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Cultura Pop

Sgt. Pepper’s Futebol Clube: descubra!

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Sgt. Pepper's Futebol Clube: descubra!

Pode acreditar: Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, o clássico dos Beatles lançado no finzinho de maio de 1967, tinha lá seus detratores. Teve crítico que recebeu o álbum como um bolo de noiva, cheio de exageros. O jornalista e escritor Richard Goldstein, por exemplo, escreveu no New York Times que o disco era “fraudulento”. Alguns fãs consideraram a obra-prima dos Beatles um distanciamento exagerado das raízes rocker do grupo. Outros se assustaram (que horror!) com a entrada dos “tóxicos” no universo do quarteto. Aliás, como se a banda não fosse formada por quatro malandrões das ruas de Liverpool.

Agora vem cá: isso importa? Para os fãs e para mais uma porrada de gente ao redor do mundo, nem um pouco. Sgt Pepper’s, além de levar a música dos Beatles para um público novo e revolucionar o rock, não fez sombra pra ninguém. Imediatamente, o mercado entendeu o recado da “psicodelia”. E em seguida várias bandas novas resolveram incrementar seu som lançando discos cheios de efeitos de estúdio, instrumentos de orquestra, tons barrocos, melodias contemplativas e letras existenciais.

A era da inocência no rock, vá lá, tinha ficado para trás. E ecos do álbum dos Beatles podem ser escutados até na música pop de hoje. Mas na época, então, a galera ficou maluca. Olha só esses exemplos aí de gente que ouviu o galo de Good morning, good morning cantar e soube exatamente aonde.

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“THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST” – ROLLING STONES (1967). O principal, er, beneficiário de Sgt. Pepper’s não é unanimidade nem entre os Stones. Mick Jagger disse que o álbum é “como achar que tudo o que você faz é maravilhoso e não precisa de edição alguma”. Keith Richards disse que o grupo tinha ouvido o disco dos Beatles e seguiu a onda. “Mas nosso disco é um lote de porcaria”, detonou na lata. E isso porque é um álbum que tem canções como Citadel, 2000 light years from home e She’s a rainbow (com arranjos de cordas de John Paul Jones, futuro baixista do Led Zeppelin). Imagine se não fosse.

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“THE PIPER AT THE GATES OF DAWN” – PINK FLOYD (1967). Diz a lenda que Syd Barrett e John Lennon trocaram ideias durante a elaboração do disco de estreia do Pink Floyd. Seja como for, o grupo britânico já abriu carreira discográfica encontrando o mercado preparadíssimo para um som que, em outros tempos, seria considerado esquisito demais. E o que era uma viagem alegre nos Beatles virou uma trip sem precedentes em Insterstellar overdrive.

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“AFTER BATHING AT BAXTER’S” – JEFFERSON AIRPLANE (1967). Saíram dois discos do Jefferson em 1967 – um antes e outro depois de Sgt. Pepper’s. Mas After bathing, lançado em 27 de novembro, acusou o golpe: onze canções divididas em quatro “movimentos”, efeitos de gravação, faixas que funcionavam como pequenas viagens (Wild tyme, Watch her ride, a quilométrica Spare chaynge). Vendeu menos que o antecessor, Surrealistic pillow, mas mostrou que nada seguraria o Jefferson Airplane. E igualmente nada esfriaria a animação dos fãs fiéis.

“PISCES, AQUARIUS, CAPRICORN AND JONES LTD.” – MONKEES (1967). Saiu em novembro e foi um dos discos responsáveis pela entrada definitiva da psicodelia no universo pop. So que num esquema mais próximo da linguagem dos desenhos animados e das séries adolescentes (opa, o território dos Monkees). Apesar da banda estar em franca escalada de independência, músicos de estúdio ocupam quase todo o disco. Star collector arrumava espaço para o sintetizador moog no rádio.

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“DAYS OF FUTURE PASSED” – MOODY BLUES (1967). Considerado o “primeiro” disco do rock progressivo por muita gente séria, o segundo álbum da banda britânica nem precisa forçar a barra para exibir as influências de Sgt. Pepper’s. Basicamente uma banda de r&b, o Moody Blues tinha interesse em combinar rock e paisagens orquestrais, e viu em seu selo, Deram, a mesma vontade de unir as duas coisas. Mas deu certo, e Nights in white satin virou clássico.

