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Les Rita Pavone: rock com inspirações cinematográficas

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Les Rita Pavone é uma banda do Pará, que se define como “uma família musical”, e que surgiu do encontro de estudantes universitários, fás de música e cinema. O nome pode provocar certa confusão com os fãs da veterana roqueira italiana Rita Pavone, mas aparentemente vai tudo bem entre eles e a cantora de Datemi un martello – com direito a tweet carinhoso da artista. O grupo encerrou o ano com um curioso single de Natal, Sinos de Balém, cujo título faz brincadeira com o nome da capital paraense. “A concreta e cobiçada Belém se transmuta na onírica e ostracizada Balém, nome fictício que desvela uma geografia afetiva desse território, feita de lama, pertencimento, desencontro e alguma esperança”, dizem eles, que soltaram o single pelo selo Maxilar, de Gabriel Thomaz (Autoramas).

Tem mais novidades da banda: o Les Rita Pavone acaba de lançar seu primeiro single de 2022, Sentimento do mundo (por sinal dez anos após o single de estreia). E está preparando um disco para sair ainda esse ano. A banda já teve várias formações e costuma fazer distinções entre integrantes orgânicos e “honorários”. Hoje, quem faz parte do grupo é o quinteto Gabriel Gaya (voz), Arthur da Silva (violão e voz), Helenio Cezar (baixo), Jimmy Góes (guitarra e voz) e Luiz Otavio (bateria). Gabriel, o vocalista, bateu um papo com a gente e contou essas e outras coisas (foto lá de cima de Gabriel Dietrich/Divulgação).

Conta um pouco para os nossos leitores como surgiu a banda. O fato de o grupo ter surgido numa faculdade, do encontro entre estudantes de cursos de humanas, deu uma cara diferente para as músicas do grupo?

O nome da banda e as primeiras composições mais consistentes do Les Rita surgiram em 2006 após o Rafael Alcântara (meu primeiro parceiro que depois adotou o nome artístico de Rafael Pavone) sair de uma banda chamada Maristela e a gente decidir começar a construir o repertório do Les Rita com outros parceiros, várias tentativas foram feitas até sair o primeiro single em 2012 e o primeiro show com banda no finalzinho de 2013.

A ideia de compor músicas e criar bandas imaginárias já orbitava a mente do nosso pequeno grupo na universidade desde nossa entrada em 2004 e com a ascensão da Internet ficou mais fácil ter acesso a muitas informações musicais que não seriam acessíveis sem ela, lembro que nessa época ter entrado em contato com a discografia dos Mutantes, Beatles, Júpiter Maçã, Pavement teve um grande impacto em mim particularmente. Acredito que o fato da gente ter se conhecido e formado a banda na universidade nos trouxe um caldo cultural muito importante que influenciou inclusive a escolha do nome da banda.

O quanto o cinema influencia as músicas de vocês? No caso de Sinos de Balém ela tem a maior cara de trilha de filme…

Nós frequentávamos muitos cineclubes então volta e meia essa influência aparece mas nem sempre de forma tão explícita como em Sinos de Balém (que tem referências claras de Amacord do Fellini e de Singing in the Rain, clássico de Gene Kelly) mas sim na forma de construir uma narrativa a partir de uma canção (Roberto e Erasmo Carlos também chamavam o estilo de composição deles de “cineminha” de construir as canções como um pequeno roteiro). Acredito que o cinema muitas vezes também pauta o interesse por música. Por exemplo muita coisa que eu conheci de música dos anos 60 conheci através das maravilhosas trilhas dos filmes do Wes Anderson.

O nome Les Rita Pavone não provoca confusões entre quem procura músicas da cantora italiana nas plataformas, não? Ela sabe do nome?

Volta e meia a gente recebia uma mensagem no Facebook de algum fã da Rita Pavone achando que a página era dela mas até que ultimamente não tem rolado. Uma vez fui a São Paulo e entreguei um CD-R demo pro Luiz Calanca (do lendário selo Baratos Afins) e ele me chamou a atenção dizendo que eu poderia ter problema com o nome. Parece que ele teve algum problema com a banda Necro de Maceió, homônima de um rapper americano. Porém sempre que o perfil oficial da Rita Pavone responde a gente no Twitter é falando coisas positivas como “o quanto é uma honra pra ela influenciar o nome de outros artistas”. Ou seja: não sei se ela (Rita Pavone) sabe da nossa existência, mas a assessoria dela com certeza sabe.

