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Cultura Pop

Oito detalhes sobre o Golden Bomber

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Golden Bomber

Lançando um single chamado Deatte 8-byo (Encontro de oito segundos), a banda japonesa Golden Bomber decidiu fazer um show… de oito segundos. No dia 29 de junho, em Tóquio, os fãs do grupo viram os rapazes correrem para os instrumentos e tocarem durante esse tempo. Cronometrado num relógio enorme atrás deles. Olha aí, ó.

https://www.youtube.com/watch?v=uWYPkkMREEE

Se você NUNCA ouviu falar do grupo, não se preocupe. Eles ainda não viraram mania por aqui. Embora haja um culto silencioso a eles. Mas caso eles se tornem a próxima paixão da sua irmã/filha/sobrinha/neta, vão aí oito historinhas sobre eles. Leia para você pode ter assunto com as crianças e adolescentes da sua família daqui a alguns meses.

TOCA AÍ. No Domingão do Faustão, eles levariam uma bela escovada do apresentador, que acredita que “quem sabe faz ao vivo!”. O único integrante da banda que realmente toca instrumentos é o vocalista Sh? Kiry?in. Ele também compõe e andou escrevendo músicas para outros artistas. O trabalho de Yutaka Kyan (guitarra), Jun Utahiroba (baixo) e Kenji Darvish (bateria) é feito por músicos de estúdio – algo que é admitido pelos próprios rapazes). E a banda apenas finge que toca. Eles se consideram uma “air band” (sim, no estilo dos concursos de air guitar) e um grupo de “visual rock”.

ALIÁS E A PROPÓSITO, o grupo foi fundado por Shõ e Yutaka. Diz a lenda que, ao ouvir o amigo tocar guitarra pela primeira vez, Shõ achou tudo muito ruim. Mas decidiu mantê-lo na banda e transformar o GB numa air band.

NUNCA OUVI FALAR DESSES CARAS E ME ORGULHO DISSO. Então se prepara para a verdade: isso diz mais a respeito de você do que deles. O Golden Bomber já existe há doze (!) anos e seus integrantes já estão encostando nos 40 anos. O baterista Kenji, mais velho da formação atual (entrou em 2009) nasceu em 1980. No Brasil ainda não é uma moda que pegou. Mas de treze anos para cá, já foram onze discos e inúmeros singles. A popularidade deles é tanta que os fãs esperaram até SEIS horas pelo tal show de oito segundos.

QUE VISU, HEIN? O Golden Bomber é uma banda de visual kei. É um movimento de grupos japoneses que usam maquiagens artísticas e penteados extravagantes, com cores diferentes de cabelo. Tem quem veja nisso um movimento musical, porque essas bandas têm lá suas relações com heavy metal, hard rock, glam rock etc. E vale dizer que não é novidade. As bandas de heavy metal japonesas dos anos 1980 já eram parte disso aí. Olha só o grupo X Japan em 1992.

QUATRO ANOS. Foi o tempo que o Golden Bomber demorou para lançar o primeiro single. Dakishimete shwarz saiu em primeiro de maio de 2008. Olha aí a banda tocando a música ao vivo.

https://www.youtube.com/watch?v=F4denYEXokY

COMÉDIA. Os clipes do Golden Bomber têm dancinhas legais e descontraídas. E alguns deles são paródias ou da cultura japonesa, ou de outros artistas. No clipe do hit Dance my generation, de 2013, a turma toda aparece de ternos coloridos fora de moda, com ombreiras, num visual meio anos 1980. O clipe ficou bastante popular e há uma versão para o game JustDance, da Ubisoft. Já no vídeo de Yokubo no uta (2016), eles fizeram uma homenagem a uma banda clássica de visual kei, Malice Mizer. O clipe é cheio de referências ao vídeo de Bel Air, do grupo veterano. E uma das grandes referências do Golden Bomber é a banda de heavy metal japonesa Dir En Grey, que existe há vinte anos. Também no clipe de Yokubo no uta, Sho aparece com o mesmo visual usado por eles na fase clássica, tanto no cabelo quanto na maquiagem.

