Crítica
Ouvimos: Charli XCX, “Brat”
- Brat, que a essa altura dispensa maiores explicações (visto que até marcas conhecidas adotaram o visual da capa do álbum) é o sexto disco da cantora britânica Charli XCX. É o primeiro lançamento após a renegociação do contrato dela com a Atlantic Records.
- A cantora explicou que se trata de seu disco “mais agressivo e cheio de conflitos” – o que dá para perceber, de verdade, pelas letras. O clipe da faixa 360 traz participações de várias it girls (lançadoras de tendências) como Chloë Sevigny e Julia Fox.
- Charli é tida como a rainha de um gênero do pop chamado hyperpop – definido como um metapop, repleto de informação e autorreferências, e que mira tanto a vanguarda quanto as paradas de sucesso. De modo geral, o estilo de XCX é definido como sendo algo mais experimental e menos afoito em relação ao mainstream.
Se você estranhou que, há algumas semanas, várias contas de redes sociais tenham se vestido de Brat (adotando a mesma fonte de letras simplificadíssima e a cor verde), vale dizer que faz sentido tanta adesão ao disco de Charli XCX. Uma adesão que, por sinal, faz lembrar quando rolou um meme com a capa de The next day, álbum de 2013 de David Bowie (um buraco branco na capa do disco Heroes, lembra?). Muito embora o álbum de Bowie faça parte da classe operária do pop se comparado ao novo lançamento da britânica.
Não que Brat seja o disco mais maravilhoso do ano, ou um álbum pop tão redefinidor quanto já foram os discos de Madonna, por exemplo. Mas vale lembrar que não se faz música pop (nenhuma música pop) sem uma boa dose de futurismo, e de visão sobre o que deverá estar acontecendo lááá na frente – ou pelo menos do que você julga que deveria estar acontecendo, mesmo que pareça uma afronta daquelas.
Essa noção pop foi algo estabelecido pelo próprio Bowie, por sinal. E na linha do tempo de Charli XCX, o pop é direto, provocativo, noturno, ensimesmado e expansivo simultaneamente, enamorado do mainstream sem estar desesperado por ele. Principalmente, parece que a visão de marketing envolvida no lançamento (e que deu super certo) parece ter vindo da própria Charli, e não dos comportamentos geralmente engessados das gravadoras – este artigo, em inglês, nota bem isso.
Em Brat, Charli explora uma fonte inesgotável de assuntos para falar: ela própria, com suas inseguranças, suas memórias musicais, suas dúvidas e certezas. E seus relatos sobre a turma com a qual quer falar: a turma da noite, as garotas que muita gente considera como “más” – e pessoas que, em geral, não querem fazer parte de padrão algum. O som cai dentro das recordações da dance music dos anos 1990/2000, com batidas típicas dos discos saudosos do auge da house, e tudo equilibra a musicalidade de discos anteriores. Se você achava que os álbuns de Charli tinham momentos de chatice e pura pentelhação, em que ninguém parecia saber o que estava fazendo, em Brat tem bem pouco disso.
O momento mais romântico do disco é uma canção de amor e amizade – So I é um tributo à DJ e produtora inglesa Sophie, parceira de Charli, morta em 2021 (“quando eu faço músicas, lembro das coisas que você sugeria/’acelere mais’/será que você gostaria dessa música?”). 360 cai dentro do universo das influenciadoras digitais e oferece a despojada Charli como um universo novo e paralelo. A balada I might say something stupid vai no esquema oposto, com a cantora misturando mito e realidade (a girl party que não sabe se consegue desempenhar o papel comum, ou garantir aceitação a todo momento).
Já Von Dutch brinca com o lado cult e art pop de Charli. Girl so confusing fala sobre uma amizade enrolada de Charli com alguma outra estrela pop, e divide vulnerabilidades da artista com seu público. O batidão Club classics investe no lado clubber da cantora, enturmada com criadores do autorrefencial hyperpop (Sophie é novamente citada na letra, inclusive).
Rewind, por sua vez, traz de volta a Charli que queimava CDs com suas músicas preferidas e “não ficava analisando demais o formato do meu rosto”. Um discurso compreensível para quem vive o bombardeio proporcionado pelas redes sociais e o excesso de informação das plataformas de música. Uma verdade pop contada como se fosse uma história comum – o que quase sempre é um gol musical.
O conceito de Brat é o da pura molecagem, das máscaras da fama e da vida noturna, da vontade de ficar chapada (a dançante e pesada 365 encerra o disco com versos como “devemos tomar ketamina/ou cheirar uma carreirinha?”). Mas tudo rola com a vida em perspectiva, com o personagem analisado de longe, como num fluxo de consciência pop. E como num bom disco pop, tem verdade ali. Ou pelo menos dá pra dizer que Brat foi montado para parecer ter muita verdade. Já é coisa pra caramba, ainda mais acompanhado de beats que funcionam e que, na maior parte do tempo, quase todo mundo vai querer ouvir de novo.
