Cultura Pop
Qualidade na pirataria: dez bootlegs do selo Trademark Of Quality

Criado por dois hippies de Los Angeles em 1969, “Dub” Taylor e Ken Douglas, o selo Trademark Of Quality era uma piada já a partir do nome: os caras se especializaram em gravar bootlegs, discos pirataços com gravações feitas sigilosamente direto da mesa de som dos shows e distribuídas mais sigilosamente ainda. Foi dos arquivos do TMOQ, como o nome era abreviado, que saíram clássicos como “Great white wonder”, disco de Bob Dylan gravado em 1969 que é tido como o “primeiro LP pirata” (nada a ver: nos anos 1950 saíam gravações piratas até de trilhas de Hollywood) e “Who’s zoo” (1974), disco do The Who repleto de singles que nunca haviam sido lançados nos Estados Unidos – e que motivou o grupo a lançar a compilação “Odds & sods”, bem menos interessante que o piratão, que trazia até áudios de apresentações da banda em programas de TV.
O selo estabeleceu um padrão para gravações piratas, com suas capas “carimbadas” (o Who copiou esse visu no ao vivo “Live at Leeds”, de 1969) e, posteriormente, os desenhos de William Stout, que viraram clássicos. Stout ainda está por aí, frequenta muitos shows e tem até um site em que mostra suas obras. Já Ken, que hoje mora na Nova Zelândia, recorda histórias da pirataria num blog e foi entrevistado há algum tempo pela Vice.
Conheça abaixo dez clássicos da Trade Mark Of Quality – muitos deles são extremamente raros e vários têm uma ou outra música no YouTube.
“Great white wonder” – Bob Dylan (1969). Material gravado por Bob Dylan com a The Band em 1967 em seu “exílio”, após um acidente de moto, somado a gravações de 1971, outtakes e uma apresentação no programa de TV de Johnny Cash. Douglas e Dub ouviram essas músicas numa rádio que tinha adquirido cópias piratas em fita e decidiram prensar seus próprios LPs. Uma parte desse material sairia nos “Basement tapes”, de Dylan, em 1975. O disco saiu com um monte de variações do design em edições diferentes: capa toda branca sem carimbo, o carimbo do nome do LP à esquerda, ou à direita, ou ao centro.. (aqui tem uma reportagem bem legal do jornalista Alexandre Matias sobre o álbum).
“Live’r than you’ll ever be” – Rolling Stones (1969). O show inteiro dos Stones de 9 de novembro de 1969 em Oakland, Califórnia – esse disco é considerado o primeiro LP pirata gravado ao vivo de todos os tempos. Na época, fez sucesso, ganhou resenhas na mídia como se fosse lançamento oficial (Greil Marcus foi o responsável por escrever sobre ele na Rolling Stone) e teve várias prensagens. O sucesso incomodou Jagger, Richard e cia: o grupo resolveu lançar o souvenir de turnê “Get yer ya-ya’s out” para conter a pirataria.
https://www.youtube.com/watch?v=5Ki0hlzqG3k
“Live on Blueberry Hill”- Led Zeppelin (1970). Gravado em Los Angeles em 4 de setembro de 1970, trazia uma novidade que sairia só em 1975 no duplo “Physical graffiti”: a instrumental “Bron-Yr-Aur”. Vendeu bem, teve várias edições (até em CD, anos depois) e foi um dos discos piratas que irritaram bastante o empresário da banda, Peter Grant (que costumava entrar em lojas de discos e pegar na mão grande todo o material pirata do grupo que visse nelas).
“Golden eggs” – Yardbirds (1975). Só gravações do grupo no período em que Jimmy Page foi o guitarrista. Boa parte das músicas estava fora de catálogo há milênios, como “Steeled blues” (1965), que você ouve abaixo. O sucesso levou o selo a lançar uma continuação, “More golden eggs”, no mesmo ano.
“My god!” – Jethro Tull (1970). Apanhado de outtakes e faixas ao vivo que teve edições lançadas por outros selos piratas.
“Who’s zoo” – The Who (1974). Só músicas da banda que estavam fora de catálogo havia anos – inclusive o material do EP “Ready, Steady, Who!”, de 1966, e coisas que nem os fãs mais empedernidos do grupo deveriam lembrar na época, como o instrumental psicodélico “Waltz for a pig” e a versão do quarteto para o tema de “Batman”. A banda contra-atacou com a compilação “Odds and sods”, bem inferior ao pirata.
