Crítica
Ouvimos: Saint Etienne, “The night”
- The night é o décimo segundo álbum de estúdio da banda britânica Saint Etienne, definido pela própria banda como uma continuação do disco de 2021, I’ve been trying to tell you.
- O disco foi produzido pelo Saint Etienne em colaboração com o compositor e produtor Augustin Bousfield. A banda é formada há mais de três décadas pelo trio Sarah Cracknell, Bob Stanley e Pete Wiggs.
- Sobre o disco, Wiggs diz que “queríamos continuar o clima suave e espacial do último álbum, talvez até mesmo dobrá-lo. Mas é um álbum muito diferente, não é baseado em samples. Músicas, climas e peças faladas entram e saem enquanto a chuva cai lá fora. É o tipo de disco que gosto de ouvir no escuro ou com os olhos fechados”, diz.
Faz falta a época em que o Saint Etienne era uma grande revelação do indie pop. Foxbase alpha (1991) e So tough (1993) são discos que observam a composição de música pop por ângulos bastante diferentes, recorrendo sempre a cláusulas clássicas (synth pop anos 1980, grupos vocais dos anos 1960, uma mescla de Beatles + Beach Boys, etc) e dando uma sensação de conforto, especialmente por causa da bela voz de Sarah Cracknell.
As pessoas mudam, as coisas mudam, e lá se foi o Saint Etienne dedicar-se cada vez mais a uma música ambient, experimental e abstrata – em que tudo parece ser a trilha sonora de algo, seja das letras inconclusivas do grupo, seja de uma história que está sendo contada no decorrer das faixas. Claro que ficou bonito e isso não se discute, apesar da nostalgia dos primeiros tempos. No caso de The night, o disco novo (cuja capa soa como uma paródia – em clima de lixo eletrônico – da arte de Three imaginary boys, estreia do The Cure) parece fazer um sobrevoo sonoro e introspectivo nos caminhos percorridos por alguém da juventude até uns 20, 30 anos depois.
Talvez o tal sobrevoo seja na vida do próprio grupo, nas felicidades e nas tristezas. The night é marcado do começo ao fim por um ruído de chuva, que desaparece em poucos momentos, e por uma imagem de “ouro” como o tempo que se esvai. As faixas são interligadas, abrindo com Settle in, que inicia com conversas, como se fosse um papo de piano-bar – até que a música se torna um art pop celestial, e surge a voz de Sarah falando: “Quando você tem vinte ou vinte e um anos, você tem tanta energia e fé/(…) O tempo voa e escapa pelos dedos”. Chegando perto do final, a vinheta Wonderlight traz a cantora declamando, com voz tranquila, sobre a sensação de voltar para casa sozinho e ouvir música até adormecer, como o (quase) fechamento de um ciclo.
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O material novo do Saint Etienne tem partes orquestrais de tirar o fôlego (Half light, Celestial, esta encerrada com ondas sonoras vocais de emocionar) e mexe com sons que parecem vir de longe – como uma trilha sonora distante num filme em que alguém olha a chuva na janela (por acaso na faixa Through the glass), ou uma música indistinguível que aparece num sonho. No caso, a já citada Half light, No rush e Northern countries east – esta, aberta com um instrumental sombrio, como se algo estranho fosse acontecer, mas imediatamente adocicada pela presença de um cravo, que dá uma beleza quase dissonante à música.
When you’re young, levada adiante por um piano simples e por um ritmo que lembra uma célula rítmica de reggae, e o hino Gold, um r&b experimental com piano lembrando Cais, de Milton Nascimento, dão mais variedade ao disco. E, bom, o rótulo “progressivo” é algo que só deve ser tirado do bolso quando realmente valer a pena – no caso de The night, não vale mesmo. Mas enfim, é um disco que tem o tom mântrico de Nightingale, que lembra Peter Gabriel, as vozes sobrepostas (num clima meio Laurie Anderson) de Elliar Carr, e Preflyte, que se fosse lançada nos anos 1980 acabaria ganhando aquele rótulo esvaziado de new age.
De qualquer jeito, o estilo se insinua também no soul celestial de Alone together, uma das raras músicas com bateria-percussão mais distinguíveis, aberta com piano rhodes e guitarra, e seguindo com algo que lembra Holding back the years, do Simply Red. É o encerramento do álbum, apostando na magia da passagem do tempo e no tom introspectivo.
Nota: 9
Gravadora: Heavenly Recordings.
RESENHA: Em No bad memories, o The Avalanches mistura samples, hip-hop, disco e eletrônica em 31 faixas com jingles, comerciais antigos e nostalgia tecnológica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Modular Recordings
Lançamento: 16 de outubro de 2026
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Você se lembra de O demolidor, filme com Sylvester Stallone dos anos 1990? O durão John Spartan (Stallone), congelado em 1996, acorda em 2032 e descobre uma sociedade higienizada em que falar palavrão rende multa (a conta vem por intermédio de um sensor pré-internet) e as rádios tocam jingles antigos como grandes sucessos. Tem muito dessa loucura, mas não com a mesma visão conservadora, em No bad memories, do The Avalanches: comerciais, vinhetas e ruídos tecnológicos viram música para curtir no sofá. Uma loucura que poderia ficar restrita à experimentação, se os australianos não fossem tão bons em encontrar canções no meio dos entulhos.
