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Cultura Pop

Trinta coisas que você já sabia sobre o rooftop concert dos Beatles

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Trinta coisas que você já sabia sobre o rooftop concert dos Beatles

“It was 51 years ago today” (“Faz 51 anos hoje”). A data não é redonda, mas quem se importa? O dia 30 de janeiro de 1969, uma quinta-feira (assim como amanhã), entra para a história como o dia da última apresentação ao vivo dos Beatles. O chamado rooftop concert, que tem esse nome porque foi dado no terraço da gravadora Apple.

https://www.youtube.com/watch?v=0MlWejJa6Aw&list=PL_1oLkalvMi6WoLznUxg9D46q3H5ojpUf

Não é exatamente um “show”, na verdade eles tocam as músicas que vinham ensaiando. Para homenagear a data, separamos trinta coisas que você provavelmente até já sabia sobre o show (mas vai que você não sabia de alguma coisa…). E para quem gosta de fatos minuto a minuto, todos eles aparecem na ordem cronológica.

1. A ideia inicial surge na segunda metade de 1968: um show grandioso marcando a volta dos Beatles aos palcos, depois de cerca de dois anos de ausência, um show beneficente que seria veiculado pela TV.

2. O lance avança depois que Paul fica inspirado por um documentário de Picasso onde o famoso pintor aparece fazendo uma tela diante das câmeras e sugere que o mesmo poderia ser feito com seu grupo. Pensando em entusiasmar a galera da banda com um novo projeto, ele propõe que sejam filmados criando, ensaiando (uma coisa mais rock raiz, ao contrário das colagens sonoras e sobreposições de instrumentos que marca discos anteriores como Revolver e Sgt. Pepper’s), depois gravando as músicas ao vivo diante de uma plateia e lançar isso.

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https://www.youtube.com/watch?v=5MaFf8pyrZk

3. Até 1968, ninguém havia feito isso antes: um disco ao vivo só de músicas inéditas.

4. O diretor convidado é Michael Lindsay-Hogg, que já tinha feito o Rock and roll circus dos Rolling Stones e filmes promocionais dos Beatles como Hey Jude e Revolution.

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5. Começam no dia 2 de janeiro em um estúdio de cinema chamado Twickenham, em Londres. Os planos de Lindsay-Hogg não são pequenos: ele sonha com um show em um anfiteatro romano ou em um deserto, com plateia de várias nacionalidades, raças e credos.

https://www.youtube.com/watch?v=vX6XVePyG-M

6. John chega a pontuar que nunca tiveram que preparar tantas músicas em um espaço de tempo tão curto.

7. Nada é gravado oficialmente no estúdio de cinema, só o áudio das câmeras capturando os ensaios para o documentário.

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8. Esse material acaba servindo de base para um sem número de bootlegs (os antigos discos piratas, itens de fã-clubes com ensaios ou shows) que surgem a partir daí.

9. Os Beatles aparecem tocando, além das músicas novas, covers das antigas, de Elvis, Dylan, Buddy Holly.

10. Eles tocam ainda She came in through the bathroom window, Oh darling, Maxwell silver hammer e Something, que só iriam aparecer depois, no disco seguinte Abbey Road.

11. Também rolam músicas que só seriam gravadas nas carreiras solo, como Gimme some truth e Child of nature (que depois vira Jealous guy) de John Lennon; Back seat of my car, Teddy boy e Another day de Paul McCartney; e All things must pass de George Harrison, entre outras.

12. Mas nada acaba ficando muito bem acabado, o clima do estúdio também não ajuda. É clássica a declaração de John, de que “não dá para se fazer boa música às oito da manhã, com pessoas te filmando e luzes coloridas em volta”.

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13. É clássica a briga entre Paul e George, flagrada pelas câmeras, que acaba com George resmungando ironicamente “se você não quiser eu não toco… faço qualquer coisa pra te agradar”.

14. Harrison acaba dando mesmo uma vazada da banda nesse período, uns três dias depois desse barraco com Paul – o que se diz, fato nunca comprovado, é que ele teria trocado socos com John no estúdio.

15. Os Beatles então partem para uma sala na Apple, onde se sentem mais em casa.

16. George chama o tecladista Billy Preston, gente boa e que bota panos quentes nas tensões.

17. Até que, no dia 30 de janeiro de 1969, uma quinta-feira, os Beatles sobem no telhado e tocam para uma plateia formada pelo staff da Apple, jornalistas e passantes em geral da localidade.

