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Um papo com Cris Braun sobre disco novo, novos tempos, Rita Lee e David Bowie

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Cris Braun sempre foi uma artista identificada com a atitude e o som do glam rock  – desde a época em que era uma das integrantes do Sex Beatles, que gravou dois discos nos anos 1990 e ganhou até documentário. E a música de seu ex-grupo surge em Quase erótica, o quarto disco solo de Cris – sem contar Filme, feito em dupla com Dinho Zampier (2017).

Bastante conciso (são só 25 minutos), o álbum, lançado pelo selo Lab 344, abre e fecha com regravações de canções da banda (Tudo que você queria saber sobre si mesmo e E seu namorado também). E passeia por músicas que estavam na gaveta há alguns anos. em parceria com amigos como Alvin L, George Israel e Luciana Pestano.

Cris, que mora há alguns anos em Maceió (AL),  bateu um papo com a gente sobre o novo disco, sobre os novos tempos (para os quais deseja “mais vida, menos morte, menos esse urubu, esse negócio que paira sobre nós e que eu desejo que vá embora!”), sobre os 25 anos de seu primeiro álbum solo (a serem comemorados em 2022) e sobre influências marcantes em seu trabalho, como Rita Lee e David Bowie (cujo disco The rise and fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars é citado na canção Aprender).

A gente tá vivendo um tempo bem chato. Como é lançar um disco com o nome de Quase erótica, com o conteúdo que você botou nele, nessa época em que estamos vivendo, com essa turma estranha no poder? Você diria que o disco é um recado para algumas pessoas?

Nem eu sei! Bom, hoje eu sei… Sabe aquelas elaborações que você faz depois? Aí eu consegui chegar a uma frase sintética: “Mesmo que seja uma joke, uma brincadeira, mais eros e menos tanatos”. Acho que eu senti necessidade de ir lá no passado. Uma necessidade inconsciente, porque na coisa consciente é bem pensado mesmo. Era a coisa do “preciso revisitar minha carreira”. Fazendo uma coisa mais pop, procurando ali atrás, e eu também estava aprendendo a mexer no estúdio. Então tudo era mais lúdico, menos elaborado. E daí fui nessa, catei repertório do Sex Beatles, e algumas coisas minhas. Tudo ali é passado, menos Logado, que é uma música nova, fala até das relações dentro da internet, essas relações em que as pessoas estão separadas.

Ia até te perguntar a fonte das músicas, porque o disco abre e fecha com o Sex Beatles. Tem coisas ali que já fazem parte do seu trabalho, né?

Isso. Tem Logado, que é minha com Billy Brandão. Tem Invisíveis, que é minha com Luciana Pestano – lá do passado. E uma que fiz com George Israel, também lá do passado. Passado é isso mesmo, anos 1990 e poucos. Eu cheguei à conclusão que eu desejo mais eros, mas não no sentido erótico, convencional. É em todos os sentidos, mais vida, menos morte, menos esse urubu, esse negócio que paira sobre nós e que eu desejo que vá embora!

Aliás, o Marcelo Costa, do site Scream & Yell, disse que viu algo de Rita Lee no seu disco. Vi muito não só ela como também Ney Matogrosso. Invisíveis, imagino na voz dele. Tem uma onda sua de ter lembrado dele também?

Não, não, é tudo inconsciente. Mas com relação à Rita tem uma referência muito grande, porque o que eu busquei quando pensei em como iria soar… Eu não queria soar tão fechada nos anos 1980/1990. Eu queria abranger esses anos todos até agora mas principalmente nas psicodelias, nos anos 1970. Aí acho que a gente entra na onda da Rita, dos Mutantes, principalmente.

Sempre que eu sou pop – por mais que eu queira ser contemplativa, o que eu acho que até faço melhor do que pop – eu me lembro da Rita, como referência, como amor. Já cantei com ela, lembro que ela me convidou para cantar, olhou pra mim e disse: “Gente, é um filhote!” (rindo). Mas no Ney eu não pensei, agora que você falou eu vou escutar!

Aquela música Aprender fala do “lado B do Ziggy Stardust“. Qual a importância do David Bowie pro seu trabalho?

Bom, a letra é do Alvin L, mas acho que qualquer ser humano ligado ao rock, ao glam rock, ao teatro, ao visual – eu sou muito ligada nisso – e à música, tem ligação com Bowie. É como Rita, é pra onde eu olhava quando era mais nova, e o que me impressionava, musicalmente. Mas essa coisa da expressão, das vocação diversificada, essa coisa plural do Bowie… Isso tudo sempre me encantou. E a gente, no Sex Beatles, cantava alguma coisa dele. Fizemos uma versão de Heroes, que depois entrava em Roberto Carlos, uma coisa bem louca.

