Crítica
Ouvimos: Saint Etienne, “The night”
- The night é o décimo segundo álbum de estúdio da banda britânica Saint Etienne, definido pela própria banda como uma continuação do disco de 2021, I’ve been trying to tell you.
- O disco foi produzido pelo Saint Etienne em colaboração com o compositor e produtor Augustin Bousfield. A banda é formada há mais de três décadas pelo trio Sarah Cracknell, Bob Stanley e Pete Wiggs.
- Sobre o disco, Wiggs diz que “queríamos continuar o clima suave e espacial do último álbum, talvez até mesmo dobrá-lo. Mas é um álbum muito diferente, não é baseado em samples. Músicas, climas e peças faladas entram e saem enquanto a chuva cai lá fora. É o tipo de disco que gosto de ouvir no escuro ou com os olhos fechados”, diz.
Faz falta a época em que o Saint Etienne era uma grande revelação do indie pop. Foxbase alpha (1991) e So tough (1993) são discos que observam a composição de música pop por ângulos bastante diferentes, recorrendo sempre a cláusulas clássicas (synth pop anos 1980, grupos vocais dos anos 1960, uma mescla de Beatles + Beach Boys, etc) e dando uma sensação de conforto, especialmente por causa da bela voz de Sarah Cracknell.
As pessoas mudam, as coisas mudam, e lá se foi o Saint Etienne dedicar-se cada vez mais a uma música ambient, experimental e abstrata – em que tudo parece ser a trilha sonora de algo, seja das letras inconclusivas do grupo, seja de uma história que está sendo contada no decorrer das faixas. Claro que ficou bonito e isso não se discute, apesar da nostalgia dos primeiros tempos. No caso de The night, o disco novo (cuja capa soa como uma paródia – em clima de lixo eletrônico – da arte de Three imaginary boys, estreia do The Cure) parece fazer um sobrevoo sonoro e introspectivo nos caminhos percorridos por alguém da juventude até uns 20, 30 anos depois.
Talvez o tal sobrevoo seja na vida do próprio grupo, nas felicidades e nas tristezas. The night é marcado do começo ao fim por um ruído de chuva, que desaparece em poucos momentos, e por uma imagem de “ouro” como o tempo que se esvai. As faixas são interligadas, abrindo com Settle in, que inicia com conversas, como se fosse um papo de piano-bar – até que a música se torna um art pop celestial, e surge a voz de Sarah falando: “Quando você tem vinte ou vinte e um anos, você tem tanta energia e fé/(…) O tempo voa e escapa pelos dedos”. Chegando perto do final, a vinheta Wonderlight traz a cantora declamando, com voz tranquila, sobre a sensação de voltar para casa sozinho e ouvir música até adormecer, como o (quase) fechamento de um ciclo.
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O material novo do Saint Etienne tem partes orquestrais de tirar o fôlego (Half light, Celestial, esta encerrada com ondas sonoras vocais de emocionar) e mexe com sons que parecem vir de longe – como uma trilha sonora distante num filme em que alguém olha a chuva na janela (por acaso na faixa Through the glass), ou uma música indistinguível que aparece num sonho. No caso, a já citada Half light, No rush e Northern countries east – esta, aberta com um instrumental sombrio, como se algo estranho fosse acontecer, mas imediatamente adocicada pela presença de um cravo, que dá uma beleza quase dissonante à música.
When you’re young, levada adiante por um piano simples e por um ritmo que lembra uma célula rítmica de reggae, e o hino Gold, um r&b experimental com piano lembrando Cais, de Milton Nascimento, dão mais variedade ao disco. E, bom, o rótulo “progressivo” é algo que só deve ser tirado do bolso quando realmente valer a pena – no caso de The night, não vale mesmo. Mas enfim, é um disco que tem o tom mântrico de Nightingale, que lembra Peter Gabriel, as vozes sobrepostas (num clima meio Laurie Anderson) de Elliar Carr, e Preflyte, que se fosse lançada nos anos 1980 acabaria ganhando aquele rótulo esvaziado de new age.
De qualquer jeito, o estilo se insinua também no soul celestial de Alone together, uma das raras músicas com bateria-percussão mais distinguíveis, aberta com piano rhodes e guitarra, e seguindo com algo que lembra Holding back the years, do Simply Red. É o encerramento do álbum, apostando na magia da passagem do tempo e no tom introspectivo.
Nota: 9
Gravadora: Heavenly Recordings.
RESENHA: Encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago mistura rap, jazz e ritmos afro-lusos, memória e crítica social, em parceria.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 15 de janeiro de 2026
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Criolo, Amaro e Dino não é só um disco feito a seis mãos – é um encontro de verdade. Aquele tipo de disco que só poderia acontecer quando os artistas estão disponíveis, e dispostos a se misturar um pouco em nome do som e das ideias. Com a rapidez dos papos levados pelo WhatsApp, era para estarem saindo discos assim a rodo. Por “assim”, aliás, entenda algo parecido com Gil & Jorge, disco de 1975 que unia Gilberto Gil e Jorge Ben e trazia os dois artistas criando um som que era só deles, e nunca mais foi repetido porque não houve um “volume 2”.