“SMILEY SMILE” – BEACH BOYS (1967). Chega a ser sacanagem colocar esse disco aqui, já que os Beach Boys foram influenciadores de Sgt Pepper’s com Pet Sounds (1966). O abortado Smile poderia ter adiantado várias ideias que já estavam em Sgt. Pepper’s, mas sem o mesmo potencial de comunicação. Restou a Brian Wilson & cia tentar remediar lançando parte do material em Smiley smile, que teve o single Good vibrations empacotado junto com estranhas loucuras como Wonderful, Vegetables e Heroes and villains.

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“THE WHO SELL OUT”- THE WHO (1967). Fizemos recentemente um texto enorme sobre esse disco, que marca o namoro do Who com a psicodelia e os discos conceituais. Um dos mais criativos discos da história do rock, com final doidão a la Sgt Pepper’s e ironia fina.

“ODESSEY AND ORACLE” – ZOMBIES (1968). Lançado quando a banda já havia se separado, crente de que o novo disco seria um fracasso, Odessey usou em várias músicas o mesmo gravador de quatro canais que os Beatles usaram em Sgt. Pepper’s, um ano antes – além do mesmo mellotron que John Lennon tocou nas gravações. Ressurgiu no mercado por insistência da CBS americana, que descobriu o álbum e finalmente o lançou nos EUA. É o disco de Time of the season.

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“ELECTRIC LADYLAND” – THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE (1968). Tudo de Jimi é, mais do que herdeiro de Sgt Pepper’s, herdeiro de um espírito psicodélico que influenciava todas as formas de arte e comunicação nos anos 1960. Em seu terceiro disco, ele investia em guitarra, baixo, bateria e pouquíssimos instrumentos extra – tudo exaustivamente produzido e gravado com apuro técnico. Uma das maiores obras-primas dos anos 1960.

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“OGDEN’S NUT GONE FLAKE” – SMALL FACES (1968). O grupo mod britânico fez mais do que seguir a moda da época: adiantou a febre de óperas-rock e discos conceituais com o lado B de seu terceiro álbum, que trazia um conto de fadas rocker chamado Happiness Stan, sobre um garoto que busca o outro lado, perdido, da meia-lua. A doidaralhaça e alegre Lazy sunday fez sucesso.

“MUTANTES” – MUTANTES (1969). Todos os álbuns do grupo paulistano podem ser considerados herdeiros de Sgt. Pepper’s. Escolhemos o segundo disco porque… porque… Bom, porque é o melhor disco da primeira fase da banda, além de ser um dos LPs de Rita, Arnaldo e Sérgio que mais trazem heranças do período lisérgico dos Beatles. Tem o clima saloon (herdado de Lady Madonna) de Rita Lee, o tom misterioso da versão de Banho de lua, o bom humor de Não vá se perder por aí, e muita coisa que poderia estar nos primeiros discos do Pink Floyd (Mágica é quase Syd Barrett em português). Além da beleza orquestral de Caminhante noturno.

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“LA CONFERENCIA SECRETA DEL TOTO’S BAR” – SHAKERS (1968). O melhor exemplo de um Sgt. Pepper’s latino, feito por uma banda uruguaia que gravava na filial argentina da Odeon (representante da EMI dos Beatles). Cantado em inglês, apesar do título, unia influências de rock sessentista, lisergia beatle, sons latinos (tem uma música chamada Candombe) e tons quase progressivos. O cantor e guitarrista Hugo Fattoruso se radicou no Brasil nos anos 1980 e tocou com Milton Nascimento, Hermeto Pascoal e vários outros.

“THE LEFT BANKE TOO” – THE LEFT BANKE (1968). Precursores da onda Sgt Pepper’s (o primeiro disco é de fevereiro de 1967) esses novaiorquinos faziam “pop barroco” e “Bach rock”. O segundo disco trazia como atrações vários singles de peso (como Dark is the bark), o lançamento de um novo estilo musical (o sunshine pop, que unia os herdeiros das harmonias vocais dos The Mamas & The Papas) e, nos backing vocals, a participação de um vocalista desconhecido, Steven Tyler (o próprio).

