Crítica
Ouvimos: Pavement, “Cautionary tales: Jukebox classiques”
- Cautionary tales: Jukebox classiques é o novo box retrospectivo do Pavement, com músicas dos lançamentos da banda em 7 polegadas, além de algumas outras coisas, como as versões alternativas das faixas Black out e Extradition, lançadas em 2006 para quem fez a pré-encomenda da nova versão do disco Wowee zowee (1995).
- A caixa já está disponível nas plataformas – mas em formato físico, Cautionary tales sai apenas no dia 12 de julho. O pacote inclui reproduções dos singles originais de 7″ e um livreto de 24 páginas.
Blur, Cate Le Bon, Parquet Courts, Nirvana, Weezer, Super Furry Animals, The Coral e até o R.E.M. Todas essas bandas/artistas, em algum momento da carreira, foram comparadíssimas a um verdadeiro gigante do indie rock, o Pavement. Ou se deixaram deliberadamente influenciar pela banda criada pelos guitarristas e vocalistas Stephen Malkmus e Scott Kannberg. Um grupo que, vindo da Califórnia, estava mais para projetinho lo-fi e barulhento vindo de Nova York ou de algum canto ensimesmado de Seattle, embora fizesse sentido no cenário de um estado norte-americano bastante diversificado.
No caso do Nirvana, passou para a história o quanto a música do Pavement inspirou a composição de In utero (1993), último álbum do trio liderado por Kurt Cobain. Dando uma ouvida nas primeiras faixas desse Cautionary tales: Jukebox classiques, caixa (por enquanto apenas virtual) reunindo todo o material de 7 polegadas lançado pelo grupo, fica evidente que sem o ruído berrado dos dois primeiros EPs do Pavement, Slay tracks: 1933 – 1969 (1989) e Demolition plot J-7 (1990), porradas do álbum do Nirvana como Scentless apprentice não teriam sido feitas.
As onze faixas desses dois EPs (incluindo pérolas como Box elder e You’re killing me!) perfazem a primeiríssima fase da carreira do Pavement, uma banda que, por ter vindo de uma cidade pequena na Califórnia (Stockton), parecia se sentir mais à vontade para zoar tudo o que via de longe, e ainda falar do dia a dia de seus conterrâneos nas letras. O próprio grupo não parecia perceber o quanto seu som, apesar de focar no ruído, era sociável – caíram até nas graças do DJ inglês John Peel, que descobriu a banda e passou a divulgá-la.
Slanted and enchanted, álbum de estreia (1992), provocou inveja em boa parte dos grandes nomes do rock da época, Kurt Cobain incluso: era porrada musical elaborada, com uma ou outra canção com tendência a grudar no ouvido – Summer babe, incluída no box, era desse disco, e Cautionary tales resgata também lados B como Baptist blackstick e raridades como Sue me Jack, rock suingado e elegante para os padrões do grupo na época.
De Crooked rain, crooked rain (1994, o segundo disco) em diante, o Pavement ficaria mais elegante, inclusive. Traria barulhos incluídos de modo dosado, em meio a canções mais formais, influenciadas por country, power pop, Beach Boys, Neil Young. A banda juvenil dos primeiros EPs estava se tornando um The Cure bem mais indie, um Television dos anos 1990 ou quem sabe um Grateful Dead da mesma década – misterioso, cultuado e com um séquito de fãs.
Essa história é contada por intermédio de músicas que fizeram o grupo ganhar um número bem grande de fãs no Brasil, como Cut your hair e a bela e quase radiofônica Gold soundz. Ou Range life, canção que, em sua letra, espalhava brasa para Smashing Pumpkins (“eles não têm nenhuma função, e eu não entendo uma palavra do que eles dizem”) e Stone Temple Pilots (“eles não merecem nada mais do que eu”). Billy Corgan, dos Pumpkins, agarrou ódio do Pavement por causa disso – já se recusou a dividir palco com eles em festivais.
Lados B dessa época, como a vinheta instrumental Kneeling bus, com bateria desencontrada e tom dado por riffs de guitarra e solos de piano elétrico, são as boas descobertas da caixa. Daí para diante, o Pavement já fazia parte do cenário indie oscilando entre canções contemplativas e melodias que sequestravam a atenção – além de letras que os fãs, antes de tudo, gostavam de discutir. I love Perth, referência à maior cidade da Austrália Ocidental, faz os fãs australianos da banda debaterem em fóruns na internet até hoje.
