Crítica
Ouvimos: Charli XCX, “Brat”
- Brat, que a essa altura dispensa maiores explicações (visto que até marcas conhecidas adotaram o visual da capa do álbum) é o sexto disco da cantora britânica Charli XCX. É o primeiro lançamento após a renegociação do contrato dela com a Atlantic Records.
- A cantora explicou que se trata de seu disco “mais agressivo e cheio de conflitos” – o que dá para perceber, de verdade, pelas letras. O clipe da faixa 360 traz participações de várias it girls (lançadoras de tendências) como Chloë Sevigny e Julia Fox.
- Charli é tida como a rainha de um gênero do pop chamado hyperpop – definido como um metapop, repleto de informação e autorreferências, e que mira tanto a vanguarda quanto as paradas de sucesso. De modo geral, o estilo de XCX é definido como sendo algo mais experimental e menos afoito em relação ao mainstream.
Se você estranhou que, há algumas semanas, várias contas de redes sociais tenham se vestido de Brat (adotando a mesma fonte de letras simplificadíssima e a cor verde), vale dizer que faz sentido tanta adesão ao disco de Charli XCX. Uma adesão que, por sinal, faz lembrar quando rolou um meme com a capa de The next day, álbum de 2013 de David Bowie (um buraco branco na capa do disco Heroes, lembra?). Muito embora o álbum de Bowie faça parte da classe operária do pop se comparado ao novo lançamento da britânica.
Não que Brat seja o disco mais maravilhoso do ano, ou um álbum pop tão redefinidor quanto já foram os discos de Madonna, por exemplo. Mas vale lembrar que não se faz música pop (nenhuma música pop) sem uma boa dose de futurismo, e de visão sobre o que deverá estar acontecendo lááá na frente – ou pelo menos do que você julga que deveria estar acontecendo, mesmo que pareça uma afronta daquelas.
Essa noção pop foi algo estabelecido pelo próprio Bowie, por sinal. E na linha do tempo de Charli XCX, o pop é direto, provocativo, noturno, ensimesmado e expansivo simultaneamente, enamorado do mainstream sem estar desesperado por ele. Principalmente, parece que a visão de marketing envolvida no lançamento (e que deu super certo) parece ter vindo da própria Charli, e não dos comportamentos geralmente engessados das gravadoras – este artigo, em inglês, nota bem isso.
Em Brat, Charli explora uma fonte inesgotável de assuntos para falar: ela própria, com suas inseguranças, suas memórias musicais, suas dúvidas e certezas. E seus relatos sobre a turma com a qual quer falar: a turma da noite, as garotas que muita gente considera como “más” – e pessoas que, em geral, não querem fazer parte de padrão algum. O som cai dentro das recordações da dance music dos anos 1990/2000, com batidas típicas dos discos saudosos do auge da house, e tudo equilibra a musicalidade de discos anteriores. Se você achava que os álbuns de Charli tinham momentos de chatice e pura pentelhação, em que ninguém parecia saber o que estava fazendo, em Brat tem bem pouco disso.
O momento mais romântico do disco é uma canção de amor e amizade – So I é um tributo à DJ e produtora inglesa Sophie, parceira de Charli, morta em 2021 (“quando eu faço músicas, lembro das coisas que você sugeria/’acelere mais’/será que você gostaria dessa música?”). 360 cai dentro do universo das influenciadoras digitais e oferece a despojada Charli como um universo novo e paralelo. A balada I might say something stupid vai no esquema oposto, com a cantora misturando mito e realidade (a girl party que não sabe se consegue desempenhar o papel comum, ou garantir aceitação a todo momento).
Já Von Dutch brinca com o lado cult e art pop de Charli. Girl so confusing fala sobre uma amizade enrolada de Charli com alguma outra estrela pop, e divide vulnerabilidades da artista com seu público. O batidão Club classics investe no lado clubber da cantora, enturmada com criadores do autorrefencial hyperpop (Sophie é novamente citada na letra, inclusive).
Rewind, por sua vez, traz de volta a Charli que queimava CDs com suas músicas preferidas e “não ficava analisando demais o formato do meu rosto”. Um discurso compreensível para quem vive o bombardeio proporcionado pelas redes sociais e o excesso de informação das plataformas de música. Uma verdade pop contada como se fosse uma história comum – o que quase sempre é um gol musical.