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18. O show dura 42 minutos. No filme Let it be aparece cerca de metade da apresentação.

19. Tudo é gravado em oito pistas pelo célebre engenheiro de som Glyn Johns lá embaixo no prédio, e por isso ele não é uma testemunha ocular do show. Alan Parsons está com ele como assistente.

20. Os Beatles tocam pela hora do almoço de um dia frio pacas e ventando muito. O casacão vermelho que Ringo usa é emprestado da mulher, Maureen, e o de pele que John aparece usando é emprestado da Yoko Ono (George também usa um casaco de peles na ocasião).

21. Dá para ouvir o som lá de baixo, e logo começa a juntar uma galera, que mal consegue ver os Beatles tocando no topo do prédio.

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22. É um bairro chique, repleto de ateliês de alfaiates, que reclamam da imposição sonora promovida pelo grupo. E a polícia chega depois de uma denúncia de quebra da sagrada lei do silêncio, mas ninguém vai preso.

23. Ringo reclama que gostaria de ter sido tirado dos tambores à força pelos policiais, que são muito educados ao pedirem o fim do som.

24. Os Beatles tocam Get back, Don’t let me down, I’ve got a feeling, The one after 909, Dig a pony (com direito a um assistente segurando a letra para John, que ainda não está muito familiarizado com ela, conforme se vê no filme Let it be).

25. Eles repetem I’ve got a feeling, Don’t let me down e Get back, esta última tocada de maneira meio displicente por causa da chegada dos homens da polícia.

26. Nenhuma música do Harrison é tocada, registre-se.

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27. A apresentação fica conhecida como “the rooftop concert” (“o concerto do telhado”).

28. No telhado, eles são filmados por cinco câmeras, além de outras câmeras pelas ruas capturando a reação das pessoas.

29. No dia seguinte, 31 de janeiro de 1969, os Beatles são filmados tocando novamente, desta vez dentro da Apple, as músicas Let it be, The long and winding road e Two of us.

https://www.youtube.com/watch?v=MPrQwAQE44s

30. John encerra a performance com mais uma tirada clássica: “Queria agradecer em meu nome e do grupo, espero que a gente tenha passado no teste…!”.

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Cinema

Mulheres do punk no Reino Unido, em documentário

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Mulheres do punk no Reino Unido, em documentário

Se você só tiver tempo de ver UM filme sobre música em algum momento do dia de hoje, veja este. She’s a punk rocker UK é um filme ultra-hiper-independente, dirigido durante vários anos por Zillah Minx, a vocalista do grupo gótico-anarco-punk Rubella Ballet, e que conta a história do punk feito por mulheres no Reino Unido. Entre as fontes, tem gente muito conhecida, como Poly Styrene (X-Ray Spex) e Eve Libertine (Crass).

No filme, dá pra ver também os depoimentos de nomes como Caroline Coon, que durante um tempinho foi empresária do Clash e trabalhou com a banda num especial período de confusão – quando a banda ainda era um incompreendido nome da CBS britânica que não conseguia estourar nos Estados Unidos de jeito nenhum (opa, fizemos um podcast sobre isso).

Um depoimento interessante é o de Mary, uma punk veterana que trabalhou por uns tempos como segurança de Poly Styrene, cantora do X-Ray Spex. Tanto ela quanto Poly lembram que o  público dos shows era meio violento em alguns lugares – com “fãs” jogando cerveja e cuspindo na plateia para demonstrar que estavam gostando da apresentação (era comum). Logo no começo do documentário, entrevistadas como Rachel Minx (também do Rubella Ballet) contam que nem tinham uma ideia exata de que elas eram punks quando começaram a adotar o visual típico do estilo – roupas rasgadas, maquiagem, reaproveitamento de peças usadas. Em vários casos, a ideia era se vestir diferente porque todas começaram a produzir suas próprias roupas – e a moda se refletia na música, nas letras e no comportamento.

A própria Zillah é uma figura importante e pouco citada do estilo musical, e viveu o estilo de vida punk antes mesmo dos Sex Pistols começarem a fazer sucesso. O filme dela  foi feito inicialmente com uma câmera emprestada e precisou passar por vários processos de edição durante vários anos. Apoiando o Patreon do projeto, aliás, você consegue ter acesso às integras de todas as entrevistas.