Se você for tentar quebrar o encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago em pedacinhos para entender o que está acontecendo ali… Bom, vale mais você ler entrevistas legais como a que Criolo e Amaro deram para a Folha de Pernambuco, mostrando que ali há as histórias dos três músicos, suas origens (o rapper paulistano, o pianista pernambucano e o cantor português de ascendência cabo-verdiana) e as músicas a que cada um foi exposto durante a infância e a formação musical.
Há mais que isso: encontros de realidades, e até de comunidades musicais – como as participações do trio de cantadeiras Clarianas no ijexá-funk-rap Você não me quis e em Menina do Coco do Carité, e do rabequista Mestre Salú, de Pernambuco, também nesta última. E se livros fossem líquidos? (Poeta fora da lei pt II) abre o disco com a mesma onda art-pop-soul do Sault, pondo a sonoridade do trio em outros universos. Fogo lento, morna cantada por Dino, põe mais drama pessoal e existência no disco (“dizem que o mundo é dos fortes / mas eu sei que o segredo é resistir às derrotas / em cada esquina uma escolha, uma porta / e eu aqui fazendo fogo lento na revolta”, diz a letra). Seka, marcada pelo piano sensacional de Amaro, leva o álbum para a terra de Dino, e põe o disco para girar na onda do batuku, ritmo e dança local.
Já faixas como Ela é foda, o jazz-soul Anoitecer, o samba-soul-reggae viajante Hoje eu vi você e Mama Afrika voltam ao lado mais pop do disco, num rolé de lembranças musicais que inclui Michael Jackson e até o grupo Azymuth. E o que fica mesmo do encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago é a disposição para tocar em feridas abertas, como a transformação do ser humano em máquina domada pelas big techs, às vezes mais ligado em realidades distantes do que no terror da esquina de casa. “O elevador aqui só desce, o demônio é meu sócio / abriram a caixa de Pandora, Simon diz: saiam agora (…) / a Amazônia tá pegando fogo / não é só L.A. que tá pegando fogo”, rima Criolo no samba-rap-jazz Amazônia (A-i’ahu). É isso aí.
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Crítica
Ouvimos: Public Enemy – “Black sky over the projects: Apartment 2025” / Chuck D – “Chuck D presents Enemy Radio: Radio Armageddon”
RESENHA: E os discos que Public Enemy e Chuck D (integrante do grupo, em carreira solo) lançaram ano passado? Dois álbuns de rap old school com novos elementos e reflexões sobre idade, mercado do rap e tempos digitais.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9 (para ambos)
Gravadora: Enemy / Flavor Flav (Public Enemy) e Def Jam (Chuck D)
Lançamento: 8 de julho de 2025 (Public Enemy) e 16 de maio de 2025 (Chuck D)
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A essa altura já tem novidade no front de uma das bandas de rap mais históricas do mundo: o Public Enemy pegou o hit He got game, tema do filme de Spike Lee Jogada decisiva, e transformou em She got game, com participações de rappers e esportistas mulheres. Flavor Flav se tornou patrocinador da Seleção Feminina de Polo Aquático dos EUA nas Olimpíadas de 2024, e a equipe está nos Jogos Olímpicos de Inverno de 2026, o que motivou a faixa.
Mas vale apontar que 2025 viu nascer não apenar um álbum novo do grupo, como também um disco solo do integrante Chuck D – que, por sinal, já tem um projeto colaborativo bem instigante programado para sair em 2026. Há algumas coisas em comum entre Black sky over the projects: Apartment 2025, do Public Enemy, e Enemy Radio: Radio Armageddon, de Chuck D. Tanto o rapper quanto seu grupo mantêm-se firmes no rap old school, mas acrescentam novos elementos, e não dispensam comentários sobre a passagem do tempo.
Na real, com lançamentos de rap cada vez mais “alternativos” e criativos, muita coisa que o Public Enemy já fazia lá pelos anos 1980 corre o risco de ser vista como uma alternativa nos dias de hoje. Apartment 2025 investe no boombap, em faixas com vários segmentos (com ritmos, climas e samples alternados) e em riffs hipnóticos de piano – enfim, o que poderia servir como uma cláusula de “psicodelia” para vários novos artistas é o procedimento normal de Chuck D, Flavor Flav e seus amigos.