O conceito de Brat é o da pura molecagem, das máscaras da fama e da vida noturna, da vontade de ficar chapada (a dançante e pesada 365 encerra o disco com versos como “devemos tomar ketamina/ou cheirar uma carreirinha?”). Mas tudo rola com a vida em perspectiva, com o personagem analisado de longe, como num fluxo de consciência pop. E como num bom disco pop, tem verdade ali. Ou pelo menos dá pra dizer que Brat foi montado para parecer ter muita verdade. Já é coisa pra caramba, ainda mais acompanhado de beats que funcionam e que, na maior parte do tempo, quase todo mundo vai querer ouvir de novo.
Nota: 8,5
Gravadora: Atlantic.
RESENHA: Shine, de Tobias Jesso Jr., traz piano e canções delicadas, mas soa raso e inacabado: belas ideias que lembram demos e ficam aquém da força de Goon.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 6
Gravadora: R&R
Lançamento: 21 de novembro de 2025
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Num papo com a Vulture, Tobias Jesso Jr lembrou a época de Goon (2015), seu primeiro disco solo. Um álbum surgido após vários atropelos (um deles literal: foi arrebatado por um Cadillac em Los Angeles e ainda teve a bicicleta roubada no acidente). Pouco antes, ele havia se desiludido com seu trabalho como compositor, sua namorada o havia abandonado e sua mãe tinha recebido o diagnóstico de câncer.
Apesar disso, ele afirmou no tal papo que a sonoridade tristonha do disco, que o levou a ser comparado com Emitt Rhodes e Harry Nilsson, veio da necessidade de auto-afirmação profissional. “Eu estava num estado de espírito em que pensava: ‘Compor músicas não é sobre fazer sucesso em Los Angeles. É sobre quem eu quero ser quando adulto’”, afirmou. Curiosamente, nos últimos anos, seu trabalho acabou ficando mais próximo do tal sucesso em LA, com músicas feitas para Rosalía, Adele, Sia, Justin Bieber, Miley Cyrus, Dua Lipa e outros.
- Ouvimos: This Is Lorelei – Holo boy
Tobias tem lá seu lado excêntrico e bem humorado – no mesmo papo com a Vulture, confessou que havia gravado um Goon 2 junto com seu ex-jardineiro, a quem havia demitido, apesar dele ser um amigo próximo, e apesar do disco em parceria. Esse disco não viu a luz do dia até agora, mas em compensação 2025 viu nascer Shine, segundo álbum de Tobias, e basicamente um disco de piano, voz e ambiência.
Na real, Shine é basicamente um disco de exercícios de canção pop, sem a mesma profundidade de Goon, e com músicas que, às vezes, parecem mais com demos que valeram como disco. As músicas são “liiiindas” mas sempre parece faltar algo, até mesmo em sons hipnotizantes como Waiting around (canção de fim de namoro que mais parece tema de filme da Sessão da Tarde) e Bridges, canção envolta em nuvens, e com letra melancólica-àààà-beça (“vejo as pontes que queimei / não me conheço mais”).
De legal, tem Black magic, valorizada por efeitos especiais que acompanham a pegada forte no piano. De sub aproveitado, tem Green eyes – balada triste de piano, que soa meio ingênua, em letra e música – e o jazzinho pop e sonolento de Everything may soon be gone. A linda I love you, com piano pescado como em Imagine, de John Lennon, ganha uma batida tensa e estranha, que chega a lembrar o som de tiros – acaba estragando o que poderia ser um bom momento.
O final, com a cantiga Lullaby, impressiona justamente pelo bom aproveitamento: som de demo, piano delicado e ruídos ao fundo, como se todo o estúdio respirasse. Shine, mesmo tendo momentos interessantes, soa como se Tobias resolvesse jogar o manual de Goon no lixo, mas sem saber o que colocar no lugar.
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RESENHA: Charm School lança o EP Schadenfreude ploy: pós-punk ruidoso e político, entre Swans e Killing Joke, com sax, guitarras sujas e letras de ataque.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Surprise Mind
Lançamento: 20 de fevereiro de 2026
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A “escola de charme” do nome dessa banda do Kentucky… Bom, só se for o charme pós-punk, da experimentação sonora lembrando Swans, Killing Joke e Wire, e o prazer do dedo na cara. Após estrear com Debt forever, primeiro álbum, no ano passado, o Charm School volta com o EP Schadenfreude ploy. Andrew Sellers e seus amigos voltam inspirados mais uma vez pelo barulho norte-americano, por no wave e pelas bandas mais sujas do pós-punk – e pela noção de que o capitalismo e a escalada do fascismo estão ferrando cada vez mais o universo.