Les Rita Pavone: rock com inspirações cinematográficas

Aliás como surgiu a ideia desse nome?

Pois é, voltando aquele gancho da universidade durante uma aula de Antropologia entramos em contato com o conceito de “bricolage” que é algo como: “A união de vários elementos para formação de um elemento único e individualizado” Daí a partir disso tive a ideia de fazer a junção do nome Rita Pavone ao nome da banda da new wave francesa Les Rita Mitsouko que conheci através de uma versão que o Capital Inicial fez no começo dos anos 2000 da música Ces’t comme ça. É um nome que por vezes gera problemas na divulgação porém como não associa a gente a um gênero específico nos permite ter muita liberdade em relação a escolha de repertório.

Sinos de Balém é um single de Natal mas o Natal não aparece na letra. Como essa época do ano influenciou a letra?

Belém do Pará é muito associada a uma musicalidade alegre, festiva porém nessa época de fim do ano é especialmente chuvoso aqui, acho que inconscientemente a gente quis representar esse lado mais melancólico da cidade tudo isso misturado a nossa angústia pós adolescente na época (essa música foi composta em 2006) Eu acho que mesmo não estando presente na letra o arranjo acaba cumprindo o papel de dar conta dessa “vibe natalina”.

O que costuma influenciar as letras de vocês? A angústia de Sinos de Balém aparece em outras canções?

Acho que todo tipo de informação pode ser inspiração pra letras desde as mais cotidianas até trips mais abstratas/psicodélicas ultimamente até como exercício de composição venho tentado ser mais fonético que lírico (Tom Zé, David Byrne e Arnaldo Antunes são mestres nesse jogo). A angústia de Sinos de Balém talvez encontre pares principalmente nas nossas primeiras composições. Alguns títulos dessa época só pra exemplificar: Deveras puto, Homem nublado, Imperatriz distante. Mas posso lhe adiantar que em outras canções outro tipo de angústia pode vir a aparecer.

Aliás, esse período de pandemia acaba inspirando mais canções angustiadas, não? Ou dá para fugir um pouco disso?

No caso especifico do Les Rita a principal angústia é, por várias razões, ter pouco material lançado dentro de um acervo bem grande de composições então a pandemia meio que surgiu como esse choque de realidade, foi como um aviso pra gente do tipo: “Olha, a vida é frágil e se vocês não lançarem essas músicas vocês podem morrer e não deixar legado nenhum”.

Como apareceu o Maxilar na vida de vocês?

Essa história tem um longo preâmbulo.

Durante o começo da pandemia eu acompanhei regularmente algumas lives que o Gabriel Thomaz fazia (algumas contando as histórias dos discos do Autoramas, outras que ele fazia umas discotecagens junto com sua esposa Erika Martins) e principalmente nessas lives de discotecagem rolava uma vibe bem “boteco virtual” daí depois eu soube que o Gabriel e a Erika pegaram covid (e ele chegou até mesmo a ser internado em estado grave).

Quando ele saiu do hospital eu mandei uma mensagem pra ele comemorando a alta e como eu sei que ele é uma pessoa extremamente curiosa em relação a sons novos mandei primeiramente o EP Tese brega soul que é o material solo do Arthur da Silva (violonista, compositor e um dos vocalistas do Les Rita) que ele gostou muito e meio que preparou terreno pra quando eu mandei nosso single Eva . E foi justamente quando ele tava estruturando o selo Maxilar.

Ele gostou tanto do single que convidou a gente pra lançar nosso material por lá o que acabou rolando com Sinos de Balém. Outra coisa bacana é que tanto Eva quanto a música Melô da tese do Arthur concorreram na categoria Hit do Ano do Prêmio Gabriel Thomaz de Música Brasileira.

Quais são os planos para 2022?

Estamos entrando em estúdio a partir do dia 02 de fevereiro pra gravação do nosso primeiro disco, El baile rock. E acredito que vamos lançar bastante singles e alguns clipes desse material antes de lançar o disco cheio. Se a pandemia der uma trégua pretendemos fazer bastante shows em Belém e se for possível alguma coisa em outros estados mas o foco pra esse início de ano são as gravações pra abreviar cada vez mais nossos “jejuns fonográficos” até chegar ao ponto de realmente ter a necessidade de compor novas canções.

