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Cultura Pop

Sgt. Pepper’s Futebol Clube: descubra!

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Beatles: Sgt. Pepper's Futebol Clube: descubra!

Pode acreditar: Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, o clássico dos Beatles lançado no finzinho de maio de 1967, tinha lá seus detratores. Teve crítico que recebeu o álbum como um bolo de noiva, cheio de exageros. O jornalista e escritor Richard Goldstein, por exemplo, escreveu no New York Times que o disco era “fraudulento”. Alguns fãs consideraram a obra-prima dos Beatles um distanciamento exagerado das raízes rocker do grupo. Outros se assustaram (que horror!) com a entrada dos “tóxicos” no universo do quarteto. Aliás, como se a banda não fosse formada por quatro malandrões das ruas de Liverpool.

Agora vem cá: isso importa? Para os fãs e para mais uma porrada de gente ao redor do mundo, nem um pouco. Sgt Pepper’s, além de levar a música dos Beatles para um público novo e revolucionar o rock, não fez sombra pra ninguém. Imediatamente, o mercado entendeu o recado da “psicodelia”. E em seguida várias bandas novas resolveram incrementar seu som lançando discos cheios de efeitos de estúdio, instrumentos de orquestra, tons barrocos, melodias contemplativas e letras existenciais.

A era da inocência no rock, vá lá, tinha ficado para trás. E ecos do álbum dos Beatles podem ser escutados até na música pop de hoje. Mas na época, então, a galera ficou maluca. Olha só esses exemplos aí de gente que ouviu o galo de Good morning, good morning cantar e soube exatamente aonde.

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“THEIR SATANIC MAJESTIES REQUEST” – ROLLING STONES (1967). O principal, er, beneficiário de Sgt. Pepper’s não é unanimidade nem entre os Stones. Mick Jagger disse que o álbum é “como achar que tudo o que você faz é maravilhoso e não precisa de edição alguma”. Keith Richards disse que o grupo tinha ouvido o disco dos Beatles e seguiu a onda. “Mas nosso disco é um lote de porcaria”, detonou na lata. E isso porque é um álbum que tem canções como Citadel, 2000 light years from home e She’s a rainbow (com arranjos de cordas de John Paul Jones, futuro baixista do Led Zeppelin). Imagine se não fosse.

“THE PIPER AT THE GATES OF DAWN” – PINK FLOYD (1967). Diz a lenda que Syd Barrett e John Lennon trocaram ideias durante a elaboração do disco de estreia do Pink Floyd. Seja como for, o grupo britânico já abriu carreira discográfica encontrando o mercado preparadíssimo para um som que, em outros tempos, seria considerado esquisito demais. E o que era uma viagem alegre nos Beatles virou uma trip sem precedentes em Insterstellar overdrive.

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“AFTER BATHING AT BAXTER’S” – JEFFERSON AIRPLANE (1967). Saíram dois discos do Jefferson em 1967 – um antes e outro depois de Sgt. Pepper’s. Mas After bathing, lançado em 27 de novembro, acusou o golpe: onze canções divididas em quatro “movimentos”, efeitos de gravação, faixas que funcionavam como pequenas viagens (Wild tyme, Watch her ride, a quilométrica Spare chaynge). Vendeu menos que o antecessor, Surrealistic pillow, mas mostrou que nada seguraria o Jefferson Airplane. E igualmente nada esfriaria a animação dos fãs fiéis.

“PISCES, AQUARIUS, CAPRICORN AND JONES LTD.” – MONKEES (1967). Saiu em novembro e foi um dos discos responsáveis pela entrada definitiva da psicodelia no universo pop. So que num esquema mais próximo da linguagem dos desenhos animados e das séries adolescentes (opa, o território dos Monkees). Apesar da banda estar em franca escalada de independência, músicos de estúdio ocupam quase todo o disco. Star collector arrumava espaço para o sintetizador moog no rádio.