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“THE GENUINE IMITATION LIFE GAZETTE” – THE FOUR SEASONS (1969). Incrível: até mesmo a banda liderada por Frankie Valli, do hit Can’t take my eyes of you, aderiu à febre, com dois anos de atraso. O álbum, nada menos que o 15º (!) do grupo, largava temas românticos de lado para falar de guerras, racismo, existencialismo e religião. A capa, que imitava um jornal, tinha um visual que depois seria visto em Thick as a brick, do Jethro Tull.

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“RONNIE VON” – RONNIE VON (1969). A virada psicodélica de Ronnie foi incompreendida por antigos fãs – alguns estavam convencidos de que aquilo era só a tentativa do cantor de se aproximar dos cabeludos tropicalistas. André Midani, chefão da Philips, deixou o cantor gravar aquele disco maluco, mas deixou claro que “com radicalismos eu não iria a lugar algum” (disse Ronnie). O quarto disco do popstar niteroiense demorou até ser descoberto (só seria resgatado lá pelos anos 2000), mas virou outro clássico pós-Sgt Pepper’s.

“ERASMO CARLOS E OS TREMENDÕES” – ERASMO CARLOS (1970). A carreira do Tremendão já seguia em direção ao pop mais elaborado em discos anteriores, mas aqui ele foi longe demais. Tinha rock regressivo de brincadeira (Estou dez anos atrasado), toada jorgebeniana (Gloriosa), soul-rock psicodélico (Jeep) e uma orquestra no estúdio para tocar uma versão malandra de Aquarela do Brasil (Ary Barroso). E os hinos Sentado à beira do caminho e Coqueiro verde.

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Pera, que história é essa do ecstasy ter feito 110 anos?

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Pera, que história é essa do ecstasy ter feito 110 anos?

A data tá passando batida até o momento e, como tudo que diz respeito ao assunto “drogas”, nada é tão exato assim, mas até mesmo os anais da ciência dão conta de que o MDMA – composto químico que, entre idas e vindas, é conhecido como ecstasy – completou 110 anos neste ano. Ao que consta, os  arquivos da Merck dão conta de que o composto 3,4- Metilenodioximetanfetamina foi sintetizado pela primeira vez nos laboratórios da empresa em 1912.

Segundo o texto The origin of MDMA (ecstasy) revisited: the true story reconstructed from the original documents, de três cientistas alemães, dois documentos encontrados nos arquivos da Merck dão conta disso – um deles é o Relatório Anual de 1912, do laboratório científico da Merck. Apesar de ter surgido a ideia de usá-lo de maneira medicinal como inibidor de apetite, não havia nenhuma indicação nesses documentos de que isso poderia acontecer. Quem sintetizou a substância foi um químico chamado Anton Köllisch, mas a patente do MDMA só veio mesmo em 2014.

“Na especificação da patente, o MDMA apareceu apenas como fórmula química e no relatório anual foi referido como Metilsafrilamina. O pano de fundo preciso para a primeira síntese de MDMA foi que a Merck queria encontrar e patentear caminhos que levassem a substâncias hemostáticas (para acabar com hemorragias), não a supressores de apetite”, diz o texto.

Uma curiosidade sobre o MDMA, e tem um texto enorme do site Ciência Psicodélica explicando isso, é que até os anos 1970 não haviam sido feitas experiências em humanos com a substância. Nos anos 1950, a Universidade de Michigan realizou experimentos com MDMA em parceria com o Exército dos Estados Unidos, mas tudo foi realizado em cinco espécies diferentes de animais. Entre 1975 e 1976, um químico norte-americano chamado Alexander Shulgin (1925 – 2014) fez sessões de experiências com MDMA em pessoas próximas e publicou artigos a respeito. Shulgin, considerado o “padrinho do ecstasy”, deu uma entrevista para a Wired em 2002 lembrando a época em que deu uma dimensão científica ao estudo sobre a substância, e reclamando do uso que considerava inapropriado (por frequentadores de raves, festas, etc) de uma de suas maiores ferramentas de pesquisa.

