Crítica
Ouvimos: Shakira, “Las mujeres ya no lloran”
- Las mujeres ya no lloran é o décimo-segundo disco de Shakira, o primeiro dela em sete anos, com letras primordialmente em espanhol. A própia Shakira fez a produção ao lado de mais de uma dezena de nomes. O produtor Bizarrap, o grupo mexicano Frontera, o porto-riquenao Rauw Alejandro e a rapper Cardi B estão entre os convidados.
- Shakira, você deve saber, inspirou-se nos últimos lances de seu casamento com o futebolista Gerard Piqué, de quem se separou após descobrir que estava sendo traída. O álbum vem sendo apresentado aos fãs há quase dois anos – em 21 de abril de 2022 saiu o primeiro single, Te felicito.
Existem milhões de “discos de separação” feitos por aí afora – quase todos, vale dizer, feitos por artistas homens, como Marvin Gaye, Arnaldo Baptista, Bob Dylan. Shakira decidiu fazer o seu álbum de fim de relacionamento com Las mujeres ya no lloran. O conceito do álbum é aparentemente bem mais heroico do que o de, por exemplo, Blood on the tracks, de Bob Dylan, já que Shakira decidiu botar o rancor e a raiva em suas novas músicas, mas transformar em diamantes (note a capa) tudo o que viveu de ruim em seu casamento.
Nas letras, Shakira cumprimenta o ex-marido por suas atuações dignas de um palco de terceira categoria (Te felicito), põe a culpa do fim do relacionamento na monotonia, mas faz questão de ressaltar que o ex estava “sempre em busca de destaque” e “esqueceu o que já fomos” (Monotonía), fala sobre um relacionamento tóxico em que os problemas são resolvidos na cama (Puntería, com Cardi B), mistura orgulho e saudades em La fuerte. Em Entre paréntesis, um quase-sertanejão com participação do Grupo Frontera, lança mão de um diálogo homem-mulher como o de Siga seu rumo, sucesso da dupla Pimpinela. TQG é provocação: Shakira avisa à nova namorada de seu ex-amor que ainda vem sendo procurada por ele.
Boa parte do material faz sentido quando colocado ao lado da recente declaração da cantora apelando para que a cultura pop “empodere as mulheres sem tirar dos homens a possibilidade de serem homens, de também proteger e prover” – o que significa que Gerard Piqué, jogador de futebol e o ex em questão, sai de Las mujeres ya no lloran mais chamuscado do que execrado, se você esperava por fofocas de quebrar o comércio e por um rancor de dar medo. Nessa área, tem Shakira: Bzrp Music Sessions, Vol. 53, aquela mesma música que quebrou recordes na internet e teve influência até no mercado de ações por causa de versos como “você trocou uma Ferrari por um Twingo” e “você trocou um Rolex por um Casio”.
Musicalmente, Las mujeres ya no lloran é uma mistura de batidões no estilo “só as melhores da Pan” nos anos 1990, sons lembrando house music, reggaeton, trap, um pouco de regional mexicano e até uma lembrança de We wiil rock you, do Queen, em Cómo dónde y cuando. Lá pelo final, uma violada latina e quase punk, El jefe, com a banda mexicana Fuerza Regida, fala mais do dia a dia do “colaborador” ferrado do que da ex-mulher traída, em versos como “tenho um chefe de merda que não me paga bem/chego andando e ele numa Mercedes-Benz/me tem como recruta/o filho da puta”. É uma das músicas de Las mujeres ya no lloran que você vai querer ouvir de novo.
Nota: 6,5
Gravadora: Sony Latina.
RESENHA: DJ Ramon Sucesso bomba com Sexta dos crias 2.0: dois sets longos que misturam funk, samples e ruídos num transe de baile entre arte e pancadão.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: Lugar Alto
Lançamento: 16 de janeiro de 2026
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O que mais tem é gente por aí tentando explicar o sucesso que (opa) o DJ Ramon Sucesso faz com seus lançamentos e mixagens – muita coisa aconteceu após ele se mostrar em vídeos na internet criando seus sets ao vivo. Sites como o Pitchfork e o Hearing Things já descobriram o som do carioca e fizeram análises detalhadas de discos como Sexta dos crias (2025) e este Sexta dos crias 2.0, que tem duas faixas enormes que mais parecem um Tales from topographic oceans dos bailes de favela (Rompendo o espaço-tempo e Distorcendo o universo, ambas de 17 minutos ou quase).
Na prática, são dois enormes sets com vários funks mixados, beats inseridos e aproveitamento de várias vozes diferentes, numa prática de sampling arrasa-quarteirão que (vá lá), às vezes tem mais proximidades com o art pop do que com o funk puro. Duas faixas, aliás, que se relacionam com os universos dos bailes e das antigas rádios de funk, com vinhetas-assinaturas e graves que distorcem tudo, mas quase promovendo uma hipnose em quem ouve, graças à sobreposição de vozes, beats e ruídos.
E deixando qualquer comentário-cabeça de lado numa hora dessas, vamos lá. Basicamente o som de Ramon Sucesso é definido por três palavras: beat, putaria e macumba. Se o próprio Milton Cunha define o desfile das escolas de samba na Sapucaí como uma enorme macumba, o beat do funk é porrada umbandista e celebração festeira-espiritual das melhores, com referência a passos de dança polêmicos e movimentos ágeis na pista de dança. Ramon não apenas sabe disso, como transforma Sexta dos crias num exorcismo sonoro daqueles.
(importante: se você se incomoda com esse tipo de letra, vale avisar que as palavras que começam com “p”, “b” e “x” são ponto, vírgula e dois pontos no disco todo).
