Crítica
Ouvimos: Ichiko Aoba, “Luminescent creatures”
Com shows marcados em São Paulo (dia 25 de novembro no Teatro Liberdade, e 2 de dezembro no Teatro Bradesco), Ichiko Aoba se vê mais como uma criadora de esferas e atmosferas, e nem tanto como uma compositora comum, ou uma criadora de futuros hits. Luminescent cratures, seu segundo álbum, é música para sonhar, e não necessariamente para “ouvir” distraidamente.
É mais ou menos como acontece com Myrtus myth, álbum do projeto moscovita Kedr Livanskiy, mas sem carregar nos flertes com a música pop dos quais o Kedr lançou mão em seu novo disco (resenhado aqui). Em Coloratura, a primeira faixa, dividida em duas partes, há um clima brasileiro que chega a lembrar Chovendo na roseira, de Tom Jobim. Quando a voz de Ichiko surge, tem algo que faz lembrar a voz de Jane Birkin – um sussurro que chega a parecer um gemido em alguns momentos, mas com vibe angelical, e não necessariamente sexy. Já Flag, lá adiante no disco, tem ares de Milton Nascimento – e de folk do começo dos anos 1970.
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Mas no geral, Luminescent parece mais próximo de referências de jazz, clássicos e de sons asiáticos, que aparecem em músicas como a quase valsa Tower, a meditativa 24° 3′ 27.0″ N, 123° 47′ 7.5″ E. (adaptação de uma canção folclórica da ilha japonesa de Wateruma – o título são as coordenadas para se encontrar um farol no centro da região). Surgem também na cantiga Aurora e na cinematográfica Sonar, uma canção triste, quase um post-rock. Luciférine e Pirsomnia têm algo de progressivo nas mudanças bruscas de acordes e na construção dos arranjos, baseados em pianos circulares e intervenções de cordas.
Inspirado pelas visitas dela ao Arquipélago Ryukyu, no Japão, Luminescent creatures tem muito dos sustos e das sensações mágicas pelas quais Ichiko passou ao mergulhar no local – por sinal, os mergulhos dela foram sem equipamento (!) e correndo altos riscos. Como reflexo mais da magia do que dos perigos, o disco novo dela oferece muita beleza, muita experimentação musical e a sensação de estar submerso/submersa em um sonho onde cada som revela um novo mistério.
Nota: 9
Gravadora: Hermine
Lançamento: 28 de fevereiro de 2025
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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