“Get back sessions” – Beatles (1970). O material dos Beatles gravado para o LP/filme “Let it be”. Teve um monte de edições, inclusive em CD.
https://www.youtube.com/watch?v=1cV02CLlatE
“Complete Christmas collection” – Beatles (1971). De 1963 e 1969, os Beatles gravaram, sem falhar nem um ano sequer, compactos especiais de Natal para seu fã-clube oficial. O TMOQ reuniu todos nesse LP.
https://www.youtube.com/watch?v=ymphhPS3CKA
“Pink Floyd live” – Pink Floyd (1970). Ao vivo no Civic Center, em Santa Monica, em meio à turnê de “Atom heart mother”, em 23 de outubro de 1970. Inicialmente, foi lançado apenas com quatro longas faixas. O material depois foi bastante expandido.
“Stairway to heaven” – Led Zeppelin (1971). Direto da turnê do “Led IV”, no dia primeiro de abril de 1971 no Paris Theatre em Londres. O show não está completo e a gravação foi tirada de uma transmissão de rádio.
“In 1966 there was…” – Bob Dylan (1970). Disco ao vivo gravado no Manchester Free Trade Hall (apesar de constar de algumas edições o aviso de que o show rolou no Royal Albert Hall). Foi a primeira turnê em que Dylan contou com uma banda “elétrica” em seu palco: os Hawks (depois The Band). A plateia, em alguns shows, não perdoou e brindou Dylan com acusações de trair o movimento folk (dá pra ouvir gritos de “Judas!” no disco).
Cultura Pop
Urgente!: O silêncio que Bruce Springsteen não quebrou

Tá aí o que muita gente queria: Bruce Springsteen vai lançar uma caixa com sete álbuns “perdidos”, nunca lançados oficialmente. O box vai se chamar Tracks II: The lost albums (é a continuidade de Tracks, caixa de 4 CDs lançada em 1998) e nasceu de uma limpeza que Bruce fez nos seus arquivos durante a pandemia. Pelo que se sabe até agora, o material inclui sobras das sessões de Born in the USA (1984) e gravações da fase eletrônica dele, no comecinho dos anos 1990 – inclusive um disco inteiro desse período, que nunca viu a luz do dia.
Essa notícia caiu nos sites na semana passada e trouxe de volta um detalhe que os fãs de Bruce já conhecem bem: ele tem muito material inédito guardado – e material bom. Em uma entrevista à Variety em 2017, ele mesmo comentou que sabia ter feito mais discos do que os que lançou, mas que havia motivos sérios para manter alguns deles nas gavetas.
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“Por que não lançamos esses discos? Não achei que fossem essenciais. Posso ter achado que eram bons, posso ter me divertido fazendo, e lançamos muitas dessas músicas em coleções de arquivo ao longo dos anos. Mas, durante toda a minha vida profissional, senti que liberava o que era essencial naquele momento. E, em troca, recebi uma definição muito precisa de quem eu era, o que eu queria fazer, sobre o que estava cantando”, disse na época (o link do papo tá aqui – é uma entrevista longa e bem legal).
Com o tempo, vários desses registros acabaram saindo em boxes e coletâneas. Um deles foi The ties that bind, um disco de pegada punk-power pop que seria lançado no Natal de 1979 – e que acabou virando uma espécie de esboço inicial do disco duplo The river, de 1980. Pelo menos saiu uma caixa em 2015 chamada The ties that bind: The River collection, com todo o material dessa época, inclusive o tal disco descartado (além de um material que formava quase um suposto disco de punk + power pop que teria sido abandonado).
Um texto publicado na newsletter do músico Giancarlo Rufatto recorda que Bruce infelizmente deixou de fora do novo box alguns álbuns que realmente mereciam ver a luz do dia. Um deles é um álbum solo (sem a E Street Band, enfim), com uma sonoridade country ’n soul, que foi gravado em 1981. Esse disco teria sido abandonado durante um período de depressão, que resultou em isolamento e na elaboração do disco cru Nebraska (1982), feito em casa com um gravador de quatro canais, só voz e violão.