Nota: 8,5
Gravadora: Atlantic.
RESENHA: Duca Leindecker mistura folk, MPB e britpop em Tudo que se tem, disco emocional e elegante, que escolhe a felicidade apesar do caos do mundo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Ternário Records
Lançamento: 7 de outubro de 2025
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Cantor e compositor gaúcho, revelado na banda Cidadão Quem, Duca Leindecker faz de Tudo que se tem, seu novo álbum solo, um enorme inventário emocional – e faz isso sem recorrer a hits antigos regravados. A capa traz o cantor num ferro-velho em que lembranças de sua história surgem aqui e ali, espalhadas no meio das velharias, como a indicar que muita coisa deixada para trás vale ouro. Gravado num período em que ele viveu nos Estados Unidos (e mixado já de volta ao Brasil), o disco investe num clima folk-MPB, que às vezes chega perto do som dos Smiths, ou até da obsessão beatle de Fito Páez – tudo isso reside no álbum.
Tudo que se tem investe num som que não precisa nem de tempo nem de espaço – dá para incluir o álbum de Duca numa onda sonora entre o folk e até o britpop, até porque Duca usa bastante a estileira do rock britânico, de falar de sentimentos criando personagens ou contando histórias do dia a dia. Rola em Chão, canção indie e MPBística batida no violão; na faixa-título, balada que fala em “todos os dias ter um motivo a mais pra poder amar alguém”, e no quase-samba amoroso Vai e vem. São faixas que se inserem no lado mais tranquilo do disco, assim como a proposta de felicidade de Nas ondas do tempo, com leves evocações do Supertramp, e da meditação de De volta pra casa.
Tem também muita intranquilidade em Tudo que se tem, como na balada Assombração (que parece falar de um certo ex-presidente inominável) e na onda meio Pulp de Página um, que conta uma história da humanidade pelo viés do caos, do capitalismo, das revoluções – com direito a um dedilhado que faz lembrar New Order. Calmo, com lembranças de Paralamas do Sucesso, é um pop-rock elegante que evoca os anos 1980, e que fala em ir contra a corrente, “sem a histeria do efeito manada”. Em Fogo, uma espécie de folk-samba visual e romântico, Duca divide vocais com o filho Guilherme, que toca baixo. Tudo que se tem é um dos discos nacionais mais felizes lançados nos últimos tempos – uma felicidade por opção, apesar do caos lá fora.
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RESENHA: Psicodelia, prog e tretas online: no novo do The Claypool-Lennon Delirium, Sean Lennon transforma polêmicas e herança familiar em combustível para um disco viajante.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Parrot-Ox Productions / ATO records
Lançamento: 1 de maio de 2026
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Sean Lennon é um sujeito controverso – só que, como o pai, ele sabe que controvérsia vende, chama atenção e cria demanda. Problema: passar tempo demais nas redes sociais torna você mais conhecido pelas discussões que protagoniza do que pela música que produz, e em especial, faz com que muitas vezes você não pense direito antes de postar e embarque na primeira controvérsia que vê pela frente.
Vai daí que muita gente passou a olhar de soslaio para o filho de John Lennon e Yoko Ono – um cara que já falou mal de quem defende o indefensável, mas que já foi visto como “anti-woke” por uma turminha animada e safada. Em The great parrot-ox and the golden egg of empathy, o extenso disco novo do The Claypool-Lennon Delirium (projeto que ele divide com o baixista e fundador do Primus, Les Claypool), a doideira musical e lírica é dividida com supostos comentários sobre a “vida internáutica” de Sean.
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Tipo em Troll bait, psicodelia sombria com ótimas guitarras, em que a letra diz coisas como “cuidado para não tropeçar no seu orgulho / analise o que o pai disse / ele está se engasgando com o próprio intelecto de novo / ele está se engasgando com o próprio intelecto / com dialeto binário”. A misteriosa Simplest of deeds, que lembra uma mescla de Primus e Syd Barrett, fala sobre a necessidade de ter um amigo do lado, e sobre como o blá-blá-blá diário confunde mentes: “falar é fácil / e falar raramente se traduz em ações / para ajudar a consertar as coisas, aliviar nosso sofrimento”.
Se isso aí é Sean falando sobre o que é às vezes cair em contradição, ou ser simplesmente mal-interpretado (well…), só ele pode dizer. Mas a meia faixa-título The golden egg of empathy surge como um belo testemunho de como é receber desprezo ou ódio puro só por você ser um ilustre nepobaby: “quando seu pai é rico / o mundo logo te considera um tolo (…) / toda essa tecnologia que você segura em suas mãos / é insignificante, desprovida de amor”, canta com a convidada Willow Smith, amicíssima de Sean, e também filha de celebridades.