Era uma importância de informação, de intenção, de “ah, eu gosto dessa pessoa porque eu gosto do que ela veste, da maneira como ela aparece no palco, de como o palco aparece para ela, por fornecer essa quantidade de informações”. Os passeios musicais do Bowie! Semana passada eu estava ouvindo um dos marcos dele dos anos 1980, aquele disco com a capa colorida, florida, o Tonight (1987). Bicho, que isso? Isso é pop pra caralho (canta Tonight).

O seu disco novo é bem conciso, pouco mais de vinte minutos. O primeiro disco, o Cuidado com pessoas como eu, também já era, eram oito músicas. Como é investir num formato menor pra um LP? As pessoas têm a tendência de ver um disco com vinte e poucos minutos e falar que é um EP, mas não é, é um LP pequeno!

Eu sou muito sintética. Até em show! Começa a não fazer sentido. Mas como eu sou um ser humano que ainda gosta de fazer álbum, que faça um sentido, que as músicas tenham uma relação auditiva, melódica, de arranjo, de tudo… Um roteiro, mas não necessariamente de letras, pode ser de música. Eu tenho muita dificuldade de aumentar,. inclusive agora eu tenho novamente um problema na mão, já que preciso fazer um show e tenho 23 minutos (de disco). Vou ter que ser coerente com esse repertório e jogar lá para o show. Vai ser um show legal porque dá para fazer até num calçada, e plugar as coisas. Só uma metáfora para ilustrar a liberdade que eu tenho com o pop rock. Não preciso de luzes, de muito cenário, posso tocar em qualquer lugar.

Como ele foi gravado? Você disse que estava começando a usar o estúdio. Foi na sua casa?

Na minha casa, 98%, eu e Dinho Zampier que tem me acompanhado. Eu e ele só mandamos as faixas pro Jam da Silva (percussão) e pro Billy Brandão (guitarra e violão), que mandaram de volta. Bateria é tudo eletrônico. O Jair Donato mixou tudo perfeitamente. Foi tudo gravado no quarto da minha mãe! Ela nunca vem para cá e acabei ocupando o quarto. Montei o equipamento e usei a velha fórmula de botar colchão nas portas e cantar.

Você é daí de Alagoas e veio para o Rio? Qual sua relação com Alagoas?

Eu nasci em Porto Alegre, mas com 9 anos vim para Alagoas com minha família porque meu pai se mudou para cá para abrir um negócio. Eu fiquei aqui dos 9 aos 18. Aos 18 fui para o Rio, fiquei uns 26 anos aí. Meu pai teve problemas de saúde, que culminaram na sua partida. E fiquei por aqui. Sou filha única, fiquei por aqui. Minha residência fixa é aqui, onde estão meus cachorros. Quando dá, vou três, quatro, cinco vezes por ano pro Rio. Mas não tenho mais casa aí.

E como foi voltar a Alagoas e experimentar uma cena nova? Você mantinha contato com músicos daí?

Não, nada, nada. Cheguei e fui descobrindo, Um amigo jornalista, Fernando Coelho. que também é baterista, e sugeriu de montar uma banda aqui. E aqui tinha o Wado, também. A formação musical dele é aqui. Fui me juntando com essa galera. Agora tem uma cena bacana, os jovens tão fazendo coisa pra caramba. Essa geração entre 20 e 35 anos… Eles têm uma produção bem legal. Quando eu cheguei era um pouco menor. Parece que teve uma cena muito boa aqui durante os anos 1980, mas nessa época eu estava aí (no Rio). Então essa galera dos anos 1980, que as bandas foram se desfazendo, eu fui juntando e é minha tchurma daqui. Mas sempre tem meus queridinhos, que eu chamo para os discos. Reúno, faço ponte aérea.

Seu primeiro disco, Cuidado com pessoas como eu, faz 25 anos em 2022. Quais são suas lembranças daquela época?

25 anos? Gente, eu preciso que esse disco saia de novo! Eu não sabia disso. Eu preciso que ele vá pro Spotify, vou fazer isso. Ele se perdeu, só saiu em CD. Só dá para reproduzir a partir disso. Uma coisa meio louca, que ficou lá dentro daquelas fitas de rolo da Universal.

Foi uma época de transição interessante, porque eu saí do Sex Beatles e a Marina Lima me ligou e falou: “Quero que você seja a pessoa que vai inaugurar meu selo”. Era o Fullgás, que era o selo da Marina, que acabou sendo mais fugaz do que fullgás, já que só teve esse disco… Se não me engano foi uma coisa contratual dela com a Universal, de querer ter um selo, mas os tempos não permitiram que a coisa continuasse. Uma pena, porque a Marina é fantástica. Me deu muita força, não só por ser ela e por ter me abraçado ali. Me ensinou muita coisa naquele momento.

O que você aprendeu com ela?