- Ouvimos: Accelera Deck – Gargoyle lips
Com quatro faixas que continuam o disco anterior, Schadenfreude ploy soa como uma homenagem sonora ao underground norte-americano dos anos 1990, no pós-punk experimental (com riffs de guitarra e saxofone) da faixa-título, na violência sonora e lírica de Scene queen e na onda Killing Joke + Joy Division de Disgrace. A curiosidade aqui é Prime mover unmoved, que começa como uma valsa pós-punk torta, baseada em ruídos de guitarra, e ganha peso e brutalidade no susto – e tem uma letra romântica (!), mas do jeito da banda: “Você é cada detalhe / você é cada anel de diamante / você é cada quarto silencioso / você é cada lua brilhante (…) / você é a dívida de cada jogador / você é o braço de cada viciado / você é cada terreno baldio / você é cada segundo pensamento”.
Em outras letras de Schadenfreude ploy, por acaso, Andrew decidiu partir pro ataque: a faixa-título fala em “pagar pra jogar” (ou para “tocar”) e soa como o outro lado da moeda de Ace of spades, do Motörhead, só que atualizado pra os tempos de bets – ou quem sabe um urro contra as sacanagens dos aplicativos de música. Scene queen é dedicada a alguém que Andrew quer ver pelas costas, e que fica “agindo como pobre quando todos sabemos que você é rica”.
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RESENHA: EP Big mama, de Flying Lotus, mistura música e cinema em 13 minutos de eletrônica caótica, fragmentada e imprevisível, com clima de HQ, videogame e ficção científica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Brainfeeder
Lançamento: 6 de março de 2026
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Parecia que Steven Ellison, o DJ, produtor e músico conhecido pelo nome de Flying Lotus, estava mais interessado em cinema do que em música – ainda que ele mesmo tenha feito a trilha sonora de Ash, seu filme de ficção científica lançado no ano passado.
De certa forma, a coisa se inverte agora: Big mama é um EP que surgiu acompanhado de um curta, e que une outras linguagens. Flying Lotus convidou Christopher Ian Macfarlane para fazer a capa psicodélica do EP, e parece aproximar Big mama de um universo que inclui desenhos animados de monstros, HQs espaciais, videogames e filmes pra lá de esquisitos – tudo isso dando as caras nos treze minutos do disco.
Big mama, aliás, pode ser ouvido de duas formas: nas plataformas digitais, as faixas estão separadas, e depois há um “bônus” (esse tipo de coisa na era dos aplicativos de música é até meio estranha, mas…) com todas as músicas interligadas. Algo que talvez venha do processo de composição do disco: FL passou alguns meses compondo músicas de 10 a 15 segundos para o EP, e depois isso tudo foi unificado.
Um outro detalhe é que Steven / Flying queria que o disco não se parecesse com uma criação de IA, e que as criações eletrônicas de Big mama parecessem humanas (no release, aliás, ele soltou frases bem interessantes: “eu queria que a sensação fosse como ser disparado de um canhão, pura energia explosiva e imprevisível. Como um computador que deu errado. Como uma máquina que simplesmente perdeu a cabeça…”).
- Ouvimos: Accelera Deck – Gargoyle lips
E aí que Big mama é exatamente isso aí: parece que a chefia do maquinário se mandou e cada peça funciona como quer – parece também com a substituição da IA pela Máquina Talvez do Professor Pardal. Julgando pela faixa-título, que abre o disco, vem eletrônica selvagem da grossa. Até que vem Captain Kernel e une viagens de teclados, sons quase hi-NRG e solinhos que lembram jazz fusion. Antelope Onigiri tem vários sons entrecortados em meio a uma viagem acid-bass, além de ruídos que parecem um animal bocejando e levantando.
Continuando, In the forest – Day vai do som de videogame, com rapidez e musicalidade, a uma beleza quase ambient. E climas entre o jazz e a fantasmagoria dominam as faixas finais, Brobobasher, Horse nuke e Pink dream – essa última lembrando às vezes um tema de telejornal. Essa tensão musical, de nunca saber o que está para acontecer, é o melhor de Big mama. Só que justamente por causa disso, ele se torna uma experiência que vai além até da própria psicodelia (aliás “psicodelia” chega a ser um modo bem rasteiro de definir o disco).
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