O novo álbum fala sobre CEOs em estado de fúria e caos mental geral (Slick, unindo rock, blues, rap e jungle), gente escrota pagando comédia (Evil way, de versos como “tudo que sobe, desce / a gravidade tem um jeito de derrubar palhaços / tropeçando na cara, caindo escada abaixo / você é um homem mau / mas até os selvagens mais cruéis acabam sendo humilhados pelos comuns”), idade avançada (em What eye said, que entre versos como “deveria ser crime, agora estou perdendo meu ritmo / 64 versos para memorizar / consultei um psiquiatra para me ajudar” fala sobre como é ser um rapper e não recorrer a rimas fáceis).
Fools fool fools, com sons de bateria de Tré Cool, do Green Day, fala de um mercado fonográfico cada vez mais lotado de rappers, diluidores, aproveitadores e gente achando que autotune é gaita. O Public Enemy põe texturas de rock em algumas faixas, e privilegia uniões entre soul e psicodelia em várias outras, cabendo lembranças de grupos como Parliament / Funkadelic. Em vários momentos, o grupo encara os novos tempos com estranhamento – e vamos combinar que esse estranhamento tem lá suas justificativas, como na gracinha de Sexagenarian vape, reclamando de quem prefere fumar MP3 e gastar o dedo na tela (“você ama esses aplicativos, eu vou tirar um cochilo / porque você está bêbado de fama, tentando conseguir esse nome / correndo atrás de curtidas em vez de arrasar no microfone”).
Essa onda também é o combustível de Enemy Radio: Radio Armageddon, de Chuck D, álbum feito por um rapper experiente, que encara o estilo musical como uma rádio com vários programas – na real, é uma noção que faz parte do imaginário do estilo, tanto que já foi usada por De La Soul (em De La Soul is dead, de 1990), Racionais MCs (que criaram a Rádio Exodus no disco duplo Nada como um dia após o outro dia, de 2002), além do próprio Public Enemy. Em 2026, pode ser uma maneira de dizer que se a revolução não será televisionada, muito menos virá por intermédio das big techs, nas redes sociais e nas plataformas de música.
Em Enemy Radio, o girar do dial é uma maneira de dizer coisas, e de misturar universos, passando por uma análise da história do rock em What rock is, pelo empoderamento de Black don’t dead, pelo contato com os novos rappers em New gens, e pelo ódio de parte a parte (vindo da polícia, de rappers invejosos, de amigos falsos) em Rogue runnin’. Num disco dominado basicamente por convidados de velhas gerações do rap, Chuck une sons hipnóticos (New gens, Rogue runnin’, Carry on), faz rap + eletrohardcore (What are we to you?) e mexe com sons que fazem lembrar o hino Rational culture, de Tim Maia (na feminista e libertária Is god she?, com ½ Pint e Miranda Writes). Discão.
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RESENHA: Enemy mostra o KMFDM mais acessível sem perder o peso: industrial dançante, crítica a líderes autoritários e mistura de metal, punk, dub e eletro.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Metropolis Records
Lançamento: 6 de fevereiro de 2026
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Enemy, o novo disco do KMFDM, grupo industrial da Alemanha, é uma boa opção para quem está a fim de conferir o lado (digamos assim) acessível e belo das composições deles. A faixa-título abre o disco com beat lento e vibe de hard rock eletrônico, além de uma letra que põe as coisas em seus devidos lugares: o KMFDM (em alemão, “kein mehrheit für die mitleid”, ou “nenhuma simpatia pela maioria”) avisa para tomar cuidado com os falsos líderes, ir à luta e não abaixar a cabeça para a massa neo-fascista.
- Ouvimos: Alter Bridge – Alter Bridge
Já a segunda música, Oubliette, com Lucia Cifarelli nos vocais, é o lado anos 1980 do disco: parece uma união bem louca de metal e punk, filtrado pela eletrônica do grupo. Só dai para a frente o lado “dança da guerra” do KMFDM vai aparecendo, com a robótica e pesada L’etat (cuja letra traz a frase “o estado sou eu”, do monarca Luís XIV da França, repetida várias vezes até todo mundo pensar em Trump) e a agilidade eletropunk da fantasmagórica Outernational intervention. Lucia toma conta dos vocais do metal pós-punk Catch & kill, e uma onda de peso industrial e distorção toma conta do instrumental Gun quarter sue – uma música que até engana, com um tecladinho relaxante e melancólico na abertura, e que depois de pesar bastante no ouvido, ganha uma curiosa cara progressivo-metálica.
Enemy vai para outros lados: tem a onda punk, gótica e sexy de Vampyr (um das faixas menos anti-pop da história do grupo), a raiva feminina de Yoü (com Annabella Konietzko, filha de Lucia e do frontman Sascha “Käpn’ K” Konietzko, na letra e nos vocais) e o eletro-rock’n roll de A okay, que lembra a fase intermediária do Ministry. Além do curioso dub industrial de Stray bullet 2.0, com direito a metais. No final, The second coming une rangidos, programações, gritos de horror e vocais graves como num trailer de filme.
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