Crítica
Ouvimos: Pavement, “Cautionary tales: Jukebox classiques”
- Cautionary tales: Jukebox classiques é o novo box retrospectivo do Pavement, com músicas dos lançamentos da banda em 7 polegadas, além de algumas outras coisas, como as versões alternativas das faixas Black out e Extradition, lançadas em 2006 para quem fez a pré-encomenda da nova versão do disco Wowee zowee (1995).
- A caixa já está disponível nas plataformas – mas em formato físico, Cautionary tales sai apenas no dia 12 de julho. O pacote inclui reproduções dos singles originais de 7″ e um livreto de 24 páginas.
Blur, Cate Le Bon, Parquet Courts, Nirvana, Weezer, Super Furry Animals, The Coral e até o R.E.M. Todas essas bandas/artistas, em algum momento da carreira, foram comparadíssimas a um verdadeiro gigante do indie rock, o Pavement. Ou se deixaram deliberadamente influenciar pela banda criada pelos guitarristas e vocalistas Stephen Malkmus e Scott Kannberg. Um grupo que, vindo da Califórnia, estava mais para projetinho lo-fi e barulhento vindo de Nova York ou de algum canto ensimesmado de Seattle, embora fizesse sentido no cenário de um estado norte-americano bastante diversificado.
No caso do Nirvana, passou para a história o quanto a música do Pavement inspirou a composição de In utero (1993), último álbum do trio liderado por Kurt Cobain. Dando uma ouvida nas primeiras faixas desse Cautionary tales: Jukebox classiques, caixa (por enquanto apenas virtual) reunindo todo o material de 7 polegadas lançado pelo grupo, fica evidente que sem o ruído berrado dos dois primeiros EPs do Pavement, Slay tracks: 1933 – 1969 (1989) e Demolition plot J-7 (1990), porradas do álbum do Nirvana como Scentless apprentice não teriam sido feitas.
As onze faixas desses dois EPs (incluindo pérolas como Box elder e You’re killing me!) perfazem a primeiríssima fase da carreira do Pavement, uma banda que, por ter vindo de uma cidade pequena na Califórnia (Stockton), parecia se sentir mais à vontade para zoar tudo o que via de longe, e ainda falar do dia a dia de seus conterrâneos nas letras. O próprio grupo não parecia perceber o quanto seu som, apesar de focar no ruído, era sociável – caíram até nas graças do DJ inglês John Peel, que descobriu a banda e passou a divulgá-la.
Slanted and enchanted, álbum de estreia (1992), provocou inveja em boa parte dos grandes nomes do rock da época, Kurt Cobain incluso: era porrada musical elaborada, com uma ou outra canção com tendência a grudar no ouvido – Summer babe, incluída no box, era desse disco, e Cautionary tales resgata também lados B como Baptist blackstick e raridades como Sue me Jack, rock suingado e elegante para os padrões do grupo na época.
De Crooked rain, crooked rain (1994, o segundo disco) em diante, o Pavement ficaria mais elegante, inclusive. Traria barulhos incluídos de modo dosado, em meio a canções mais formais, influenciadas por country, power pop, Beach Boys, Neil Young. A banda juvenil dos primeiros EPs estava se tornando um The Cure bem mais indie, um Television dos anos 1990 ou quem sabe um Grateful Dead da mesma década – misterioso, cultuado e com um séquito de fãs.
Essa história é contada por intermédio de músicas que fizeram o grupo ganhar um número bem grande de fãs no Brasil, como Cut your hair e a bela e quase radiofônica Gold soundz. Ou Range life, canção que, em sua letra, espalhava brasa para Smashing Pumpkins (“eles não têm nenhuma função, e eu não entendo uma palavra do que eles dizem”) e Stone Temple Pilots (“eles não merecem nada mais do que eu”). Billy Corgan, dos Pumpkins, agarrou ódio do Pavement por causa disso – já se recusou a dividir palco com eles em festivais.
Lados B dessa época, como a vinheta instrumental Kneeling bus, com bateria desencontrada e tom dado por riffs de guitarra e solos de piano elétrico, são as boas descobertas da caixa. Daí para diante, o Pavement já fazia parte do cenário indie oscilando entre canções contemplativas e melodias que sequestravam a atenção – além de letras que os fãs, antes de tudo, gostavam de discutir. I love Perth, referência à maior cidade da Austrália Ocidental, faz os fãs australianos da banda debaterem em fóruns na internet até hoje.