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“DAYS OF FUTURE PASSED” – MOODY BLUES (1967). Considerado o “primeiro” disco do rock progressivo por muita gente séria, o segundo álbum da banda britânica nem precisa forçar a barra para exibir as influências de Sgt. Pepper’s. Basicamente uma banda de r&b, o Moody Blues tinha interesse em combinar rock e paisagens orquestrais, e viu em seu selo, Deram, a mesma vontade de unir as duas coisas. Mas deu certo, e Nights in white satin virou clássico.

“SMILEY SMILE” – BEACH BOYS (1967). Chega a ser sacanagem colocar esse disco aqui, já que os Beach Boys foram influenciadores de Sgt Pepper’s com Pet Sounds (1966). O abortado Smile poderia ter adiantado várias ideias que já estavam em Sgt. Pepper’s, mas sem o mesmo potencial de comunicação. Restou a Brian Wilson & cia tentar remediar lançando parte do material em Smiley smile, que teve o single Good vibrations empacotado junto com estranhas loucuras como Wonderful, Vegetables e Heroes and villains.

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“THE WHO SELL OUT”- THE WHO (1967). Fizemos recentemente um texto enorme sobre esse disco, que marca o namoro do Who com a psicodelia e os discos conceituais. Um dos mais criativos discos da história do rock, com final doidão a la Sgt Pepper’s e ironia fina.

“ODESSEY AND ORACLE” – ZOMBIES (1968). Lançado quando a banda já havia se separado, crente de que o novo disco seria um fracasso, Odessey usou em várias músicas o mesmo gravador de quatro canais que os Beatles usaram em Sgt. Pepper’s, um ano antes – além do mesmo mellotron que John Lennon tocou nas gravações. Ressurgiu no mercado por insistência da CBS americana, que descobriu o álbum e finalmente o lançou nos EUA. É o disco de Time of the season.

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“ELECTRIC LADYLAND” – THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE (1968). Tudo de Jimi é, mais do que herdeiro de Sgt Pepper’s, herdeiro de um espírito psicodélico que influenciava todas as formas de arte e comunicação nos anos 1960. Em seu terceiro disco, ele investia em guitarra, baixo, bateria e pouquíssimos instrumentos extra – tudo exaustivamente produzido e gravado com apuro técnico. Uma das maiores obras-primas dos anos 1960.

“OGDEN’S NUT GONE FLAKE” – SMALL FACES (1968). O grupo mod britânico fez mais do que seguir a moda da época: adiantou a febre de óperas-rock e discos conceituais com o lado B de seu terceiro álbum, que trazia um conto de fadas rocker chamado Happiness Stan, sobre um garoto que busca o outro lado, perdido, da meia-lua. A doidaralhaça e alegre Lazy sunday fez sucesso.

“MUTANTES” – MUTANTES (1969). Todos os álbuns do grupo paulistano podem ser considerados herdeiros de Sgt. Pepper’s. Escolhemos o segundo disco porque… porque… Bom, porque é o melhor disco da primeira fase da banda, além de ser um dos LPs de Rita, Arnaldo e Sérgio que mais trazem heranças do período lisérgico dos Beatles. Tem o clima saloon (herdado de Lady Madonna) de Rita Lee, o tom misterioso da versão de Banho de lua, o bom humor de Não vá se perder por aí, e muita coisa que poderia estar nos primeiros discos do Pink Floyd (Mágica é quase Syd Barrett em português). Além da beleza orquestral de Caminhante noturno.

>>> Veja também no POP FANTASMA: All along the watchtower, na versão de Jimi Hendrix, no Stylophone

“LA CONFERENCIA SECRETA DEL TOTO’S BAR” – SHAKERS (1968). O melhor exemplo de um Sgt. Pepper’s latino, feito por uma banda uruguaia que gravava na filial argentina da Odeon (representante da EMI dos Beatles). Cantado em inglês, apesar do título, unia influências de rock sessentista, lisergia beatle, sons latinos (tem uma música chamada Candombe) e tons quase progressivos. O cantor e guitarrista Hugo Fattoruso se radicou no Brasil nos anos 1980 e tocou com Milton Nascimento, Hermeto Pascoal e vários outros.