Bruce até parece fazer referência a esse álbum perdido na entrevista da Variety. “Esse disco é influenciado pela música pop da Califórnia dos anos 70”, contou. “Glen Campbell, Jimmy Webb, Burt Bacharach, esse tipo de som. Não sei se as pessoas vão ouvir essas influências, mas era isso que eu tinha em mente. Isso me deu uma base pra criar, uma inspiração pra escrever. E também é um disco de cantor e compositor. Ele se conecta aos meus discos solo em termos de composição, mais Tunnel of love e Devils and dust, mas não é como eles. São apenas personagens diferentes vivendo suas vidas.”
Outro material bastante esperado pelos fãs – e que também não está na caixa – é o Electric Nebraska, a tentativa de Bruce de gravar com a E Street Band as músicas que acabaram no Nebraska. Nem ele, nem o empresário Jon Landau, nem os co-produtores Steven Van Zandt e Chuck Plotkin gostaram do resultado, e as gravações foram trancadas a sete chaves. Nem em bootlegs esse material apareceu até hoje. Pra você ter ideia, Glory days, que só sairia no Born in the USA (1984), chegou a ser ensaiada e gravada junto.
Quase todo mundo próximo a Bruce acredita que ele nunca vai lançar oficialmente essas gravações elétricas do Nebraska. Max Weinberg, baterista da E Street Band desde 1974 (com algumas pausas), confirmou a existência desse material em 2010, numa entrevista à Rolling Stone, e disse que adoraria ver tudo lançado.
“A E Street Band realmente gravou todo o Nebraska, e foi matador. Era tudo muito pesado. Por melhor que fosse, não era o que Bruce queria lançar. Existe um álbum completo do Nebraska, todas essas músicas estão prontas em algum lugar”, revelou. Bruce pode até guardar discos inteiros na gaveta, mas esse é um daqueles casos em que o silêncio guarda várias histórias – que podem render surpresas bem legais.
E ese aí é o lyric video de Rain in the river, uma das faixas programadas para Tracks II (a faixa sai num disco montado durante a elaboração do box, Perfect world).
Cultura Pop
Urgente!: Supergrass, Spielberg e um atalho recusado

Coisas que você descobre por acaso: numa conversa de WhatsApp com o amigo DJ Renato Lima, fiquei sabendo que, nos anos 1990, Steven Spielberg teve uma ideia bem louca. Ele queria reviver o espírito dos Monkees – não com uma nova versão da banda, como uma turma havia tentado sem sucesso nos anos 1980, mas com uma nova série de TV inspirada neles. E os escolhidos para isso? O Supergrass.
O trio britânico, que fez sucesso a reboque do britpop, estava em alta em 1995, quando lançou seu primeiro álbum, I should coco. Hits como Alright grudavam na mente, os vídeos eram cheios de energia, e Gaz Coombes, o vocalista, tinha cara de quem poderia muito bem ser um monkee da sua geração. Spielberg ouviu a banda por intermédio dos filhos, gostou e fez o convite.
Os ingleses foram até a Universal Studios para uma reunião com o diretor – com direito a recepção no rancho dele e papo sobre fase bem antigas da série televisiva Além da imaginação. O papo sobre a série, diz Coombes, foi proposital, porque a banda sacou logo onde aquilo poderia dar. “Talvez eu estivesse tentando antecipar a abordagem cafona que seria sugerida, tipo a banda morando junta como os Monkees”, contou Coombes à Louder, que publicou um texto sobre o assunto.
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A proposta era tentadora. Mas eles disseram não. “Foi lisonjeiro e muito legal, mas ficou óbvio para nós que não queríamos pegar esse atalho”, explicou o vocalista, afirmando ter pensado que aquilo poderia significar o fim do grupo. “Você pode acabar morrendo em um quarto de hotel ou algo assim, ou então a produção quer apenas um de nós para a próxima temporada. Foi muito engraçado, respeitosamente muito engraçado”.
O tempo passou. E agora, em 2025, I should coco completa 30 anos (mas já?). O Supergrass, que se separou no fim dos anos 2000, voltou para tocar o disco na íntegra e alguns hits em festivais como Glastonbury e Ilha de Wight.
Aqui, o trio no Glastonbury de 2022.