Surgido em Melbourne em 1997, o grupo trocou o noise punk pelo hip-hop e pelas colagens de samples. O debute Since I left you (2000) fez história, mas a sequência Wildflower só apareceu em 2016. Depois de We will always love you (2020), Robbie Chater e Tony Di Blasi (e Andy Szekeres) chegaram ao quarto álbum com vntade de fazer uma festa bem estranha. As 31 faixas parecem uma sessão de zapping, com cortes que nem esperam a música acabar.
Há algo de Boards of Canada nessa obsessão por sons que poderiam ser vinhetas. 3D glasses not included brinca com timbres de tecnologia antiga, He lives in the old world parece saído de uma vinheta de fita VHS (estilo CIC Video) e El Dorado TV spot vende um refrigerante inventado. SUV heaven leva essa lembrança para os anúncios de carros – em especial aqueles dos anos 2000, quando as pessoas achavam que já estavam acostumadas com tecnologia saindo pela bica da cozinha. Você ouve distraído, como quem lava roupa com a TV ligada, e horas depois está cantarolando alguma coisa sem saber de onde veio.
Together põe vozes processadas e ruídos eletrônicos num Kraftwerk afetivo: a vontade de ficar junto convive com a estranheza de olhar fotografias antigas. I give everything I have 2U, com Loaded Honey, transforma soul em dance music de época. Every single weekend, com Jamie xx, lembra as redescobertas da disco dos anos 2000 (Scissor Sisters, etc), enquanto Blue shadows, com Karen O (Yeah Yeah Yeahs), tem beleza indie pop, só que cercada de efeitos psicodélicos meio de araque.
Vida traz Erick the Architect fazendo um som aproveitando a pedrada boogie brasileira Vida agitada, gravação de Paulo Jerônimo de 1983 – o riff de metais ganha agito e é usado como base. Highfield, com Panda Bear, reprocessa pop setentista e reggae até quase virar jingle. One more fantasy tem Carly Simon, só que fazenddo uma espécie de soft rock soul de máquina; Our love is alive aproxima pista, city pop e os sons experimentais de Suzanne Ciani. Tudo parece publicidade, mas muita coisa também provoca afeto.
All the time in the world, com Rivers Cuomo, Vegyn e Baby Marlboro, oferece companhia num clima que lembra Gorillaz. E lembra que nossas relações também passam pelas máquinas. Quem nunca teve uma amizade que só fazia sentido no WhatsApp ou no Orkut? Total recall, com Mike Patton, leva isso ao comércio explícito, como se até a frieza dos SACs (“não desligue, sua ligação é muito importante para nós”) rendesse música.
Final credits é uma curiosa despedida romântica, que mais parece uma mensagem soul gravada em loop. E The pavements light, com Haruomi Hosono, baixa o volume em eletrônica delicada. Depois de tanta propaganda, fica a pergunta: quanto das nossas lembranças pertence às empresas que ajudaram a fabricá-las? O disco entende que um som pode ter sido feito para vender e, mesmo assim, acabar guardando um pedaço da nossa vida.
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RESENHA: Em Steak, quarto álbum da banda britânica Steak, o quinteto mistura stoner rock, grunge, psicodelia e rock progressivo, com influências de Kyuss e Black Sabbath.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Stickman Records
Lançamento: 9 de outubro de 2026
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O Steak, de Londres, faz um stoner que vem de algum lugar entre o espaço sideral e uma caverna. O peso lembra Kyuss, Black Sabbath e Soundgarden, mas as guitarras chegam de longe, os vocais têm eco e há delicadeza na barulheira. Steak, quarto disco da banda e primeiro como quinteto, amplia o lado psicodélico e progressivo deles. O grupo sempre foi comparadíssimo ao Kyuss e tem uma herança enorme deles ali, mas os ingleses estão cada vez mais querendo escapar disso. Pelo menos parecem.
Cometh abre com uma guitarra distante, quase alguém tocando no quarto ao lado, até baixo, bateria e voz darem corpo à música. O andamento lento e sabbathiano tem algo de metal espacial: tudo pesa, mas parece flutuar. Luxury junk mantém esse ambiente cavernoso, com um balanço que aos poucos fica mais reto, mais rock’n’roll. A voz tem suavidade mesmo quando as guitarras engrossam.