“THE LEFT BANKE TOO” – THE LEFT BANKE (1968). Precursores da onda Sgt Pepper’s (o primeiro disco é de fevereiro de 1967) esses novaiorquinos faziam “pop barroco” e “Bach rock”. O segundo disco trazia como atrações vários singles de peso (como Dark is the bark), o lançamento de um novo estilo musical (o sunshine pop, que unia os herdeiros das harmonias vocais dos The Mamas & The Papas) e, nos backing vocals, a participação de um vocalista desconhecido, Steven Tyler (o próprio).

>>> Veja também no POP FANTASMA: Velvert Turner: o único aluno de guitarra de Jimi Hendrix

“THE GENUINE IMITATION LIFE GAZETTE” – THE FOUR SEASONS (1969). Incrível: até mesmo a banda liderada por Frankie Valli, do hit Can’t take my eyes of you, aderiu à febre, com dois anos de atraso. O álbum, nada menos que o 15º (!) do grupo, largava temas românticos de lado para falar de guerras, racismo, existencialismo e religião. A capa, que imitava um jornal, tinha um visual que depois seria visto em Thick as a brick, do Jethro Tull.

“RONNIE VON” – RONNIE VON (1969). A virada psicodélica de Ronnie foi incompreendida por antigos fãs – alguns estavam convencidos de que aquilo era só a tentativa do cantor de se aproximar dos cabeludos tropicalistas. André Midani, chefão da Philips, deixou o cantor gravar aquele disco maluco, mas deixou claro que “com radicalismos eu não iria a lugar algum” (disse Ronnie). O quarto disco do popstar niteroiense demorou até ser descoberto (só seria resgatado lá pelos anos 2000), mas virou outro clássico pós-Sgt Pepper’s.

“ERASMO CARLOS E OS TREMENDÕES” – ERASMO CARLOS (1970). A carreira do Tremendão já seguia em direção ao pop mais elaborado em discos anteriores, mas aqui ele foi longe demais. Tinha rock regressivo de brincadeira (Estou dez anos atrasado), toada jorgebeniana (Gloriosa), soul-rock psicodélico (Jeep) e uma orquestra no estúdio para tocar uma versão malandra de Aquarela do Brasil (Ary Barroso). E os hinos Sentado à beira do caminho e Coqueiro verde.

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Cultura Pop

Relembrando: Interpol, “Turn on the bright lights” (2002)

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E os 20 anos de Turn On The Bright Lights, estreia do Interpol?

Mal dá para crer que a banda novaiorquina Interpol não chegou a ter problemas com a organização policial americana. Mais inacreditável ainda é a lembrança de que o grupo fazia shows concorridíssimos no começo da carreira, quando eram estudantes universitários, mas não tinha um nome. Ao optarem por Interpol, justamente no comecinho da web 2.0, Paul Banks (voz, guitarra, hoje baixista), Sam Fogarino (bateria), Daniel Kessler (guitarra solo, voz) e Carlos D (baixo) não escaparam de receber várias mensagens por engano, de gente que pensava mesmo estar falando com a polícia americana, e não com uma banda iniciante (há um tempinho, isso rolou de novo, e no Brasil).

“Recebi alguns e-mails sérios sobre pessoas que se perderam, que outras pessoas estavam tentando encontrar, ou e-mails sobre golpes em que as pessoas caíram”, contou Kessler ao Pitchfork em janeiro de 2003, poucos meses após lançarem a estreia Turn on the bright lights (de 20 de agosto de 2002). “Um dos e-mails foi ‘meu carro foi roubado’”, contou.

A estreia do Interpol devolvia ao cenário novaiorquino muitas das influências que bandas como Velvet Underground tiveram sob os grupos ingleses. Em pleno retorno da sonoridade do pós-punk, marcada pela chegada ao mercado americano de bandas como Strokes, o Interpol assemelhava-se a bandas como Joy Division, Echo and The Bunnymen e nomes mais recentes como Ride.