Foro: Keira Vallejo/Wikipedia
Crítica
Ouvimos: Lady Gaga, “Mayhem”

Tudo que é mais difícil de explicar, é mais complicado de entender – mesmo que as intenções sejam as melhores possíveis e haja um verniz cultural-intelectual robusto por trás. Isso vale até para desfiles de escolas de samba, quando a agremiação mais armada de referências bacanas e pesquisas exaustivas não vence, e ninguém entende o que aconteceu.
Carnaval, injustiças e polêmicas à parte, o novo Mayhem foi prometido desde o início como um retorno à fase “grêmio recreativo” de Lady Gaga. E sim, ele entrega o que promete: Gaga revisita sua era inicial, piscando para os fãs das antigas, trazendo clima de sortilégio no refrão do single Abracadabra (que remete ao começo do icônico hit Bad romance), e mergulhando de cabeça em synthpop, house music, boogie, ítalo-disco, pós-disco, rock, punk (por que não?) e outros estilos. Todas essas coisas juntas formam a Lady Gaga de 2025.
Algo vinha se perdendo ou sendo deixado de lado na carreira de Lady Gaga há algum tempo, e algo que sempre foi essencial nela: a capacidade de usar sua música e sua persona para comentar o próprio pop. David Bowie fazia isso o tempo todo – e ele, que praticamente paira como um santo padroeiro sobre Mayhem, é uma influência evidente em Vanish into you, uma das faixas que melhor representam o disco. Aqui, Gaga entrega dance music com alma roqueira, um baixo irresistível e um batidão que evoca tanto a fase noventista de Bowie quanto o synthpop dos anos 1980.
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Mais coisas foram sendo deixadas de lado na carreira dela que… Bom, sao coisas quase tão difíceis de explicar quanto as razões que levaram Gaga a criar um álbum considerado “difícil” como Artpop (2013), enquanto simultaneamente mergulhava no jazz com Tony Bennett e preparava-se para abraçar o soft rock no formidável Joanne (2016), um disco autorreferente que talvez tenha deixado os fãs da primeira fase perdidos. Em outro tempo, Madonna parecia autorizada a mudar como quisesse, mas quando Gaga fazia o mesmo, deixava no ar notas de desencontro e confusionismo. O pop mudou, as décadas passaram, o público mudou – e todas as certezas evaporaram.
É nesse cenário que Mayhem equilibra as coisas, entregando um pop dançante, consciente e orgulhoso de sua essência, mas ao mesmo tempo sombrio e marginal. Há momentos de caos organizado, como em Disease e Perfect celebrity – esta última começa soando como Nine Inch Nails, mas, se você mexer daqui e dali, pode até enxergar um nu-metal na estrutura. Killah traz uma eletrônica suja, um refrão meio soul, meio rock que caberia num disco do Aerosmith, enquanto Zombieboy aposta no pós-disco punk, evocando terror e êxtase na pista (por acaso, Gaga chegou a dizer que o disco tem influências de Radiohead, e confirmou o NiN como referência).
Na reta final, o álbum se aventura por outros terrenos: How bad do U want me e Don’t call tonight flertam com o pop dinamarquês dos anos 90 (e são, por sinal, as únicas faixas pouco inspiradas do disco); The beast tem cara de trilha sonora de comercial de cerveja; e Lovedrug mergulha na indefectível tendência soft rock que surge hoje em dia em dez entre dez discos pop. Essa faixa soa como um híbrido entre Fleetwood Mac e Roxette – como se Gaga estivesse pensando também na programação das rádios adultas de 2035.
O desfecho de Mayhem chega como um presente para o ouvinte: Blade of grass é uma balada melancólica de violão e piano, que ecoa tanto a tristeza folk dos anos 70 quanto a melancolia do ABBA, crescendo em inquietação à medida que avança. E então, como quem perde um pouco o tom, o álbum termina com… Die with a smile, a já conhecida balada country-soul gravada em parceria com Bruno Mars, lançada há tempos como single. Dentro do contexto do disco, ela soa mais como um apêndice do que como um encerramento – uma nota de rodapé onde se esperava um ponto final. Nada que chegue a atrapalhar a certeza de que Lady Gaga conseguiu, mais do que retornar ao passado, unir quase todos os seus fãs em Mayhem.
Nota: 8,5
Gravadora: Interscope
Lançamento: 7 de março de 2025.
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