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Ela disse nesse papo aqui que foi aprendendo a fazer tudo sozinha, sem nenhum financiamento, com a ideia de responder algumas perguntas sobre a presença feminina no punk britânico. “Ser punk era perigoso, então por que tantas mulheres se tornaram punks? Foi apenas sobre vestir-se escandalosamente? Essas mulheres punk foram tratadas como membros iguais da subcultura e como foram tratadas pelo resto da sociedade? Como ser uma mulher punk afetou suas vidas? A mulher punk influenciou diretamente as atitudes da sociedade em relação às mulheres de hoje?”, disse.

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Cultura Pop

E os 30 anos de The End Of Silence, da Rollins Band?

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A relação de Henry Rollins com a Imago Records – selo que contratou sua Rollins Band no começo nos anos 1990 – acabou em briga. A gravadora e o cantor brigaram nos tribunais por alguns anos. Rollins havia recém mudado para a DreamWorks e era acusado de “quebra de contrato” e de ter mudado de selo por ter sido induzido pela nova casa. O artista alegava fraude e coerção econômica, e reclamava que a Imago tratava seus contratados como se fossem “bens móveis”. Com a mudança, algumas novidades aconteceram na vida do cantor, que chegou a ser fotografado jantando com Madonna (interessadíssima em levá-lo para seu selo Maverick) e deu margem até a boatos de um caso amoroso.

O surgimento de Rollins no mainstream, por outro lado, foi bem mais ameno – embora não menos cheio de trabalho e movimentações. Após alguns anos liderando o Black Flag, e sendo uma das figuras proeminentes do punk californiano, ele havia iniciado uma carreira solo com o álbum  Hot animal machine (1987), um precursor da Rollins Band, lançado pelo selo indie Texas Hotel, ao mesmo tempo em que mantinha carreira paralela como escritor e poeta, e gravava desconcertantes discos de spoken word, com seus textos biográficos e tristes – alguns deles escancarando a porta da misantropia.

Sua Rollins Band começou a ser tramada nessa época, e seria um projeto único: com o fortão Rollins à frente, bancando o herói punk californiano, o grupo daria passos além do punk, tocando uma mistura de metal (numa onda pré-stoner) e jazz rock, descambando para o noise rock e para as influências de grupos como Swans, Suicide e Velvet Underground. A política de Rollins, na hora de fazer as letras, era a da superação, do exorcismo de antigos fantasmas, do fim do silêncio em relação à opressão.

Lançado com uma turnê em que a Rollins Band abria para os Red Hot Chili Peppers, o trintão The end of silence, terceiro disco do grupo, chegou às lojas em 25 de fevereiro de 1992, já pela Imago, selo montado por Terry Ellis, fundador da gravadora Chrysalis. O disco abria direto com Rollins aconselhando o ouvinte e analisando detalhadamente a alienação e o autoabandono (Low self opinion).

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O cantor, que sofrera com pais abusivos e espancamentos nos tempos de escola, dava conselhos a si mesmo em Grip (“quando essas paredes se fecham ao seu redor/quando todos duvidam de você/quando o mundo pode viver sem você/mantenha-se no controle”). Comentava sobre relacionamentos que acabam em abandono, nas letras de You didn’t need e Tearing. Aos berros, narrava um encontro com seu pai, que costumava espancá-lo na infância, em Just like you.

The end of silence não é um disco agradável. Não que seja um disco ruim, mas ele soa pesado e desconfortável em vários momentos. A atmosfera é extremamente sombria. Rollins era acompanhado por um time de supermúsicos: Chris Haskett (guitarra), Sim Cain (bateria) e Andrew Weiss (baixo). Ao contrário de qualquer disco punk que você possa imaginar, as músicas são quilométricas. O álbum original dura 72 minutos, até mesmo no vinil. Blues jam, faixa de mais de onze minutos, foi tão improvisada em estúdio, até mesmo por Rollins, que sua letra nem sequer aparece no encarte.

Os shows, por sua vez, assustavam: enorme e tatuado, Rollins se movia pelo palco com uma fúria descomunal, impressionando desde novos fãs até gente bem experiente, como Wayne Kramer, do MC5, com quem o cantor chegou a trocar correspondência durante vários anos. O cantor era constantemente chamado para participar de programas da MTV, e acabou conseguindo até mesmo um papel no filme cyberpunk Johnny Mnemonic, de Robert Longo (1995).

