédito da dupla em 1979, com rock rural, MPB, soul e clássicos como Sobradinho e Espanhola.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: Selo Sesc
Lançamento: 20 de março de 2026
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Nos anos 1970 havia bem menos liberdade e mais conservadorismo – ou ele parecia se mostrar de forma diferente. É curioso que, apesar de ter havido um “rock brasileiro” bem mais forte mercadologicamente na década seguinte, essa foi a época em que rock e MPB pareciam andar juntos.
Traduzindo: durante os anos 1970, nomes como Rita Lee, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Elis Regina, Guilherme Arantes, Raul Seixas, Belchior, Erasmo Carlos, Joelho de Porco, Milton Nascimento (e Som Imaginário), Paulo Diniz e Zé Rodrix misturavam guitarras, soul e ritmos brasileiros. Em alguns casos, faziam até música “para dançar”. Era uma época em que nomes como Silvio Brito e The Fevers eram tidos como “rock”, o veteraníssimo Made In Brazil tinha contrato com multinacional e ainda havia um certo molho “iê iê iê + jovem guarda” quando se pensava em música “jovem” feita nas grandes gravadoras.
Já Sá e Guarabyra eram uma espécie de desdobre rural dessa turma. A dupla formada por Luiz Carlos Sá e Guttemberg Guarabyra (e que era um desdobramento do trio Sá, Rodrix e Guarabyra, com Zé Rodrix) cantava a terra, a natureza, lugares nunca dantes explorados, o amor e as relações humanas como eventos quase bucólicos – e passava por lugares pouco visitados pela música pop. Só que estavam de olho no que acontecia ao redor, ainda mais numa época daquelas. Dá para ouvir essa liberdade, ainda que vigiada e ameaçada, em Relicário: Sá & Guarabyra (ao vivo no Sesc 1979), raridade lançada pela série Relicário, do Selo Sesc.
O show aconteceu em 1º de setembro de 1979 no Sesc Consolação, então chamado Sesc Vila Nova. Boa parte do repertório vinha de Quatro (1979), disco que a dupla apresentava na ocasião, dois anos depois de Pirão de peixe com pimenta (1977). Era uma fase de lançamentos pela Som Livre, propaganda dos LPs na televisão, músicas em novelas (a instrumental Tema do assoviador e a aguerrida O silêncio é de ouro ficaram perdidas nas trilhas de Dona Xepa, de 1977, e Sinal de alerta, de 1978, respectivamente) e canções que iam virando clássicos. E o capricho dos discos de estúdio tinha continuação no palco.
Rock rural? Sim, mas tinha muito mais ali. Sá e Guarabyra gostavam de canção pop, de balanço e até de disco music. As diferenças entre os dois ajudavam: um interesse maior pelo regional daqui, uma vontade de explorar o urbano dali, e o repertório crescia nessa conversa. O disco Quatro tem bastante dessa disposição de experimentar e, ao mesmo tempo, fazer uma música que você sai cantarolando.
E que banda acompanhava os dois: Beto Martins (guitarra), Constant Papineanu (teclados), Nonato Teixeira (bateria) e Pedro Jaguaribe (baixo e gaita), músicos que passeavam pelo soul, pelo rock, pelo jazz e pela canção brasileira como quem estava em casa em qualquer um desses lugares – e músicos que deixam sempre a impressão de que muita coisa está acontecendo ao mesmo tempo, sem que o arranjo vire uma demonstração de virtuosismo.
Flora medicinal, João sem terra, Alucinante Alice, Pendurado no vapor, Falso inglês, Vem queimando a nave louca aparecem ao lado de Espanhola e Sobradinho. É bom ouvir esse repertório junto, com músicas que já estavam ganhando o mundo e outras que merecem mais atenção até hoje.
Nem a dupla tinha esse registro. Imagina reencontrar, décadas depois, uma noite dessas, com tanta coisa ainda por acontecer. O lançamento acaba sendo também o último disco de Sá e Guarabyra, cuja parceria terminou em abril de 2025 – Sá está inclusive com lançamento solo novo. Mas o que se ouve é uma dupla em plena atividade, com repertório, músicos e vontade de sobra. Um pedaço da história que ainda dá um ótimo show.