Dust traz um vocal limpo e um riff que costura a faixa, entre grunge, metal e uma lembrança de Stone Temple Pilots no começo. As várias partes vão mudando o percurso. 2×2 também cresce a partir de pouco: um dedilhado distante ganha corpo grunge e depois recebe ataques de guitarra e bateria. As bases são enormes, mas riffs e solos nem sempre precisam disputar o primeiro plano.
Aether aproxima o Master of reality, disco de 1971 do Black Sabbath, da banda Masters of Reality, com uma guitarra que toma a frente. Knucklehead liga Kyuss a Soundgarden numa pancada mais direta. Já Infinite começa menos metálica, vai acumulando peso e chega perto de um hino metálico, com uma melodia que dá vontade de acompanhar.
Short arms encerra com quase oito minutos de guitarra meditativa, batida suingada e repetições que lembram até krautrock. Há algo do Pink Floyd de A saucerful of secrets (1968, da lisérgica Set the controls for the heart of the sun) nessa psicodelia que vai ganhando massa sem perder a calma.
O Steak ainda recorre a soluções conhecidas do stoner, mas vai abrindo espaço dentro delas. Quando deixa a música demorar, mudar de andamento e encontrar uma melodia no meio da distorção, o quinteto oferece motivos para ouvir além das referências.
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RESENHA: Em Introverse, quarto disco do Basement Alchemy, Shai Pelled mistura grunge, indie rock e pop sofisticado em músicas sobre isolamento, arrependimento e autoconhecimento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 2 de outubro de 2026
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Esses críticos musicais e seus rótulos maravilhosos… Odeia rótulos como bubblegrunge e sophisti-pop? Pois pode se preparar, porque lá vem o… sophisti-grunge. Pelo menos esta é a melhor maneira de apresentar o Basement Alchemy, um projeto de Shai Pelled, que compõe, canta, toca e grava praticamente tudo. Introverse, quarto disco, mistura peso noventista, melodias pop e uma elegância que faz as músicas escaparem das classificações mais óbvias.
O projeto começou num porão em Londres, com microfone barato e versões no YouTube. O som de agora tem aquela capacidade de surpreender que Collective Soul e Helmet tiveram nos anos 1990. This will help you remember abre com guitarras grunge e algo de Pearl Jam até na voz. The good times reforça o peso sem perder o acabamento sofisticado. A letra põe o narrador diante de uma porta fechada: ele quer companhia, mas teme o que existe do outro lado.
Segundo Pelled, esse conflito resume bem o disco: o músico se define como um cara BEM fechado, associa a criação musical a temas como “terapia” e “redenção”, e diz querer oferecer ao ouvinte um espaço de conforto, reflexão e companhia. E claro, se você está pensando algo como: “peraí, esse papo meio Ajuda-te a mim mesmo não cansa, não?”, a resposta é: “às vezes”. Mas o todo do disco compensa.
How to have a good day começa num dedilhado próximo do midwest emo, quase um loop, e ganha uma melodia de indie oitentista. As notas da guitarra parecem oscilar, dando instabilidade ao arranjo. I love you every now aproxima peso, soul e pop adulto: poderia ser uma balada metal, mas nunca se acomoda inteiramente ali. Ride the wave segue por esse caminho, com um solo que muda as cores da canção.
My mind tem algo da psicodelia dos Stone Temple Pilots e da sensibilidade do Blind Melon. Na letra, Pelled conversa com a própria cabeça sobre erros, promessas e oportunidades perdidas, tentando aceitar as imperfeições sem fingir que não se arrepende. É música para rádio rock, com detalhes que boa parte das rádios do gênero talvez nem soubesse aproveitar. Are you real? parece um Smashing Pumpkins mais tranquilo, enquanto Swallow the bird começa numa onda palatável e abre espaço para uma torrente de distorção que vem como um “solo”.
This will help you forget encerra com The Verve e Smashing Pumpkins em seis minutos de uma balada que vai longe. A letra fala em abandonar as versões de si criadas ao longo do tempo (“eu me liberto das versões de mim que criei para sobreviver”, diz a letra). Entre procurar companhia e aprender a conviver consigo mesmo, Pelled encontra assunto para um rock acessível, mas cheio de pequenas inquietações.
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Ouvimos: The Avalanches – “No bad memories”
Ouvimos: Steak – “Steak”
Ouvimos: Basement Alchemy – “Introverse”
Ouvimos: World News – “In purgatory”
Ouvimos: Lourenço Rebetez – “Língua geral”
Ouvimos: Garotas Suecas – “Inferninho” (ao vivo)
Ouvimos: Whippets – “No skulls”
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Ouvimos: Mylène Farmer – “Égrégore”
Ouvimos: Jets Overhead – “Ordinary dreamers” / “Directions” (compilações)
Ouvimos: Graveyard – “Fever”
Ouvimos: God of War – “Molly picture”
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Radar: Amaravida, Circle Round A Sphere, Nobres Cadelos – e mais sons do Groover!
Ouvimos: Radio Free Alice – “What’s in between”
Ouvimos: Last – “Potent desperation”
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