A referência irônica à psicodelia californiana de Gangsters and pranksters também despertou a atenção de muita gente. Unseen power of the picket fence, feita pela banda para aparecer na coletânea No alternative (1993), é cara de pau: a música pinta um retrato bem estranho do R.E.M., a ponto de muita gente se perguntar até hoje se ninguém da banda ficou ofendido ou grilado com versos como “o cantor tinha cabelo comprido/o baterista sabia como se restringir/o cara do baixo tinha os movimentos certos/o guitarrista não era nenhum santo”, em meio a referências a discos e músicas do quarteto (“Time after time era a música que eu tinha como menos favorita”, cantam).
O slacker rock (sinônimo de rock blasé e garageiro) do Pavement foi se tornando cada vez mais palatável e de longo alcance à medida que novos álbuns surgiam: o esquisito Wowee zowee (1995), o ultra-trabalhado Brighten the corners (1997) e finalmente o controverso Terror twilight (1999) – este, produzido por Nigel Godrich (Radiohead), que tentou colocar o espírito livre do Pavement numa redoma, embora a banda tenha soado fora de tempo e espaço como sempre, em Spit on a stranger e Carrot rope, além do B side Harness your hopes, tudo isso presente em Cautionary tales. Uma história bem legal de ouvir, e de contar.
Nota: 10
Gravadora: Matador.
RESENHA: Chalk mistura punk e eletrônica com peso e melodia em Crystalpunk, indo do industrial ao pop e trocando o niilismo por autodescoberta e confronto.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: ALTER Music
Lançamento: 13 de março de 2026
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É quase impossível escutar um disco como o do Chalk e não lamentar que uma banda dessas não possa vender um milhão de cópias com seu álbum de estreia. Pensando bem, se estivéssemos em 1995 ou 1996, talvez tivéssemos que recorrer a uma loja de importados para ouvir Crystalpunk no volume máximo. No fim das contas, fala alto a disposição de Ross Cullen e Ben Goddard, os dois que comandam o Chalk, para lidar com sonoridades incômodas – sempre de olho numa linha do tempo da fusão entre punk e música eletrônica.
Antes de Crystalpunk, o Chalk (que vem da Irlanda do Norte) teve tempo de afiar as espadas com alguns EPs e singles, além de shows de abertura para bandas como Idles. Chegaram a Crystalpunk equilibrando sons que lembram um Marilyn Manson sem controvérsia e mais achegado ao industrial (Tongue), um Nine Inch Nails elegante e violento (Pain) e eletro-rocks de pista com argamassa pop e vibe hi-NRG (Can’t feel it, One-nine-eight-zero, Longer). E isso só na primeira metade do álbum, a mais acessível.
Tem algo no som deles que aponta tanto para Ministry quanto para Depeche Mode e Orbital (além do NIN), além da verve sensível herdada de David Bowie e de bandas como Placebo e Suede. Essa onda surge em Pain, cuja letra fala sobre um ser humano supostamente inquebrável, cuja relação com as mulheres se dá na base da dominação, e que percebe ter “ossos de tijolo”.
- Ouvimos: Mandy, Indiana – URGH
Surge também na negação e no preconceito enraizado de I can’t feel it: Ross Cullen canta a paixão por um amigo na juventude (“naqueles dias, nós compartilhamos um beijo só por diversão / nas sombras, ele guardava uma escuridão dentro de si”). Mas a paixão precisou ficar escondida: “ele me fez prometer: ‘é melhor você ficar de boca fechada’ (…) / nunca provei nada como você antes / mas eu não consigo mais sentir isso”.
O lado B de Crystalpunk é mais afiado ainda, apostando fichas num big beat que faz lembrar os áureos tempos do Prodigy, em Skem e nos oito minutos de Béal feirste, que vão crescendo no ouvido, e tratam, em meio a um breakbeat cheio de psicodelia, da identidade neerlandesa, católica, oprimida, escorraçada pelo Reino Unido. Além das sombras sonoras – e narradas – de Ache, no final do álbum.
Já I.D.C. (sigla para “I don’t care”) é o eletro-rock mais cantarolável da segunda metade do disco, e a letra é o mais gratiluz que uma banda afrontosa como o Chalk consegue ser (“eu não me importo com o que você diz, com o que você quer / eu não me importo, cara, eu tenho amor”). Em vez do no future punk, o Chalk prega em Crystalpunk uma revolta diferente, que passa pela autodescoberta e pela destruição de padrões.
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RESENHA: Em Com lágrimas nos olhos, Sara e Nina reinventam clássicos (Alcione, Fafá de Belém, Diana) com blues, bolero e pop, transformando dor de cotovelo em elegância e superação.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 13 de março de 2026
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Você imaginava que Nuvem de lágrimas, hit imortalizado por Chitãozinho e Xororó e Fafá de Belém (e da trilha da novela Barriga de aluguel, de 1990) pudesse virar um blues? E que Qualquer dia desses, sucesso de Alcione de 1983, poderia ganhar uma cara bem próxima do pop adulto oitentista, com baixo à frente, como se fosse uma música feita para Vinicius Cantuária ou Dalto cantarem?