Era de fato, o fim do silêncio para um dos maiores nomes do punk americano, cujo próximo passo musical com a Rollins Band seria o disco Weight (1994), um álbum bem mais sacolejante e de canções mais curtas – e nem por isso menos furioso, graças a músicas como Disconnect, Shine (uma canção anti-suicídio, lançada por acaso no mês de morte de Kurt Cobain) e Divine object of hatred. Pena que a discografia de Rollins hoje em dia não esteja nas plataformas digitais.

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Cinema

Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

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Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

Som alucinante, filme de Guga de Oliveira (irmão de Boni, ex-todo poderoso da Rede Globo), lançado nos cinemas em 1971, apareceu pela primeira vez na íntegra no YouTube há poucos dias. O filme traz um apanhado de shows do programa Som Livre Exportação, musical exibido pela Rede Globo entre 1970 e 1971. A produção foi feita no espírito do filme do festival de Woodstock, de Michael Wadleigh, com shows misturados a entrevistas com artistas, músicos, a equipe técnica tanto do festival quanto do filme, e com pessoas da plateia.

Logo no começo, o radialista paulistano Walter Silva (o popular Pica-Pau) resolve perguntar a uma mulher da plateia o que ela espera encontrar no show. Como resposta, recebe risos e um “ah, sei lá, dizem que tá bacana, né?”. Bom, de fato, o formato de festival não competitivo – ou de pacote de shows – ainda não era das coisas mais conhecidas aqui no Brasil.

Tudo ali era meio novidade, tanto o fato de tantos nomes estarem reunidos num mesmo evento, quanto o fato de vários nomes “alternativos”, de uma hora para outra, terem virado grandes atrações de um programa da Globo: Ivan Lins (em ascensão e fazendo seu primeiro show em São Paulo), Gonzaguinha, Mutantes, A Bolha, Ademir Lemos e até um deslocadíssimo grupo americano chamado Human Race – que apresentou uma cover de Paranoid, do Grand Funk. Para contrabalancear e garantir mais audiência ao programa, Elis Regina, Wilson Simonal e Roberto Carlos participaram da temporada de 1971 da atração (que mesmo assim continuou sem audiência, mas com sucesso de crítica). O show levado ao ar nessa temporada serviu de fonte para o documentário.

O que mais chama a atenção em Som alucinante, na real, não é nem mesmo a música. Bom, e isso ainda que o filme apresente uma entrevista bem interessante com um iniciante Gonzaguinha (que faz um excelente discurso sobre “não pensar no mercado e ser você mesmo”), uma Rita Lee aparentemente em órbita falando sobre “é bom ganhar dinheiro com o que se faz, né?”, Mutantes tocando José e Ando meio desligado, A Bolha tocando o gospel-lisérgico Matermatéria, Elis Regina dividindo-se entre os papéis de cantora e mestra de cerimônia. E também várias entrevistas com Milton Nascimento que não vão adiante, de tão constrangido que o cantor estava.

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O mais maluco no filme é que a plateia desmaia, e o tempo todo (!). Os fãs começam a empurrar uns aos outros e num determinado momento, a solução da produção é convidar os que estavam em maior situação de vulnerabilidade para subir no palco. Numa cena, um policial carrega uma garota desmaiada e ele próprio quase toma um estabaco.

Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

Companhias indesejáveis na plateia do Som Livre Exportação

Em outro momento, os fãs são puxados ao palco por policiais e pessoas da produção com uma tal intensidade, que aquilo fica parecendo uma tragédia bíblica. Ou um evento que estava mais para Altamont do que para Woodstock, porque era evidente que aquilo estava ficando perigoso. Especialmente porque militares circulavam na plateia e aparecem, em determinados momentos, atrás do palco, o que já explica todo aquele estresse.

Ah, sim a parte do “nós estamos todos reunidos nessa grande festa”, dos Mutantes (que aparece no documentário Loki?, sobre Arnaldo Baptista) foi tirada de Som alucinante. E pelo menos um crítico do Jornal do Brasil, Alberto Shatovsky, detestou a linguagem “moderna” do filme.

A sequência de Roberto Carlos no filme.

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E se você não reconheceu o sujeito de bigodes e cabelo black que aparece em alguns momentos no filme, é o Ademir Lemos, do Rap da rapa (lembra?). Era um dos apresentadores do Som Livre Exportação.

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