Tem mais: a psicodelia infantil de The wake up call – adornada com uma cítara que lembra Love you too, dos Beatles – fala de problemas mais gerais e menos irônicos: no caso, o pai que detesta que o filho seja pintor e se preocupa que ele não seja “normal” (“você cheira a terebintina / seu quarto está uma bagunça / seus olhos estão na tela quando deveriam estar na bola / eu te amo, meu filho / mas você precisa acordar para a realidade”). Uma (vá lá) empatia que cheira mais a Roger Waters e a Pete Townshend do que a Frank Zappa – embora o criador do Mothers Of Invention meio que paire sobre The great parrot-ox, da mesma forma que o Lennon mais ilustre.
Em termos de som, é suave “imaginar” a música do The Claypool-Lennon Delirium sem nunca tê-la ouvido: deum lado slaps e solos de baixo de arrepiar (Claypool), do outro lado, vocais do fundo da alma e melodias irônicas (Sean). Há sons quase progressivos (Meat machines), progs espaciais (Heart of chrome, os treze minutos de It’s a wrap) e evocações até de Jeff Beck (no suíngue de The golden egg of empathy), além de pelo menos uma música análoga ao math rock (Cliptron scuttle).
Aliás, há em The great parrot-ox mil lembranças de bandas dos anos 1960 / 1970 bem interessantes: Moody Blues, King Crimson, Hawkwind, Hollies (o tremolo vocal de Heart of chrome). Todo um universo bastante linkado ao pai de Sean e ao prog pedra-lascada do Primus, e uma psicodelia bem mais real e terrestre. Pode ouvir sem esperar levar os sustos que você já levou com os posts de Sean.
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RESENHA: Entre incêndios, reconstrução e MPB roqueira, Flavio Vasconcelos transforma vivências do sítio Jatobá Peri em disco belo e afetivo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: YB Music
Lançamento: 10 de abril de 2026
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A história de Jatobá peri, quinto disco do cantor e compositor Flavio Vasconcelos, é absolutamente pessoal e afetiva: fala do sítio onde ele vive há cinco anos (cujo nome é Jatobá Peri), e conta causos do dia a dia por lá. Inclusive fala de uma história particularmente dramática na faixa-título: em 2023, um incêndio de grandes proporções se espalhou a partir de uma propriedade vizinha e atingiu o sítio, destruindo grande parte das árvores que o artista havia plantado – Flávio acabou tendo que ser hospitalizado, já que, na tentativa de conter as chamas, ele aspirou muita fumaça.
Jatobá peri, a música, é um dos mais belos e poéticos momentos do disco, falando de incêndio e reconstrução. Com participação de Ceumar, a faixa parte de uma cadência de baião no violão, e vai ganhando arranjos de cordas, num som belo, denso e orquestral. A MPB de Flavio parece não se contentar com o tropicalismo: Abro os olhos tem muito de Gilberto Gil nas linhas vocais, com metais que se erguem como numa música de Rogério Duprat – mas segue por um clima orquestral até mais próximo do som de Dori Caymmi, e ganha uma face roqueira até reta, pós-punk. Há um clima de surf music ou de faroeste nas guitarras de Mana, e uma onda que oscila entre o indie rock, Beatles e o Beto Guedes dos anos 1970 em Madeleine.
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Por dentro do clima brasileiríssimo do álbum, aliás, vêm mais emanações roqueiras, como o clima meio Odair José, meio britpop de Você vai ser feliz, e a vibe meio indie rock, meio Clube da Esquina de O mar estava em todos os meus amores – além do folk tranquilo, lembrando Paul Simon, de Across the sun. Romulo Fróes, que fez a direção artística do álbum, surge em Tarde, canção abolerada e orquestral, cheia de imagens amorosas na letra. Poema cíclico soa como um folk-de-câmera-na-mão, com algo de Gilberto Gil no violão e de Jards Macalé nas linhas vocais.
Uma curiosidade em Jatobá peri é a vibe misteriosa de Poesia mínima. Um rock marcial, misterioso, próximo do krautrock, e que chega a lembrar trechos das Gymnopédies, do francês Erik Satie. Na letra, Flavio fala de uma pessoa que “pintou estrelas no muro / e teve o céu ao alcance das mãos” – são os versos justamente da curtíssima Poesia mínima, da poetisa paranaense Helena Kolody (1912-2004), que ganha crédito de parceira na faixa. Uma canção de quatro minutos, bela, com repetições que poderiam se estender até por mais tempo, ligadas à tranquilidade de Jatobá peri.
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