Pois bem, Sara e Nina, dupla de drags cantoras, conseguiram fazer isso em seu terceiro álbum, Com lágrimas nos olhos – um disco em que a dor de cotovelo se transforma em superação, e arranjos outrora BEM extrovertidos ganham elegância e alguma contenção. Isso rola até mesmo quando a tarefa é transformar o rock-balada Porque brigamos (imortalizado por Diana nos anos 1970) em brega moderno com clima de cabaré e jeito de cumbia.
- Ouvimos: Getúlio Abelha – Autópsia+
Rola também quando Bilhete, de Ivan Lins e Victor Martins – e outra música do repertório de Fafá de Belém – ganha vocais tranquilos (um deles mais grave, outro mais agudo), além de ondas sonoras entre o country e a MPB dramática. Outras curiosidades são O que eu faço amanhã, mais uma de Alcione, numa onda bolero-pop, e Caminhos do sol, imortalizada por Zizi Possi (e regravada em 1994 pelo Yahoo para a trilha da novela A viagem) em clima Anavitória.
Sara e Nina (as personagens se chamam Sara Bellohombre e Nina Bemdeu, e são interpretadas, respectivamente, pelos atores e cantores Gabriel Sanches e Alessandro Brandão) já haviam relido músicas de cantoras da era do rádio em Minhas mulheres tristes – Uma ode furiosa ao samba-canção (2023). Dessa vez, a dor de cotovelo feminina ganha contornos pop sem deixar a pesquisa musical de lado, até porque Com lágrimas nos olhos encerra com duas músicas pouco conhecidas, que podem passar por inéditas pra muita gente.
Cilada, gravada originalmente por Martinha em 1988, e Velho papo da ilusão, que Jurema gravou em 1979, vão para dois lados diferentes dentro do disco. A primeira é uma valsa de piano e a segunda, um samba-soul-rock, composto por Dom Mita e Carlos Barbosa, e regravado numa onda que faz vir à mente outras músicas de Mita – um cara do movimento Black Rio, gravado tanto por Tim Maia quanto por Agepê em momentos diferentes de sua história. E nessa, o conceito do disco vai puxando outras histórias e outras “lágrimas” fora do pop mais comum.
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RESENHA: Fangus recria o acid rock setentista com fidelidade, ecoando os clássicos do gênero (além de bandas como Deep Purple) em um disco que soa como viagem no tempo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: From The Urn Records
Lançamento: 13 de março de 2026
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O Fangus faz um acid rock tão convincente que, num primeiro momento, você vai realmente achar que se trata de uma banda dos anos 1970. Apesar das comparações que andam fazendo por ai deles com Black Sabbath e até Led Zeppelin (oi?), essa banda canadense parece ter ouvido Não fale com paredes, o disco único da banda carioca Módulo 1000 (1972) do começo a fim – aí pensaram: “pô, quero fazer exatamente isso!”.
Isso porque Howling hammer, a faixa de abertura deste Emerald dream, álbum de estreia deles, é bem parecida com a faixa-título de Não fale com paredes. Com direito a uma sonoridade que parece ter sido tirada direto do vinil para o formato digital, como aqueles LPs que eram copiados direto para o digital e vendidos em CD-R (ou subidos no Rapidshare).
- Ouvimos: Bill Orcutt – Music in continuous motion
A faixa Pyre of love continua na mesma onda: vocal forte, órgão emulando Deep Purple, guitarras distorcidas, batida intermitente, vibe funkeada e uma noção quase progressiva do que é fazer rock pauleira, na escola de Uriah Heep, Status Quo, Hawkwind e tantos outros. Em Psychoid telepath, o órgão com pedaleira e um clima quase erudito, embora pesado, dão conta da abertura e da melodia – um sonho que vem direto da esquina entre o psicodélico e o progressivo, entre os anos 1960 e os 1970, com guitarras altamente sonhadoras.
Se o Fangus vai continuar com essa pureza sonora ou se vai preferir outras uniões musicais, só o futuro vai dizer. Uma certa selvageria pré-punk volta e meia chega perto do som deles em alguns trechos de músicas, mesmo nas mais próximas da mistura de pauleira e chamber rock – rola em Quest for fire, Shapeshifter e na faixa-título, um acid-blues cuja abertura tem um desconcertante solo clássico de órgão. Já em Time gambler, surgem as rodas da fortuna do dia a dia e a passagem do tempo, temas que são a cara de 2026. Mas Emerald dream é som pra atirar qualquer ouvinte numa realidade paralela.
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