Em 2011, numa entrevista ao site JaMe World, de cultura japonesa, Utahiroba foi perguntado sobre o que recomendaria para quem nunca ouviu o Golden Bomber. Respondeu: “Seria melhor se essas pessoas tivessem começado por ouvir algo como o Dir En Grey”.

https://www.youtube.com/watch?v=7Bgr76R0eeg

https://www.youtube.com/watch?v=3Pw9_9opszQ

VIDA DURA ESSA DE ROCKSTAR. Na mesma entrevista ao JaMe World, que foi concedida durante a Japan Expo de Paris em 2011, perguntaram a eles se havia algum ritual antes dos shows. Kenji mandou na lata: “Sexo”. Yutaka não perdeu tempo: “Olhar mulheres bonitas da França!”

POR QUE AS BANDAS AINDA LANÇAM CDs? É o que o Golden Bomber se pergunta em um de seus últimos clipes, #CD ga Urenai Konna Yononakaja. O nome significa algo como “este mundo em que CDs não vendem mais”. O quarteto assiste a uma aula em que o professor ensina que “músicos estão mortos”. E todos aparecem, no fim do vídeo, com máscaras de QR Code (!).

https://www.youtube.com/watch?v=OZxFDdc-3m4

E a pauta do Golden Bomber é ideia do amigo e colaborador Luciano Cirne.

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The Jesus and Mary Chain no comecinho, no nosso podcast

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The Jesus and Mary Chain no comecinho, no nosso podcast

Aquela banda que, quando todo mundo leu sobre ela, já se apaixonou pelo som antes mesmo de escutar qualquer coisa. Muita gente, quando escutou falar do The Jesus and Mary Chain, só sabia que se tratava de um grupo que cobria suas canções de microfonias, que dava shows de 20 minutos e cujas apresentações eram marcadas por uma enorme balbúrdia. Foi uma banda que deu contornos novos ao indie rock britânico e inspirou muita gente, até mesmo aqui no Brasil. E cujo início rende mil histórias, todas ligadas ao contexto da produção independente na Grã-Bretanha e ao caos político da época.

Hoje no nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, damos um sobrevoo na fase inicial da banda dos irmãos Jim Reid e William Reid, e contamos histórias dos primeiros shows, primeiros singles e dos discos Psychocandy (1985) e Darklands (1987). Ouça em alto volume – infelizmente não temos microfonias no episódio!

Século 21 no podcast: Life e Manobra Feroz.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch. Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas! Apoie a gente em apoia.se/popfantasma.

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Relembrando: Stone Temple Pilots, “Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop” (1996)

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E Tiny Music, dos Stone Temple Pilots, faz 25 anos

Os Stone Temple Pilots sempre tiveram uma característica peculiar. Com exceção dos dois primeiros discos, Core (1992) e Purple (1994), a banda sempre retornou em seus novos álbuns como se estivesse estreando. Aliás, quase sempre como se uma nova oportunidade fosse dada a eles. E pouco antes do terceiro álbum, Tiny music… Songs from the Vatican Gift Shop, lançado em 26 de março de 1996, o tempo havia fechado para o grupo.

Antes de Tiny music, Dean DeLeo (guitarra), Robert DeLeo (baixo), Eric Kretz (bateria) e Scott Weiland (voz) haviam conseguido arrancar elogios da crítica por causa de Purple. Jornalistas que avaliaram Core como uma cópia do Pearl Jam viram no segundo álbum uma junção boa de grunge, rock alternativo, psicodelia e folk setentista. Mas o ano de 1995 trouxe problemas para a banda: brigas, pressões internas, drogas, prisão de Scott Weiland com heroína e cocaína, liberdade condicional.