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Os vocais de Banks, mesmo sendo mais empostados, são até hoje bastante comparados aos de Ian Curtis, e no disco do Interpol havia Obstacle 1 e Obstacle 2 como havia Exercise one na obra do JD. A canção da banda inglesa era bem mais assustadora do que o pós-punk marcial e volumoso do Interpol, claro, mas a letra de Obstacle 1 é igualmente sombria (“você vai se esfaquear no pescoço/mas é diferente agora que estou pobre e envelhecendo/nunca mais verei esse lugar”).

Havia muito ali também de bandas geralmente pouco comentadas, como The Sound (o clima cavernoso dos vocais e das melodias era herdeiro direto deles). A paixão de alguns integrantes do Interpol por música eletrônica fazia com que Turn on the bright lights fosse um disco cheio de climas diferentes, e que funcionasse como um relógio. embora a estreia da banda fosse bastante orgânica, maturada pelo uso do estúdio como um instrumento musical,  durante seis semanas de isolamento.

Untitled surgia em tom de abertura de filme, preparando o ouvinte para músicas como Obstacle 1, NYC (uma balada shoegaze que mostra o lado sombrio da “cidade que nunca dorme” e que cita o título do disco), PDA (a canção mais ligada ao rock de Manchester já produzida por uma banda americana), Stella was a diver and she was always down (essa poderia estar no Heaven up here, segundo LP do Echo and The Bunnymen). Tudo em Turn on tinha um certo ar de desilusão com as luzes de Nova York, um sentimento que fazia todo sentido no pós-11 de setembro.

Há quem defenda que Turn on the bright lights acaba na nona faixa, a ágil e meio punk Roland, com letra sanguinolenta falando sobre um açougueiro polonês que seccionava pessoas – um personagem aparentemente de ficção, mas que dizem ter sido inspirado no assassino americano Richard Kuklinski, morto em 2006. Os próprios integrantes viam The new e Leif Erikson, as duas verdadeiras últimas músicas, como separadas do disco – a última, em particular, soa como um pop sessentista sombrio, herdado do Velvet Underground e de Nico, encerrado por uma parede de guitarra e voz.

A estreia do Interpol foi um excelente exercício, que gerou imediatamente um grande prosseguimento, Antics (2004), e um disco mais controverso e um tanto mais sombrio, Our love to admire (2007). E a história do Interpol continua, com a banda reduzida ao trio Paul Banks, Daniel Kessler e Sam Fogarino. Rolou inclusive uma vinda há algumas semanas ao Brasil.

Ah, sim: quando o disco completou 20 anos, a banda pôs no YouTube o vídeo de divulgação do álbum, lançado na época apenas como um EPK para a imprensa. Pode ser visto abaixo.

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Cultura Pop

No nosso podcast, o começo dos Stone Temple Pilots

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No nosso podcast, o começo dos Stone Temple Pilots

Não era nada fácil ser integrante dos Stone Temple Pilots nos anos 1990. Os discos vendiam e os shows lotavam, mas não havia muito respeito da crítica, e a cada disco parecia sempre que uma nova chance estava sendo dada ao grupo de Scott Weiland, Dean DeLeo, Robert DeLeo e Eric Kretz. Pior: de tempos em tempos, as turnês eram canceladas e a banda tinha que parar tudo, já que Scott volta e meia precisava encarar uma internação para reabilitação.

Hoje a gente dá uma volta no tempo e faz um sobrevoo no começo do STP. Falamos de tudo (ou quase tudo) que estava acontecendo na vida deles, e damos uma olhada por trás dos discos Core (1992), Purple (1994) e Tiny music: Songs from the Vatican gift shop (1996). E encerramos essa temporada do nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, falando de uma das nossas bandas preferidas.

Século 21 no podcast: Billy Tibbals e A Última Gangue.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch (foto: Divulgação). Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas! Apoie a gente em apoia.se/popfantasma.

