RESENHA: Os Doobie Brothers voltam com Walk this road, disco de rock adulto com pitadas de soul e country. Um disco digno e com boas surpresas.

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“Como é que é? Os Doobie Brothers ainda existem?”, você pode estar perguntando. Sim: eles existem ainda e são uma banda de discografia diminuta – em 55 anos de carreira, estão lançando seu décimo-sexto álbum, Walk this road, um álbum cuja argamassa inclui rock, blues, country e algo de soul. E estão com uma formação em que dois integrantes fundadores (Patrick Simmons e Tom Johnston) dividem espaço com dois “novatos” dos anos 1970 (Michael McDonald e John McFee, entrados em 1975 e 1979, respectivamente).

No novo disco, o DB só não se arriscou na seara da composição pop perfeita que rendeu faixas como What a fool believes. Walk this road é um disco de rock, decente e conciso, aberto com o “rock adulto” de Walk this road (com vocais da veterana cantora gospel Mavis Staples) e prosseguido com o country-rock fora da lei de Angels & mercy, o rock-soul de Call me (que, em tempos de Tinder e zapzap, fala sobre um sujeito que mantém um namoro por telefone). E, se você duvidava, o álbum tem também o yacht rock perfeito de Learn to let go – baladão de FM no esquema “lento demais para ser disco music” que marcou várias músicas do grupo.

Walk this road não tem nada brilhante na tradição de China grove, o que pode decepcionar alguns fãs – mas tem um rock do pântano na linha do Creedence Clearwater Revival, New Orleans, e boas declarações de princípios roqueiros em Here to stay e The kind that lasts. O flerte do grupo com o blue eyed soul de FM volta discretamente na mais ou menos boa Speed of pain. Já Lahaina, no final, ganha o ouvunte pela força e pela beleza: uma canção em homenagem à ilha de Maui, no Havaí, feita para arrecadar fundos paraa a região (que sofreu bastante com incêndios em 2023), com participações de Mick Fleetwood (Fleetwood Mac) e dos músicos havaianos Jake Shimabukuro e Henry Kapono.

No fim das contas, o mundo é mais feliz com os Doobie Brothers circulando nele – e com a certeza de que, quando a falta de inspiração bater, a banda vai dar um tempo dos estúdios, como de costume.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Rhino
Lançamento: 6 de junho de 2025.

RESENHA: Jade Bird encara desilusões, amores perdidos e traumas no disco Who wants to talk about love?, equilibrando tristeza, folk rock e soft rock.

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Quando a sambista Mart’nália gravou um disco de pagode anos 90, não faz muito tempo, declarou se sentir incomodada com as letras das canções: “Muito sofrimento! Essa turma nem tinha idade para sofrer tanto assim, eles eram muito jovens!”, chegou a afirmar. Já a britânica Jade Bird, 27 anos (e muito jovem), está mais ligada no quanto ela pode chegar a sofrer em sua idade por causa de amores perdidos e recordações bizarras da infância. Tanto que declarou ao New Musical Express que fez uma limpa no repertório de seu novo disco, o desencantado Who wants to talk about love?, e deixou várias músicas mais nervosas de fora.

“Eu não queria que a raiva fosse incluída. Eu tinha passado muito tempo com a raiva”, afirmou, dizendo também que pode ser que as músicas mais impetuosas planejadas para o disco surjam numa edição deluxe. Equilibrada entre estilos como soft rock e country, ela fez de Who wants to talk… um disco quase conceitual sobre o fim de um relacionamento que ela não percebia que estava inconscientemente terminando, e sobre os reencontros com ela mesma que foram acontecendo ao longo do caminho.

Muita coisa do repertório alude a monstros silenciosos que aparecem num relacionamento, como rola no folk rock rápido de Who wants, na raiva (sim, ela está lá) da balada Stick around, no desencanto do rock oitentista Nobody, no country rock sombrio de Einstein (“eu não sou detetive, não consigo encontrar minhas próprias chaves / mas acho que você parou de me amar”). Tem também o capotamento geral de Dreams, soft rock no qual dá para sentir a tristeza de Jade nos vocais (“é disso que os sonhos são feitos? / dirigindo em um lindo dia / enquanto você está caindo aos pedaços”) e a vulnerabilidade de Glad you did, na qual Jade diz se sentir uma pessoa que alguém deixou escapar.

Se for seguir o que Mart’Nália disse, Who wants tem tristeza demais para alguém que nem chegou aos 30 – sendo que boa parte dos discos mais desolados do pop foram feitos por autores e autoras que tinham se despedido da adolescência fazia poucos anos. E tudo bem. No caso de Jade, a tristeza invade vocais, algumas melodias e até mesmo a vontade de mudar tudo – como em Wish you well, na qual a personagem da canção quer mais é se livrar dos problemas que outra pessoa causa. Ouça quando nada puder te atingir.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Glassnote Music
Lançamento: 18 de julho de 2025

RESENHA: No álbum Air between us, o Coral Grief une dream pop e indie rock com lirismo e ironia à moda britânica, criando um retrato doce e crítico da Seattle pós-grunge.

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Tudo que o rock de Seattle precisava (e estou falando sério) era de uma banda local que tivesse um olhar quase britânico – irônico e contemplativo simultaneamente – para a cidade e sua música. Vindo justamente da terra do grunge, o trio Coral Grief explora tais possibilidades fazendo um som entre o dream pop e a agitação sonora dos filhos do Velvet Underground. Só que com rapidez e clima doce, este último garantido pelas tramas melódicas do grupo e pela voz de Lena Farr-Morrissey, cantora, baixista e letrista.

No disco Air between us, o Coral Grief não aponta para esqueletos dentro do armário nem para perguntas que a cidade precisa responder – mas faz questão de mostrar que quem não vai a Seattle desde a época em que Kurt Cobain mal tinha saído da vizinha Aberdeen vai ter que consultar o Guia Rex. Lembrando uma cruza de Stereolab e Joy Division, a banda fala das mudanças no maior distrito comercial da cidade (Avenue you), por exemplo. Também confessa que às vezes é duro encarar como até o lugar que você chama de “lar” é tão inconstante (a lenta e sonhadora balada Latitude).

• Ouvimos: Pixies – The night the zombies came
• Ouvimos: Stereolab – Instant holograms on metal film

O Coral Grief também queixa-se do fim da Everyday, uma das mais populares lojas de discos da cidade (na balada sonhadora Almost everyday), reclama que o comércio capitula diante do próprio capitalismo que o amamenta (Mutual wish, que lembra The Cure e a Legião Urbana do disco As quatro estações) e conceitualmente inicia o disco com uma balada dream pop que fala sobre como não podemos controlar nada (Starboard).

Musicalmente, o som do Stereolab parece uma grande referência para o grupo, em faixas como Air between us, a espacial Paint by number, a nostálgica Late bloomer e a bossa de gringo Outback. Como indie rockers militantes, deixam a sujeira tomar conta de vários momentos – Rockhounds tem cara de R.E.M. azedo e The landfall soa como um Pixies mais sonhador e introspectivo. Mas o principal para o Coral Grief é ser um contraponto à tristeza associada a Seattle – a capa traz o avô de Lena numa aventura radical, e o som promete esperança e entrega.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Suicide Squeeze Records.
Lançamento: 18 de junho de 2025