Aprendi a me apropriar. Ela e o (produtor e músico) Nilo Romero me ensinaram isso, a me apropriar, a me aprofundar. Mesmo eu não sendo uma instrumentista da categoria altíssima da Marina, a não ficar ali só de diva que canta. Entender de tudo, entender de mim, entender o que está acontecendo, dar minha cara para as coisas. A colocar personalidade em tudo, principalmente isso. Ela me ensinou muito isso, a estar presente. Porque naquele momento era tudo glamour: “ah, Sex Beatles, e agora Cuidado com pessoas como eu, uma gravadora!”. Não, minha filha, é trabalho! Vai aprender a trabalhar! Enfim, me ensinaram a trabalhar (rindo).

E o que você tem ouvido ultimamente? Às vezes fico fuçando o que você ouve no Spotify e tem muita coisa de clássico, muita coisa experimental…

Bastante coisa experimental, clássica… Ricardo, isso me acalma. Eu sou uma pessoa nervosa. Eu posso estar no palco cantando rock, mas o tempo todo eu fico nervosa. Escuto muito música erudita, já tive um programa de rádio sobre isso… Tenho ouvido um cara chamado César Lacerda, que toca música brasileira, o cara é mineiro, tem umas harmonias lindas.

Nunca fui disso e não é birra minha, mas é difícil que uma unanimidade pop me agrade tanto quanto essa menina Marina Sena. Estou amando o som dela. Gosto do Helio Flanders, do Vanguart, da Letrux… Eu gosto de um cara muito louco chamado Madblush, ele é completamente Bowie. É gaúcho, até falo no nome dele no masculino porque perguntei para ele sobre isso. As letras são ótimas, os clipes, uma pérola pop. É meu pop mais louco ultimamente.

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Ouvimos: Paira, “EP01” (EP)

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Ouvimos: Paira, "EP01" (EP)
  • EP01 é o EP de estreia da dupla mineira Paira, formada por Clara Borges e André Pádua, com som girando em torno do drum’n bass e variações. A dupla cita também estilos como UK garage e breakcore.
  • O EP foi gravado de modo caseiro entre 2022 e 2024, com vocais gravados no Estúdio Cais em 2024, e tem “uma sonoridade que eu e a Clara vínhamos imaginando e construindo há anos, desde um pouco antes da pandemia pra ser exato, antes de ficarmos próximos. Há dois anos começamos a banda e foi ali que a coisa começou a tomar a cara que tem agora”, diz André.

Uma pena que o Paira tenha optado por estrear com um EP, e não com um álbum cheio após singles. O som do duo mineiro de rock alternativo e eletrônico chama a atenção pelas boas composições, pelo experimentalismo dosado com belas melodias e pelas letras, bastante poéticas. O disco abre com um drum’n’ bass frenético e pesado, Música lenta – e que curiosamente soa como uma espécie de punk bossa, com ruídos unidos a vocais doces.

O clima eletrônico e contemplativo prossegue em O fio, com linhas vocais sugerindo certa relação com o rock brasileiro dos anos 1990 (a lembrança são os vocais hiphoppeados de Chorão). E no dream pop eletroacústico de Leve e Como um rio, ambas sugerindo mansidão em títulos, letras e vozes, apesar do agito dos beats. É nesse clima ambíguo, entre tons pesados e delicadezas, que o disco se desenrola. Encerrando EP01, tem 19, um shoegaze que ganha batidas eletrônicas só do meio para o final, e destaca os vocais delicados de Clara Borges.

Nota: 8,5
Selo: Balaclava Records.

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Crítica

Ouvimos: Alan Vega, “Insurrection”

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Ouvimos: Alan Vega, "Insurrection"

Alan Vega e sua ex-banda Suicide não eram apenas “rock industrial”. Eram música infernal, mostrando para todos os ouvintes que situações assustadoras eram vividas não apenas em filmes de terror, mas no dia a dia. No contato com vizinhos perturbados, na violência nossa de cada dia, na vida fodida dos debandados do capitalismo – que é o verdadeiro assunto de Frankie Teardrop, música assustadora lançada no epônimo primeiro disco da dupla formada por ele e Martin Rev, de 1977.

Vega viveu no limite: antes do Suicide ter qualquer tipo de sucesso, passou fome e enfrentou dificuldades. No palco, era do tipo que se cortava e saía sangrando dos shows. Seu som sempre teve ideais radicais, inclusive politicamente – ele chegou a ser atacado pela polícia ao participar de passeatas, e o Suicide homenageou Che Guevara na música Che. Dos dois integrantes do Suicide, hoje só Martin Rev vive para perturbar os ouvidos dos outros com som pesado, distorcido e sintetizado. Alan, que prosseguiu por décadas como lenda viva do punk e da música eletrônica, lançando discos e fazendo exposições de arte, teve um derrame em 2012 e morreu durante o sono em 2016.