Não era a estreia de Weiland nas drogas. Desde 1993, quando rolou uma bizarra turnê STP-Butthole Surfers, as agulhas haviam passado a fazer parte do seu dia a dia. Mas o abuso passou a ser tido como o maior problema da banda. Além de paralisar o cantor, e de inspirar boa parte do clima deprê de Purple. “É um caminho difícil. Ele pode conseguir vencer isso, como pode nunca conseguir”, contou Dean DeLeo à Rolling Stone em 1997, quando Scott ainda lutava contra as drogas.

Até o terceiro disco surgir, os STP já haviam se separado e voltado, e deixado para trás duas semanas de trabalho em estúdio. Com a prisão e a condenação, Scott montou o Magnificent Bastards, que durou bem pouco. Já seus colegas estavam começando a planejar o Talk Show, com Dave Coutts no vocal. Tiny music só surgiu quando a banda se reagrupou no outono de 1995, com mais de 30 músicas compostas.

Os irmãos DeLeo tiveram uma trabalheira brutal para decidir qual faixa combinava com qual projeto, o terceiro dos Stone Temple Pilots ou o primeiro do Talk Show – que, aliás, acabaria sendo o único, e só sairia em 1997. “É muito estranho, porque na realidade era como se Big bang baby pudesse estar no álbum do Talk Show e Everybody loves my car no Tiny Music“, recordou Dean. O disco acabou produzido pelo mesmo Brendan O’Brien de sempre, e gravado num rancho em Santa Inês, na Califórnia, para onde a banda se mudou.

Tiny music surgiu de uma constatação lamentável. Numa época em que paparazzi e jornais sensacionalistas andavam à toda, não dava mais para esconder a atual condição de Scott – que responderia sobre “vícios em drogas” até o fim da vida.

O então recente suicídio de Kurt Cobain e a névoa de heroína que cobria o grunge ainda estavam muito recentes. O clima depressivo vazou para letras como a da anfetamínica Tumble in the rough, que falava sobre o dia a dia de rehab e de meditações do cantor. E a da balada Adhesive (do verso “venda mais discos se eu morrer”).

Já musicalmente falando, a banda foi para um caminho completamente diferente. Big bang baby, o primeiro single, era basicamente glam rock herdado da fase Spiders From Mars de David Bowie – assim como Pop’s love suicide. Influências de rock dos anos 1960 apareciam em baladas como a própria Adhesive e And so I know (esta, lembrando discretamente Everybody has been burned, dos Byrds). Art school girl, citando Andy Warhol, unia glam rock e alternativices. O vocal de Scott Weiland deixava de vez de lembrar o de Eddie Vedder – soava como um encontro entre Bowie, John Lennon e Johnny Rotten.

Os clipes de Big bang baby, Trippin’ on a hole in a paper heart e Lady Picture Show rodaram direto na MTV. O da primeira música foi a maior surpresa para todo mundo. Fazendo um som bem diferente dos primeiros discos, os STP, sob a direção de John Eder, prestavam uma homenagem aos clipes do começo dos anos 1980, feitos em videotape e sempre com chuva de cromaquis.

Tiny music, apesar da qualidade, rendeu resenhas mistas. A Rolling Stone falou bem. A Entertainment Weekly só faltou falar “não comprem esse disco”: detonou as letras, a voz de Scott, a aparência dos músicos, as tentativas de adicionar toques de jazz. A Pitchfork chamou Weiland de “filho da puta viciado em drogas que já deveria ter tido uma overdose” e afirmou: “Foda-se, Weiland. Você é tão ruim que até sua banda te odeia” (!!).

O disco renderia mais uma pausa para o STP. A banda interromperia uma turnê (na qual abririam para o Kiss) para Weiland ingressar num rehab. Kretz e os irmãos DeLeo, desanimados com os insucessos, colocariam o Talk Show na rua (com a estreia de 1997). Posteriormente, Weiland arrancaria elogios da crítica com sua estreia solo, 12 bar blues (1998). O STP só se reencontraria em 1999 com o pesado e depressivo Nº4, tido como um disco de “metal alternativo” por muita gente. Era outra banda, outra época, ainda que com os mesmos integrantes.