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Em 1976, foi a vez de Leo Zeff (1912-1988), terapeuta junguiano de Oakland, Califórnia, introduzir a substância no contexto da psicoterapia. Zeff, que tinha sido tenente-coronel do Exército dos EUA, já havia feito tentativas com o LSD no trabalho terapêutico, administrando uma dose aos seus pacientes,  que ficavam ouvindo música de olhos vendados. Zeff foi apresentado ao MDMA pelo próprio Shulgin e tentou usá-lo para fortalecer o vínculo terapêutico – chegou a apelidar a droga de “Adão”, já que acreditava que ela levava o ser humano à inocência dos primórdios. Já o 3,4-metilenodioxietilanfetamina (MDEA) era chamado de “Eva”.

Milhares de textos espalhados pela web, uns bons, outros ruins, mostram que o MDMA, até ser popularizado na forma de comprimido e ganhar o apelido de ecstasy, tem muita história. Os causos da época em que ele começou a se popularizar entre os frequentadores da noite em Manchester, Londres e outros cantos da Inglaterra, ocupam páginas e mais páginas. Surgiu como uma espécie de “verão do amor” interminável (já que dura até hoje), e até hoje, precisa de muito estudo e informação (e redução de danos).

Uma curiosidade sobre esse começo da onda de ecstasy é que o New Order havia feito uma canção chamada Ecstasy, no disco Power, corruption and lies, de 1983. Não apenas a música não tinha nada a ver com o assunto “drogas”, como o New Order nem sabia o que era ecstasy. Nessa época, o grupo foi fazer um show em Dallas e foi relaxar num clube, quando soube pelos promotores do show que uma turma da série de TV Dallas também estava indo com a turma para descolar ecstasy na casa noturna. “Ecstasy? O que é isso?”, perguntou o quarteto.

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Bermard Sumner, cantor do New Order, arriscou certa vez uma explicação sobre porque é que o ecstasy e a acid house (subgênero supostamente “psicodélico” da house music) eram tão interligados. “Os sons abafados de baixo, que eram a marca registrada do estilo, soavam fantásticos com uma dose de E, acho”, recordou. Faz todo sentido. No Brasil, o termo “acid house” ficou popularizado

Em 1988, já com a cena da Inglaterra tomada por casas que tocavam house music, os novos tempos e o ecstasy foram responsáveis por mudanças básicas em pelo menos uma banda: o Primal Scream, um grupo de jangle-pop meio sem rumo, que iniciaria a caminhada que daria em seu terceiro álbum, Screamadelica (1991). Loaded, o primeiro single ligado ao disco, saiu em 1990 e foi chamado pela revista Muzik de “Sympathy for the devil da geração ecstasy”. Seja como for, de lá para cá, e mais ainda de 1912 para cá, o crescimento do ecstasy deu em novas percepções sobre a cultura de drogas, novas visões sobre o dia a dia do usuário recreativo, novas nomenclaturas e variações (como o MD, conhecido como “a droga do amor”) e… como sempre acontece nesse casos, muita necessidade de informação.

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E saiu 1979, o livro!

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E saiu 1979, o livro

O ano de 1979 veio como uma virada na música popular brasileira, trazendo pelo menos um grande festival de música (o da TV Tupi, por sinal um ano antes dela sair do ar), algumas estreias em disco (a de Marina Lima com Simples como fogo,  e o disco epônimo do Boca Livre, por exemplo), a eclosão de um grande movimento (a vanguarda paulista) e vários nomes emplacando músicas no rádio – Fagner, Gal Costa, Rita Lee, Fabio Jr, Ivan Lins, muita gente.

Roberto Carlos já era rei havia bastante tempo e não tinha muita coisa ameaçando o reinado dele – músicas como Na paz do seu sorriso e Desabafo tocariam nas rádios e conquistariam os fãs como sempre. Chegando perto de ameaçar o cantor, só mesmo a onda de canto feminino que invadiria as rádios naquele momento. Maria Bethânia conseguiria vendagens excelentes com o romântico Mel, lançado naquele ano.