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Ouvimos: Starsailor, “Where the wild things grow”

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Ouvimos: Starsailor, "Where the wild things grow"
  • Where the wild things grow é o sexto disco da banda britânica Starsailor, formada desde o começo por James Walsh (voz e guitarra), James Stelfox (baixo), Barry Westhead (teclados) e Ben Byrne (bateria). É o segundo disco desde o retorno do grupo em 2014.
  • Walsh disse em entrevista que muito do material do disco vem de experiências recentes, como seu divórcio (ele se casou de novo depois). “Foi uma pequena janela de tempo em que eu não estava mais casado e não tinha outro relacionamento. Você se sente perdido, isolado e sem saber que caminho sua vida vai tomar agora”, diz.
  • Rick McNamara, guitarrista de uma banda britânica dez anos mais antiga que o Starsailor, o Embrace, produziu o álbum – já havia produzido All this life (2017), o anterior.
  • O Starsailor foi uma das últimas bandas produzidas pelo esquisitão Phil Spector, em algumas faixas do segundo disco, Silence is easy (2003). Quando Phil foi preso e condenado em 2009, a banda emitiu uma nota dizendo que Phil foi um produtor maravilhoso, mas os músicos admitiram que foram vítimas do gênio instável do sujeito, que passou algumas semanas fora e voltou “retraído e difícil de se comunicar”.

O Starsailor é considerado uma banda de pós-brit pop. Ou seja: é uma banda que serviu de ponte entre a movimentação roqueira da Inglaterra dos anos 1990, com todo aquele orgulho vindo da cool britannia, e o que veio depois.

Não por acaso, as bandas classificadas dessa forma são um pouco mais esclarecidas a respeito de assuntos como comercialização, influências do rock norte-americano, referências cênicas do circo pop. E quase todas (o Coldplay está bastante incluído nisso aí, assim como Keane e Snow Patrol) lidam com uma sensação de vazio, de tristeza e contemplação até mesmo quando falam de temas felizes. Detalhe: quase sempre lidam com uma sensação de maravilhamento que produz hits presentes até hoje no repertório de rádios de teor mais pop – mesmo não sendo clássicos como Oasis e Blur, são cachorros grandes do mercado, enfim.

O quarteto britânico não é tão conhecido no Brasil quanto seus pares. Where the wild things grow parte, musicalmente, de uma união entre o lado mais baladeiro do som britânico recente e o lado mais violeiro dos Rolling Stones – este último, matriz de músicas como o blues folk After the rain e a contemplativa Flowers. O mesmo lado contemplativo-maravilhado que deu origem a discos como Parachutes, estreia do Coldplay e a hits como Open you eyes, do Snow Patrol, é o que comanda músicas como a faixa-título, a balada-hino Better times e a delicada e grandiloquente Last shot, além de Hanging in the balance, canção de piano, violão e falsete.

Já a face mais roqueira e ruidosa surge em Into the wild, Heavyweight e na ágil Dead on the money, que lembra um Bon Jovi brit pop – e nisso não vai ironia nenhuma. O conteúdo das letras de Where the wild things grow, por sua vez, é contaminado de experiências reais, que vão desde as constatações pessoais vindas da pandemia, até o divórcio do vocalista James Walsh. Dead on the money fala do isolamento e da desesperança dos últimos anos, com os versos “estamos tentando construir uma vida com o que sobrou depois da tempestade/porque todo mundo quer saber as rachaduras do seu código secreto”.

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Ouvimos: Deize Tigrona, “Não tem rolé tranquilo”

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Ouvimos: Deize Tigrona, "Não tem rolê tranquilo"
  • Não tem rolé tranquilo é o novo álbum da funkeira carioca Deize Tigrona, que surgiu da ideia de fazer um EP especial para o Dia dos Namorados. “Por conta da turnê na Europa, não consegui lançar o EP, mas ainda na turnê eu escrevi Massagem“, contou ela à TAG revista, dizendo também que completou o repertório depois. A sacana 25 de abril foi, diz ela, inspirada “numa festa da São Paulo Fashion Week”.
  • Em 2009, após voltar de uma turnê, Deize começou a desenvolver depressão e se afastou da carreira, em meio a boatos. Depois foi voltando aos poucos. “A mídia criou uma história de que eu tinha medo de voar e de que eu tinha virado cristã”, contou em 2020 a O Globo.