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Relembrando: Veruca Salt, “Eight arms to hold you” (1997)

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Eight Arms To Hold You, do Veruca Salt, fez 25 anos!

Nina Gordon, cantora e guitarrista da banda americana Veruca Salt, relembrou certa vez que nem mesmo a gravadora da banda (a Geffen, que havia contratado a banda de Chicago para o selinho alternativo DGC) entendeu nada quando ela, Louise Post (guitarra e voz), Jim Shapiro (bateria, guitarra) e Steve Lack (baixo), decidiram que Bob Rock seria o cara ideal para produzir o disco novo do grupo.

Eight arms to hold you (11 de fevereiro de 1997) era o segundo disco da banda. Compositoras de canções que podem ser colocadas na gaveta do grunge, ou na da união de punk e power pop, as duas vocalistas talvez tivessem pouco a ver com o trabalho de um cara que cuidou de discos de Metallica e Mötley Crue. “Mas era o som que a gente procurava para o disco”, esclarece Nina, que com a ajuda de Bob, fez canções como o hit Volcano girls ganharem peso e ambiência de hit de rádio. E escolheram para o título do álbum o nome provisório (e descartado) do filme Help, dos Beatles.

O disco do Veruca Salt chegava um pouco atrasado ao mercado – 1997 era um ano importante para o brit pop, para grupos como Spice Girls, mas não era definitivamente um ano de guitar bands ou coisa parecida. Nina e Louise, que apresentavam suas canções no álbum em sequência (uma compunha uma, outra compunha a próxima), traziam de volta uma musicalidade tradicional de sua região, Chicago, com melodias pop associadas a guitarras altas.

O Cheap Trick, mestres nisso, eram de Rockford, cidade do mesmo estado (Illinois), distante poucas horas da capital. Os Smashing Pumpkins, igualmente de Chicago, tinham a mesma mão boa, mas seguiam um estilo diferente – e dois anos antes de Eight arms to hold you, preferiram vender milhões de cópias explorando o que restava da angústia dos anos 1990 no disco Mellon Collie and The Infinite Sadness.

Bob Rock não deu ao Veruca Salt o mesmo peso e exuberância que deu ao Metallica – mas antes de tudo, ajudou o quarteto a se tornar uma banda mais simpática do que já era, e muito bem direcionada. O produtor teve um material de primeira para trabalhar, em canções com heranças simultâneas do punk e do hard rock, como Awesome (essa, com um lado Pixies de barulho-e-silêncio bem acentuado), Volcano girls, With David Bowie (que narra uma paixão e um dating com o camaleão do rock), Stoneface, além de pelo menos um momento em que o Veruca Salt soava como a versão feminina do Nirvana de Nevermind, que era Venus man trap.

Eight arms to hold you significou sucesso moderado para a banda. E também aumentou o nível de estresse. Nina e Louise embarcaram numa briga que muita gente compara às disputas de território entre Bob Mould e Grant Hart no Hüsker Dü. A primeira saiu e preferiu ficar em carreira solo. Jim e Steve também debandaram. Sobrou Louise, sozinha com o nome Veruca Salt, e já sem contrato com a Geffen.

Resolver, o excelente disco seguinte (2000), trazia Louise acompanhada por outros músicos, e contratada pelo selo independente Beyond Records. Mas o Veruca Salt depois enterrou diferenças e disputas musicais (além de questões pessoais), e retornou com a formação de Eight arms no disco Ghost notes (2015). O grupo ainda existe e lançou recentemente um álbum com as demos feitas entre o segundo e o terceiro álbuns, But I love you without mascara (Demos ’97-’98). E permanece uma ilha de guitarras e melodias grudentas em meio às mudanças no universo pop-rock.

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