Foi um ano decisivo para a produção independente na música brasileira, com muitos discos saindo por intermédio de pequenos selos, ou de iniciativas de artistas. De modo geral ainda era simultaneamente cedo e tarde para falar em “rock brasileiro”. Isso por não havia mais aquela movimentação dos anos 1970, e muitas bandas que fariam sucesso após 1982 nem sequer existiam ainda. O que tinha era o 14 Bis lançando o primeiro disco, Rita Lee virando mania e Raul Seixas em baixa com Por quem os sinos dobram.

Músicos como Herbert Vianna, Renato Russo e Arnaldo Antunes ainda estavam nas garagens ou envolvidos em outros projetos pós-adolescentes. Quem tinha uma cópia importada estalando de nova de Unknown pleasures, do Joy Division, lançado naquele ano, estava umas vinte casas à frente no tabuleiro pop – fãs “moderninhos” de música internacional estavam escutando The Clash, The Police ou reggae.

Isso aí é só um resuminho bem humilde do que você vai encontrar no livro 1979 – O ano que ressignificou a MPB (Ed. Garota FM Books), organizado por Celio Albuquerque, que também já havia feito um livro parecido sobre o ano de 1973, O ano que reinventou a MPB. O livro de 1979 tem cem autores falando sobre cem discos lançados naquele ano, além de textos especiais contextualizando a música brasileira de 1979.

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Entre os colaboradores, tem Chris Fuscaldo, Silvio Essinger, Carlos Eduardo Lima, Bento Araújo, Roberto Muggiatti, Luiz Felipe Carneiro, Lorena Calabria, Daniella Zupo, Gilberto Porcidonio, Kamille Viola, Leandro Souto Maior. Músicos como Marlon Sette, Moacyr Luz e Rildo Hora também estão na lista de autores, falando sobre discos importantes das suas vidas. Na lista, entre outros, álbuns de Angela Ro Ro, Azymuth, Baby Consuelo, Milton Nascimento, Roberto Carlos, Maria Bethânia, Marku Ribas, Elomar, Jorge Ben, Gal Costa, Gretchen, Ronaldo Resedá, Sá & Guarabyra.

Aliás, eu também sou um dos colaboradores e estou no livro falando sobre o segundo disco de Fabio Jr, epônimo, lançado em 1979 – o disco que tem Pai, o maior sucesso da vida dele como autor, e uma música que demorou até fazer sucesso de verdade, e passou por um momentinho de descrédito (leia sobre isso no meu texto).

O livro já chegou na mão da turma que apoiou o crowdfunding e em breve, vai ganhar evento de lançamento e chegar pra todo mundo que estiver a fim de conhecer a música brasileira lançada naquele ano. Ficou um livro bem grande, bem variado (da MPB mais regional à pós-disco music) e bem honesto, como a música de 1979.

(Fotos: Aline Haluch)

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E os 35 anos de Document, do R.E.M.?

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E os 35 anos de Document, do R.E.M.?

Conheci Life’s rich pageant (1986), quarto disco do R.E.M., e Document (1987), o quinto disco, praticamente juntos. Daí até hoje, mesmo sendo discos conceitualmente separados por vários aspectos, só consigo vê-los como sendo interligados.

Life’s ainda é mais sujinho na produção, mas já intenso e variado musicalmente. Document, que completa 35 anos em 31 de agosto, já traz o grupo de Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo) e Bill Berry (bateria) focalizando cada vez mais o lado sessentista e ensolarado de sua música – um lado que sempre esteve lá, desde o começo, ainda que mais envolto em sombras nos primeiros álbuns.

Document marca também a entrada, no dia a dia do quarteto, de um engenheiro de som experiente, que começara a produzir havia poucos anos, e que a partir desse disco produziria vários clássicos do grupo. Scott Litt tinha sido produtor de uma banda amiga do quarteto, The dB, e começou os trabalhos com o R.E.M. quando o grupo fez Romance para a trilha do filme Paixão eterna, de Alan Rudolph.