A referência irônica à psicodelia californiana de Gangsters and pranksters também despertou a atenção de muita gente. Unseen power of the picket fence, feita pela banda para aparecer na coletânea No alternative (1993), é cara de pau: a música pinta um retrato bem estranho do R.E.M., a ponto de muita gente se perguntar até hoje se ninguém da banda ficou ofendido ou grilado com versos como “o cantor tinha cabelo comprido/o baterista sabia como se restringir/o cara do baixo tinha os movimentos certos/o guitarrista não era nenhum santo”, em meio a referências a discos e músicas do quarteto (“Time after time era a música que eu tinha como menos favorita”, cantam).
O slacker rock (sinônimo de rock blasé e garageiro) do Pavement foi se tornando cada vez mais palatável e de longo alcance à medida que novos álbuns surgiam: o esquisito Wowee zowee (1995), o ultra-trabalhado Brighten the corners (1997) e finalmente o controverso Terror twilight (1999) – este, produzido por Nigel Godrich (Radiohead), que tentou colocar o espírito livre do Pavement numa redoma, embora a banda tenha soado fora de tempo e espaço como sempre, em Spit on a stranger e Carrot rope, além do B side Harness your hopes, tudo isso presente em Cautionary tales. Uma história bem legal de ouvir, e de contar.
Nota: 10
Gravadora: Matador.
RESENHA: Chococorn and The Sugarcanes faz em Todos os cães merecem o céu um emo que mistura lo-fi, eletrônico e pós-punk com memórias, traumas e melodias fortes.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: +Um Hits
Lançamento: 9 de março de 2026
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Tido como um expoente do “emo caipira” (eles vêm de Santa Bárbara d’Oeste, interior de São Paulo, e estão atualmente em turnê), o Chococorn and The Sugarcanes está mais para uma daquelas bandas que deixam todo mundo perguntando “que som é esse?”. E em especial, “que conceito é esse?”, já que tanto Siamês (2024) quanto o novo Todos os cães merecem o céu são baseados em polaroides da infância e da adolescência, em traumas que foram redescobertos depois de muita terapia, em zumbidos que se transformam em música, em lo-fi com cara de emo, e emo com misturas rítmicas.
- Conheça também: Jonabug, Guandu, akaStefani e Elvi, Pusher174 e Pobre Orfeu.
Não é uma receita criada pelo Chococorn – na verdade, é uma tendência que já vem do emo lá de fora (Turnstile incluído) e que no Brasil vem sendo traduzida para o idioma nacional por vários grupos, inclusive de gente que une emo, shogaze e pós-punk. Aqui, essa mistura parte do eletrônico e se cristaliza em emo e power pop (Língua dos cachorros, os disparos de beats de Entre algumas vias e outras vias ainda maiores), chega a criações próximas do maquinismo pós-punk (o baixo dedilhado e melódico de A vida de Messi) e ao som bordado e bem criado de Palavra de amigo, com cordas e guitarra dedilhada.
Essa onda também chega à fanfarra de 30 dias de Carnaval, com metais e percussão de samba, e ao beat quase drum’n bass de Seja gentil – que vai ganhando uma cadência de marcha, de guerra. Do começo ao fim, dá para perceber que o compromisso do Chococorn and The Sugarcanes é com a melodia, com a composição de músicas bonitas, mas também rola compromisso com a intensidade no arranjo, e com a mistura de emoções, em todos os detalhes, e nas imagens escolhidas.
É o que acontece na letra de Agito e propaganda, som mais ágil do álbum, que faz uma espécie de inventário de graças e desgraças da vida. Já Fogo na Chácara Klabin lembra de incêndios que ainda queimam por dentro. E a tristonha Água até o teto fala daquilo que Belchior poetizava como “a força fez comigo o mal que a força sempre faz”, mas recorre a uma onda enorme, e a uma água que bate na testa. Som e poética que convidam a mergulhar fundo.