Seu material como compositor, ironicamente, devia bastante às raízes do rock, e à postura de “herói” do estilo. O novaiorquino Alan era fanático por Iggy Pop e Stooges, e seu vocal variava entre dois uivos – o de Elvis Presley, cujo visual inicial trabalhado-no-couro passou a imitar, e evidentemente o de Iggy. Os primeiros álbuns solo de Alan variavam entre o synth-pop nervoso e uma espécie de rockabilly aceleradíssimo e violento (o melhor exemplo é a estreia epônima de Vega, lançada em 1980). Não custa lembrar que o som do Suicide, de fato, chegou a impressionar até mesmo Bruce Springsteen, que já disse ser (pode acreditar) fã da dupla.

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Insurrection é uma coletânea de gravações inéditas que estavam no baú de Alan. São músicas industriais e infernais feitas no fim dos anos 1990, todas falando sobre morte, sofrimento e contagem de mortos como se fosse algo natural, do dia a dia – e pensando bem, olhando os jornais e andando pelas ruas, é meio isso. É “bom de ouvir” dependendo do seu humor: é o disco das dançantes e góticas Sewer e Crash, do synth pop monocórdico Invasion, do pesadelo selvagem Cyanide soul e do lamento sonoro (de quase dez minutos) de Murder one.

Mercy é um estranho e assustador pedido de clemência, falando em gritos, anjos sangrando e tempestades sombrias. E nessa música o vocal de Alan lembra de verdade o de Elvis Presley, o que soa mais estranho ainda. Os beats são dados por uma percussão intermitente e tribal, seguida por uma batida eletrônica mais próxima do “dançante”. Soa mais insociável do que qualquer coisa lançada pelo Ministry ou pelo Alien Sex Fiend, por exemplo. Chains soa como entrar numa bizarra ressonância magnética de distorção. E Fireballer spirit oferece a mesma sensação, só que acrescida de barulhos eletrônicos.

Nota: 7,5
Gravadora: In The Red

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Ouvimos: The Marías, “Submarine”

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Ouvimos: The Marías, "Submarine"
  • Submarine é o segundo álbum do The Marías, uma banda indie-pop de Los Angeles, formada pela cantora María Zardoya (que é portorriquenha criada na Georgia), pelo baterista e produtor Josh Conway, pelo guitarrista Jesse Perlman e pelo tecladista Edward James.
  • A banda começou a partir de um encontro entre María e Josh, numa casa de shows em Los Angeles – ela estave se apresentando e ele era o gerente. Começaram a compor juntos e iniciaram um namoro.
  • María era fã da cantora mexicana Selena quando adolescente, e conta que sua família estranhou quando ela decidiu cortar o cabelo muitos centímetros abaixo do normal. “Em Porto Rico todo mundo tem cabelo comprido. Quer dizer, é tudo uma questão de ir ao salão de beleza e fazer uma limpeza semanal. Mas eu queria mudar!”, disse aqui.

O nome “submarino” não é apenas figura de linguagem. A sonoridade do The Marías sugere mergulho sonoro, como se algo estivesse musicalmente submerso ou flutuando, graças ao tom dream pop das composições e da produção. É a onda deles em Submarine, disco tão luminoso musicalmente quanto angustiado nas letras (e em alguns vocais).

Como acontece em Paranoia, basicamente uma canção sobre falta de comunicação num relacionamento marcado por grilo em cima de grilo (“sua paranoia é irritante/agora tudo que eu quero fazer é fugir”). O hit Run your mouth, indie pop dançante e repleto de synths e linhas de baixo sintetizado, mostra a cantora Maria Zardoya irritada com a verborragia e o narcisismo de algum relacionamento: “você só me chama quando eu estou distante/sempre fala demais/e eu não quero ouvir”. Esse tom dramático (e meio enjoativo, às vezes) dá mais as caras nas canções em espanhol do disco, Lejos de ti e Ay no puedo.

O poder de atração de Submarine rola na combinação de vocais doces, sintetizadores e batidas, além de letras que sugerem frustrações com alguma falha na comunicação – e que dominam o álbum. Tipo em Real life, synth pop abolerado cuja letra mistura conversas pelo FaceTime, traições, mentiras e vontade de transar. Vicious sensitive robot lembra um Radiohead mais pop, ou uma mescla de Thom Yorke com Sade Adu – se é que isso é possível.

O baião-drum’n bass Hamptons parece um filme de Pedro Almodóvar e não é à toa, em se tratando de uma banda que já lançou uma música chamada Hable com ella. O tema dos relacionamentos virtuais que trazem frustração atrás de frustração reaparece na baladinha No one noticed. Nem tudo é tão brilhante em Submarine, mas as surpresas são muitas.

Nota: 7,5
Gravadora: Nice Life/Atlantic

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