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Juntos, fizeram as primeiras demos, e logo o novo disco do grupo foi surgindo, com o objetivo de mostrar o R.E.M. com uma banda que, além de ser boa de palco, dava shows nos discos. Sim, porque Peter Buck chegou a dizer à Rolling Stone que a banda queria, mais do que tudo, fazer um disco que soasse como ao-vivo-no-estúdio. “Um disco solto, estranho, com uma postura mais dura”, disse o guitarrista, que sabe-se lá o motivo, via Life’s como “um disco do Bryan Adams”.

Mais do que ajudar o R.E.M. a fazer um excelente disco, Litt ajudou o grupo a quebrar o sistema, reescrever a história do rock e (claro, por que não?) fazer dinheiro – e não custa lembrar, Document é o disco de The one I loveIt’s the end of the world as we know it (And I feel fine). Honrando a tradição dos músicos honestos armados de boas canções (à maneira de Byrds, Bob Dylan e Joni Mitchell), o grupo já fazia  bastante sucesso antes desse LP. Praticamente tudo da banda vendera mais de 500 mil cópias até então.

Mas Document foi o disco que vendeu mais de um milhão de cópias, pôs nos ouvidos dos fãs canções que já nasciam clássicas, e ainda por cima ensinou algumas lições à I.R.S., selo da banda. “Em praticamente todos os discos que entregamos à gravadora, ouvimos opiniões externas de que ‘este é o disco que vai levar vocês à falência’”, contou Buck no papo com a Rolling Stone.

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O R.E.M pegava em fios de alta tensão desde sempre, mas o clima de guerra do governo Ronald Reagan e os ares da década perdida (para os países latinos) estavam pairando no estúdio na era de Document. Tanto que era também o disco de Exhuming McCarthy, que lembrava do cão-fila anticomunista Joseph McCarthy, e falava que a caça às bruxas dos anos 1950 não estava tão distante assim. “É exatamente o que parece – são os anos oitenta, e McCarthy está voltando, então por que não desenterrá-lo?”, contava Buck.

Até o momento, era o disco que melhor valorizava os versos do vocalista e a combinação de letra-e-música das canções, ainda que alguns álbuns anteriores (como Reckoning, de 1983, de So. Central Rain) fossem páreo duro. Com fama de detalhista e de atento ao mercado, Litt deu à voz de Stipe um volume e uma dinâmica inauditos até então, em plena conformidade com o fato do R.E.M ir muito além do pós-punk e ameaçar uma new wave pesada em músicas como Finest worksong. E em pleno acordo com o clima tranquilo de folk rocks modernizados como Welcome to the occupation (cuja letra fala sobre intervenção do governo Reagan na América do Sul e América Central), ou com o tom meio Kinks da própria Exhuming McCarthy.

Havia ainda Disturbance at the Heron House, uma visão muito pessoal do cantor sobre o livro A revolução dos bichos, de George Orwell, e que já havia ganhado múltiplas interpretações até que Stipe explicasse a letra, anos depois. Strange, um punk rock lascado da banda britânica Wire (do LP Pink flag, de 1977), ganhava uma versão quase power pop. The one I love e It’s the end of the world… foram as primeiras músicas que muitos fãs brasileiros do R.E.M. escutaram em suas vidas – numa época em que, diz a velha lenda, locutores de FMs falavam “rem”, sem soletrar, para que o público não entendesse algo como “I am” (eu sou) e procurasse nas lojas o disco de uma banda que não existia.

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Document é mais que um grande disco. É um estudo de caso, uma demonstração do por quê do R.E.M. ter conseguido ao longo de sua carreira, simultaneamente, fazer um som “fora de moda” e tocar quase tantos corações quanto Madonna. Doses quase iguais de mistério, talento, suor e atenção aos sinais contaram para isso, na hora de escrever letras, músicas, dar entrevistas e dialogar com um mercado cada vez mais exigente. Mas havia muita coisa a vislumbrar ali, e ninguém adota impunemente um nome como R.E.M. (rapid eye movement, a fase do sono na qual os sonhos aparecem). Algo que ficaria claro alguns anos depois.

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