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RESENHA: Anna Calvi reúne convidados de peso em EP intenso sobre maternidade e solidão, com clima teatral, existencial e quase cinematográfico.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Domino Recording Co
Lançamento: 20 de março de 2026
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Anna Calvi conseguiu fazer de Is this all there is?, um EPzinho de quatro faixas, uma das coisas mais legais lançadas nos três primeiros meses de 2026. Não apenas pelo ótimo gosto na escolha de letras, melodias, arranjos e conceito, como também pelos convidados. Para começar, Iggy Pop, Perfume Genius, Matt Berninger (The National) e Laurie Anderson não são apenas feats comuns – são artistas que entram em comunhão com a anfitriã.
Já deu para sentir essa comunhão no clipe de God’s lonely man, música dividida por ela com Iggy Pop. O vídeo dirigido por Luigi Calabrese e Dominic Easter traz os dois numa performance teatral e intensa. A faixa, composta apenas por Anna – mas creditada a ela e a “The Earth”, porque uma parte dos royalties vai para a organização ativista EarthPercent, criada por Brian Eno – tem até bem mais do estilo de Iggy do que do dela (claro que Anna deve muito à onda de crueza art rock que vem de Iggy Pop e até do Velvet Underground, mas parece ser uma faixa própria para a voz do stooge).
Is this all there is?, segundo Anna, é o primeiro volume de uma trilogia de discos que falam da vida como algo inquieto, que sempre muda. No caso do EP novo, ele foi bastante inspirado na experiência da maternidade, e que perguntas do tipo “como resgatar a intimidade? e “o que significa se sentir verdadeiramente desperto?” estão nas quatro faixas. A faixa-título – uma canção épica dividida com Matt Berninger – tem até muito do Morrissey da época dos Smiths, em versos como “deus, eu quero ir para casa / mas também quero ficar lá fora / é uma coisa infernal / sem sonhos, mergulhado no desejo / então eu espero perto do telefone / tocando no corredor / e escrevo com giz / em uma parede de esqueletos”. Uma filosofia existencial reconhecível para fãs de art rock.
O material mais antigo do EP é I see a darkness, original de Bonnie “Prince” Billy, gravado por ela com Perfume Genius no ano passado – uma música elegante e com ótimos vocais dos dois. Já Computer love, versão do Kraftwerk feita por ela e por Laurie Anderson, revela que o grande tema do EP é a solidão existencial – o velho clássico do amor mediado pelo computador (feito bem antes da internet e das redes sociais!) se transforma num ambient fantasmagórico e psicodélico narrado por Laurie.
Ao que parece, ter feito trilhas para séries como Peaky blinders também mexeu com a cabeça de Anna: Is this all there is? tem clima de música feita para ser assistida, e não apenas ouvida. Tanto que criar (muitas) imagens na mente enquanto o disco rola.
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RESENHA: Verttigo mistura pós-punk, dream pop e tons góticos em Tomorrow is gone, com peso, melodia e ecos oitentistas que vão do dark ao etéreo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 8 de março de 2026
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Autodefinido como banda de shoegaze e new wave, o grupo canadense Verttigo na real tem mais emanações de pós-punk, sons góticos e até de metal melódico – volta e meia um ou outro som metálico entra na receita das músicas de Tomorrow is gone, seja por causa dos vocais ou do clima geral da faixas, A faixa-título é uma das que seguem essa vibe sombria, assim como Atumn drems, enquanto The watcher consegue parece uma música solar e gótica, simultaneamente. Nessa, tem algo até de ABBA nas linhas vocais.
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Merecendo mais a denominação dream pop pelos climas sonhadores – que dão as caras até nos momentos mais sombrios – Tomorrow is gone vai mais para perto do pós-punk oitentista em músicas como Snow angels, Light bearer (de quase sete minutos) e The dagger (com guitarras a la The Edge e cadência unindo Gang Of Four e New Order). Blue moon tem guitarras em clima etéreo e algo que parece juntar The Sound, Joy Division e Cocteau Twins.
Nessa variedade, o Verttigo encerra o álbum com duas faixas que fazem uma curiosa mescla de eletrônica oitentista, música sombria e pop dos anos 1960 – em Valley of the shadows, que soa como uma canção das Shirelles relida em tom dark, e na beleza pós-punk e clássica de Night life. Um som com peso e intensidade, mas não exatamente ruidoso e emparedado.
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