O site Pitchfork diz que o som de Ramon em Sexta dos crias 2.0 está bem menos violento que a onda do mandelão (eletrofunk pesadíssimo que virou mania nos bailes). Não exatamente, porque a metralha sonora do mandelão brota por lá, e cercada de samples feitos com cuidado, sujeira sonora estratégica e vozes variadas. E no final de ambas as faixas, Ramon faz questão de celebrar o disco de vinil como o formato do DJ de funk por excelência (com direito a um simpático call to action: “quem estiver escutando me marca lá no instagram”). Ouça no último volume e perturbe os vizinhos.
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RESENHA: Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro documentam afetos e política em Handycam: tropicalismo, MPB 60s e indie psicodélico num álbum que vai da alegria à melancolia em minutos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Selo Risco
Lançamento: 1 de outubro de 2025
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Sabe as handycams? Aquelas câmeras (lançadas por uma certa marca que não patrocina o Pop Fantasma?) que vêm desde a era do VHS e têm uma baita portabilidade? E que por causa disso, servem para todos os momentos da vida (piqueniques, festas de família, reuniões de amigos no bar, levar pro trabalho para fazer imagens de alguma reunião, etc)?
Bom, merchans não pagos à parte, esse clima de “serve para todas as horas” toma conta do disco de Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro, que se chama justamente Handycam e é uma das boas surpresas do ano passado. As letras vêm do desejo da dupla de documentar afetos (como explicaram à revista Noize), mas com lápis, papel e instrumento musical em vez da câmera na mão. Mortes de amigos, amigos presentes, guerras, pensamentos do dia a dia, protestos, resistência palestina… tudo isso vai sendo transmitido pelas letras como se fossem vários eventos familiares interligados na mesma fita VHS.
Musicalmente, é um disco que vai da alegria à melancolia em poucos minutos. Handycam já começa com uma baita evocação de Secos & Molhados (a toada-soul moderna Nova era) e parte para a lembrança da MPB sessentista de Ohayo Saravá e Lungs full of air – essa, uma parente bem próxima do lado introspectivo de Jorge Ben, abrindo com violão e ganhando guitarra distorcida, percussão e baixo juntos, e clima psicodélico e tropicalista. Campo minado, por sua vez, parece voltar na segunda geração da bossa nova: tem muito de Edu Lobo, de Marcos Valle, tudo combinado com progressões musicais e com uma onda de forrock psicodélico, que vai se achegando.
As duas músicas com “cinema” no título voltam a trilhar Handycam no corredor do tropicalismo: Cinema total é uma toada bossa-folk que lembra a Rita Lee de Build up (1970), e Cinema brasileiro soa como um punk pop tropicalista, que junta Tom Zé, Jorge Ben, Tom Zé e Mundo Livre S/A. Rita Lee, por sinal, volta a ganhar lembranças em outros momentos de Handycam: uma dessas vezes rola em Canção de retorno, que une em sua estrutura histórias de ditadura na Síria e de cessar-fogo na Palestina, e traz elementos de Mutantes e Velvet Underground para emoldurar uma letra que fala na derrubada “das estátuas de um grande ditador”. Já Quantos serão no final traz lembranças das facetas mais pesadas do Tutti-Frutti, com um despojamento que aponta para os sons derretidos de King Gizzard e do começo do Tame Impala.
E se ainda houver tempo de um grande hit para Handycam, ele possivelmente vai surgir em Já não me sinto tão só (Para Júlia Zen), canção de amizade que tem muito das harmonias do pop brasileiro (Lulu Santos, Marina Lima). Se toda época tivesse sua fita VHS, Handycam já seria a que a gente rebobina para lembrar quem ainda somos.
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RESENHA: Samira Chamma mistura samba, rock e MPB em Estou viva: letras confessionais, ecos de Raul Seixas e Beatles, e arranjos que vão do forró ao blues.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 14 de novembro de 2025
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“Medo de fazer de conta / que o presente satisfaz / medo de pagar a conta / de uma vida que se esvai”, diz Samira Chamma na faixa de abertura de seu disco Estou viva, que se chama Coragem. O título da faixa, uma espécie de valsa-seresta, vem apenas como um recado, uma lembrança no fim da faixa, depois de um extenso inventário de temores nossos do dia a dia – numa brincadeira lírica que faz lembrar Sergio Sampaio e Raul Seixas.
- Ouvimos: Jay Som – Belong
Estou viva tem ligações fortes com o samba, mas não apenas não se prende ao estilo, como vai bem além dele – e em vários momentos Samira, como autora, apresenta um repertório que poderia estar sendo gravado por Ney Matogrosso. Rola em Digo sim, rock que bebe da fonte dos Beatles (faz lembrar Something, de George Harrison), e que surge como o “depois” da faixa anterior (“sabe, eu não sou mais a mesma de uns anos atrás / tô querendo abrir espaço / pros novos modos de pensar”). Mesma coisa na elegância blues-MPB de A tal intensidade, e no encontro entre Nordeste, música cigana e samba da faixa-título.
Com uma poética repleta de novos caminhos e de intuições bastante venturosas e comunicativas, Samira envereda pela mescla sinuosa de rock, funk e reggae em Fazer valer, faz samba devagar com peso no bumbo (à moda de Samba fatal, de Marcos Valle) em Bossa da prece, e traz outra referência beatle no rock-blues de Dançando na impermanência, que une lembranças de Rita Lee (na letra) e de She came in through the bathroom window, dos quatro de Liverpool, na melodia. Corações partidos e sentimentos vívidos, por sua vez, tomam conta do Samba da denúncia e do forró Sinto muito (Vivo).
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