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RESENHA: Em Meio-dia e pouco, Buub estreia solo com um EP de cinco faixas que mistura MPB, indie rock, jazz e blues, explorando memórias, perdas e o fim de relações.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 12 de setembro de 2026
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Buub, ou Bruno Balieiro, músico que passou também pelas bandas Viúva Fantasma, Mangrove Dogs e Sutiã Rasgado, estreia sozinho num universo de violões, guitarras e lembranças difíceis. Meio-dia e pouco tem cinco faixas, produção feita pelo cantor e um som que aproxima MPB, indie rock, jazz e blues. A gravação caseira deixa tudo perto do ouvido, como se alguém tivesse resolvido cantar sobre os temas que passou o expediente inteiro tentando esquecer.
Sombra abre com uma guitarra entre rock e jazz, acompanhando uma letra sobre um outro lado que não sossega. A música vai escurecendo, ganha algo de pós-rock e sugere a pergunta que atravessa o EP: ignorar as memórias dá certo? Aqui, elas parecem apenas esperar um momento de distração para voltar – e são a tal “sombra” do título. O som acompanha esse incômodo, com uma intimidade que aos poucos fica menos confortável.
Mutações começa com um violão que parece gravado em fita cassete e teclados que dão um ar psicodélico. Há suingue, guitarras bonitas e uma disposição mais solar, embora a melodia continue nublada. Depois o peso aumenta, sem encobrir a canção. Ontem mantém a textura de fita, acrescenta teclados celestiais e um vocal cantado-falado. A construção lembra algo de Red Hot Chili Peppers, misturado ao indie dos anos 1980, enquanto a letra deseja que tudo volte a ser como antes. A memória deixa de ser perseguição e vira um lugar no qual o narrador gostaria de morar.
Desaquecimento troca essa vontade pelo reconhecimento de que o amor acabou. A pessoa ainda olha do mesmo jeito, mas o sentimento já não está lá, numa balada que aproxima o fim da relação de um mundo mais gelado. Filme encerra com blues e uma lembrança de Luiz Melodia na (desculpe o trocadilho) melodia. Ficou bem bonito.
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RESENHA: Em Stick & poke, o Ax and the Hatchetmen mistura emo dos anos 2000, indie rock e pop com metais, em um EP sobre desilusões amorosas e amadurecimento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 6,5
Gravadora: Sony Music
Lançamento: 16 de outubro de 2026
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O Ax and the Hatchetmen, de Chicago, faz um rock que oscila entre o emo da MTV nos anos 2000, o indie rock da mesma época, e o indie pop de hoje. Stick & poke, EP produzido por Jake Sinclair, tem guitarras, metais e refrãos alegres acompanhando os tropeços amorosos de Axel Ellis, o popular Ax – também ator da série-banda The Runarounds, da Prime Video, na qual interpreta o herbífumo guitarrista e pintor de casas Neil Crosby. Como cantor dos The Hatchetmen, Axtenta entender os vinte e poucos anos, enquanto a banda parece mais interessada em animar a festa depois que alguém levou um fora.
A faixa-título começa com voz e guitarra, naquela “intimidade” emo, antes de os metais entrarem e o refrão abrir um sorriso. É cantarolável, adequado e… pouco surpreendente, familiar. Uma familiaridade, aliás, que ajuda na identificação, mas também faz o grupo parecer uma banda entre tantas outras. Loser traz uma batida que lembra We will rock you, do Queen, cruzada com metais. Dá a impressão que a banda tem uma disposição quase esportiva para transformar a derrota em coro.
Funny valentine segue pelo rock colorido, com vozes bem cuidadas e sopros que puxam o arranjo para o ska. Tem algo daquele emo alegrinho dos anos 2000 e, para ouvidos brasileiros, pode lembrar até a onda happy rock. A letra acompanha um romance que acaba antes de a pessoa entender o que aconteceu. Você já passou por isso, eu já passei, todo mundo passou – essa coisa “gente como a gente” de Ax and the Hatchetmen talvez seja o melhor do grupo.
Prius aproxima Strokes e Arctic Monkeys de um acabamento mais boy band, com metais. Dance to different songs começa num violão simpático e encontra um charme de power pop sessentista. É um dos momentos em que a melodia parece se sustentar sem precisar de tanta animação ao redor.
O problema de Stick & poke é que paixão, término e amadurecimento acabam recebendo tratamentos parecidos. A produção deixa tudo acessível, mas poucas dessas frustrações ganham uma forma particular. É bom ouvir uma banda sem vergonha de ser pop e de lembrar o emo mais solar. Mas você vai ouvir de novo?
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