Deize Tigrona manda bala num estilo novo de funk em seu novo álbum, Não tem rolé tranquilo: o existencialismo (altamente) sacana. Isso acontece em faixas como LSD, que mistura drogas, feminismo (“queria bater em todo homem/que tentou machucar você”), empoderamento, questionamentos pessoais (a parte em que Deize fala sobre cortar alimentos dá vontade de ouvir dez vezes). E ainda tem ele mesmo, o sexo. 25 de abril tem participação da banda neopsicodélica Boogarins, e basicamente é um funk distorcido, lisérgico e repleto de ruídos, com letra unindo fé, dia a dia de escolhas, ganhos e perdas, e sacanagem.

A faixa-título, com participação da produtora e DJ Badsista, tem batidão de dance music dos anos 1990 e uma letra que é pura filosofia de rua, num papo sobre enriquecimento, fazer o que tem que ser feito e não ficar na pista. A zoeira, sempre ela, manda bala no lado mais romântico (sério!) do álbum, no r&b Massagem (“não tem corda de alpinista/nos seus dedos eu vou voar”, cantada por ela com Larinhx) e na balada Prazer sou eu. E também no gangsta Bctinha ploc ploc e no funk anos 2000 Vilão.

Nota: 8
Gravadora: Independente.

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Ouvimos: Elbow, “Audio vertigo”

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Ouvimos: Elbow, "Audio vertigo"
  • Audio vertigo é o décimo álbum de estúdio da banda britânica Elbow, formada por Guy Garvey (voz), Craig Potter (teclados), Mark Potter (guitarra), Pete Turner (baixo) e Alex Reeves (bateria).
  • Guy, que também é radialista da BBC, diz que a ideia do novo disco é “não refletir, mas distrair as pessoas das coisas ruins que acontecem no mundo”.
  • Em entrevista ao New Musical Express, Guy disse que a diferença entre o novo disco e o anterior, Flying dream 1 (2021) é que este “foi feito em confinamento e foi muito gentil, melancólico e baseado na vida, na infância, nas memórias e na paternidade – todas essas coisas muito saudáveis”, enquanto o novo “é baseado no groove. Ele aborda alguns assuntos bastante completos e é muito divertido também”.

Muita coisa que você escuta nos discos do Elbow resolve-se pela combinação de influências dos discos de Peter Gabriel (grande referência nos vocais do cantor Guy Garvey) com novas referências que vão sendo acrescentadas a cada álbum. Mesmo com uma influência-mor dessas, nem sempre é uma receita muito atraente. Vários discos do Elbow parecem mais com algo prestes a acontecer, mas que não decola de vez – entre as exceções, o quase-clássico Cast of thousands (2003) e o recente Flying dream 1 (2021).

Audio vertigo põe um tantinho a mais de batidas e quebradas (de bateria e percussão, mesmo) no som do grupo. Não é o disco “com groove” do qual a banda falou em entrevistas, mas Guy e seus amigos voltam mostrando que ouviram Khruangbin, Black Country New Road, Black Midi e outras bandas que unem ousadia art rock, surpresas na melodia e no arranjo, e toques percussivos. Inclusive, abriram o álbum com um estranho indie-rock-soul, Things i’ve telling myself for years, seguindo com as batidas quebradas de Lovers’ leap, e o batidão funkeado, preguiçoso e sintetizado de Balu (um dos singles, e a melhor faixa do álbum).

É impossível classificar uma banda cabeçoide como o Elbow como “dançante”, mas eles se esforçam: deixam até entrever uma batida de samba aqui e ali, como na própria Lovers’ leap e numa parte curtíssima de Very heaven, levada adiante pelo diálogo entre baixo e bateria, e por toques simplificados de guitarra. Já Her to the heart  e Knife heart respondem pelo lado mais eminentemente influenciado por Peter Gabriel e Genesis, enquanto toques de stoner, post rock e até math rock aparecem em faixas como a agitada The picture, Poker face e Good blood Mexico city. Encerrando, tem From the river, bela, dançante e misteriosa como o rio com o qual Guy conversa na letra.

Nota: 7,5
Gravadora: Polydor

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