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Crítica

Ouvimos: Samuel Rosa, “Rosa”

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Ouvimos: Samuel Rosa, "Rosa"
  • Rosa é o primeiro disco solo de Samuel Rosa, ex-cantor e principal compositor do Skank. O disco foi produzido por ele e Renato Cipriano. Na capa, há uma pintura de Stephan Doitschinoff, que faz referência a várias músicas do disco. 
  • A banda solo de Samuel é formada por Doca Rolim (violão e guitarra), Alexandre Mourão (contrabaixo), Pedro Kremer (teclados) e Marcelo Dai (bateria e percussão). Alexandre é amigo de infância de Samuel e tocou com ele no Pouso Alto, grupo que ele teve com outro ex-Skank, Henrique Portugal, nos anos 1980.
  • No material de divulgação, Samuel diz não ter procurado se diferenciar do legado que o Skank deixou. “Eu não queria agora buscar compulsivamente fazer algo que eu nunca fiz. Quero exercer o que eu sou”, afirma Samuel Rosa. “Minha marca é meu patrimônio”.
  • Boa parte do material foi feita entre janeiro e fevereiro, em sessões matinais que duravam de três a quatro horas (e que Samuel chama de “composição induzida”). “Era disciplina mesmo, eu me comprometi a chegar todos os dias com uma música nova de tarde e mostrar para banda, ainda que fosse ruim, boa, média, sem julgamentos”, conta ele.

Eu (eu, Ricardo Schott, autor desse texto), esperava que a estreia de Samuel Rosa como solista corresse para dois lados distintos. A partir da capa, que lembra a de discos de Jorge Ben como A tábua de esmeralda e Solta o pavão, cheguei a pensar que o ex-Skank fosse cair dentro da experimentação rítmica que marcou discos do grupo, como O samba Poconé, ainda que sob um viés 2024. O outro lado: Samuel voltaria com cara beatle, unindo as mesmas influências e referências de Paul McCartney e Wings que marcaram sucessos de sua ex-banda, como Mandrake e os cubanos, Amores imperfeitos, Vou deixar e Mil acasos (e eu esperava mais ainda por isso).

Pois bem: Samuel voltou com um disco de MPB-pop. Ou de pop adulto contemporâneo com uma ou outra influência de rock dos anos 1960 e MPB das antigas. É o que – analisando bem – era mais provável que fosse acontecer, e era o que já dava para vislumbrar pelo single Segue o jogo.

Se tinha um lado do Skank que seria lembrado num eventual disco solo dele, seria o mais tranquilo: o de músicas como Balada do amor inabalável e Resposta. Por outro lado, falta uma pérola MPBística-rock-pop como Dois rios no disco. Os achados do álbum são bossas pop como Não tenha dó (essa, lembrando BASTANTE a Balada), Bela amiga (a faixa mais bonita do disco) e Segue o jogo, além do britpop anos 2020 Rio dentro do mar, e da disco music discreta de Flores da rua. Uma pista: segundo matéria do O Globo, uma playlist com bandas como Shins e Wilco rolou na época da elaboração do álbum.

Curiosamente, Rosa abre com duas canções que soam familiares para fãs antigos do Skank: o reggae folk Me dê você e o reggae brasileiríssimo Ciranda seca (Dinorah). A já citada Não tenha dó, por sua vez, ganha uma continuação na valsa-pop Aquela hora – parceria com Rodrigo Leão, e a música do disco que mais transparece influências de Lô Borges. Marcada por um pianinho suingado e de poucas notas na abertura, Tudo agora, por sua vez, parece uma sobra de discos mais recentes do Skank, como Velocia (2014).

No fim das contas, é um disco que reúne várias caras diferentes de sua ex-banda, e nem poderia ser diferente no caso de um grupo no qual o próprio Samuel era o maior arquiteto sonoro. Faz falta uma certa esquisitice (no bom sentido) que o Skank tinha, até mesmo quando estourava músicas em trilhas de novela ou levantava multidões.

Nota: 7
Gravadora: Sony

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