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Cultura Pop

Trinta coisas que você já sabia sobre o rooftop concert dos Beatles

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Trinta coisas que você já sabia sobre o rooftop concert dos Beatles

“It was 51 years ago today” (“Faz 51 anos hoje”). A data não é redonda, mas quem se importa? O dia 30 de janeiro de 1969, uma quinta-feira (assim como amanhã), entra para a história como o dia da última apresentação ao vivo dos Beatles. O chamado rooftop concert, que tem esse nome porque foi dado no terraço da gravadora Apple.

https://www.youtube.com/watch?v=0MlWejJa6Aw&list=PL_1oLkalvMi6WoLznUxg9D46q3H5ojpUf

Não é exatamente um “show”, na verdade eles tocam as músicas que vinham ensaiando. Para homenagear a data, separamos trinta coisas que você provavelmente até já sabia sobre o show (mas vai que você não sabia de alguma coisa…). E para quem gosta de fatos minuto a minuto, todos eles aparecem na ordem cronológica.

1. A ideia inicial surge na segunda metade de 1968: um show grandioso marcando a volta dos Beatles aos palcos, depois de cerca de dois anos de ausência, um show beneficente que seria veiculado pela TV.

2. O lance avança depois que Paul fica inspirado por um documentário de Picasso onde o famoso pintor aparece fazendo uma tela diante das câmeras e sugere que o mesmo poderia ser feito com seu grupo. Pensando em entusiasmar a galera da banda com um novo projeto, ele propõe que sejam filmados criando, ensaiando (uma coisa mais rock raiz, ao contrário das colagens sonoras e sobreposições de instrumentos que marca discos anteriores como Revolver e Sgt. Pepper’s), depois gravando as músicas ao vivo diante de uma plateia e lançar isso.

https://www.youtube.com/watch?v=5MaFf8pyrZk

3. Até 1968, ninguém havia feito isso antes: um disco ao vivo só de músicas inéditas.

4. O diretor convidado é Michael Lindsay-Hogg, que já tinha feito o Rock and roll circus dos Rolling Stones e filmes promocionais dos Beatles como Hey Jude e Revolution.

5. Começam no dia 2 de janeiro em um estúdio de cinema chamado Twickenham, em Londres. Os planos de Lindsay-Hogg não são pequenos: ele sonha com um show em um anfiteatro romano ou em um deserto, com plateia de várias nacionalidades, raças e credos.

https://www.youtube.com/watch?v=vX6XVePyG-M

6. John chega a pontuar que nunca tiveram que preparar tantas músicas em um espaço de tempo tão curto.

7. Nada é gravado oficialmente no estúdio de cinema, só o áudio das câmeras capturando os ensaios para o documentário.

8. Esse material acaba servindo de base para um sem número de bootlegs (os antigos discos piratas, itens de fã-clubes com ensaios ou shows) que surgem a partir daí.

9. Os Beatles aparecem tocando, além das músicas novas, covers das antigas, de Elvis, Dylan, Buddy Holly.

10. Eles tocam ainda She came in through the bathroom window, Oh darling, Maxwell silver hammer e Something, que só iriam aparecer depois, no disco seguinte Abbey Road.

11. Também rolam músicas que só seriam gravadas nas carreiras solo, como Gimme some truth e Child of nature (que depois vira Jealous guy) de John Lennon; Back seat of my car, Teddy boy e Another day de Paul McCartney; e All things must pass de George Harrison, entre outras.

12. Mas nada acaba ficando muito bem acabado, o clima do estúdio também não ajuda. É clássica a declaração de John, de que “não dá para se fazer boa música às oito da manhã, com pessoas te filmando e luzes coloridas em volta”.

13. É clássica a briga entre Paul e George, flagrada pelas câmeras, que acaba com George resmungando ironicamente “se você não quiser eu não toco… faço qualquer coisa pra te agradar”.

14. Harrison acaba dando mesmo uma vazada da banda nesse período, uns três dias depois desse barraco com Paul – o que se diz, fato nunca comprovado, é que ele teria trocado socos com John no estúdio.

15. Os Beatles então partem para uma sala na Apple, onde se sentem mais em casa.

16. George chama o tecladista Billy Preston, gente boa e que bota panos quentes nas tensões.

17. Até que, no dia 30 de janeiro de 1969, uma quinta-feira, os Beatles sobem no telhado e tocam para uma plateia formada pelo staff da Apple, jornalistas e passantes em geral da localidade.

18. O show dura 42 minutos. No filme Let it be aparece cerca de metade da apresentação.

19. Tudo é gravado em oito pistas pelo célebre engenheiro de som Glyn Johns lá embaixo no prédio, e por isso ele não é uma testemunha ocular do show. Alan Parsons está com ele como assistente.

20. Os Beatles tocam pela hora do almoço de um dia frio pacas e ventando muito. O casacão vermelho que Ringo usa é emprestado da mulher, Maureen, e o de pele que John aparece usando é emprestado da Yoko Ono (George também usa um casaco de peles na ocasião).

21. Dá para ouvir o som lá de baixo, e logo começa a juntar uma galera, que mal consegue ver os Beatles tocando no topo do prédio.

22. É um bairro chique, repleto de ateliês de alfaiates, que reclamam da imposição sonora promovida pelo grupo. E a polícia chega depois de uma denúncia de quebra da sagrada lei do silêncio, mas ninguém vai preso.

23. Ringo reclama que gostaria de ter sido tirado dos tambores à força pelos policiais, que são muito educados ao pedirem o fim do som.

24. Os Beatles tocam Get back, Don’t let me down, I’ve got a feeling, The one after 909, Dig a pony (com direito a um assistente segurando a letra para John, que ainda não está muito familiarizado com ela, conforme se vê no filme Let it be).

25. Eles repetem I’ve got a feeling, Don’t let me down e Get back, esta última tocada de maneira meio displicente por causa da chegada dos homens da polícia.

26. Nenhuma música do Harrison é tocada, registre-se.

27. A apresentação fica conhecida como “the rooftop concert” (“o concerto do telhado”).

28. No telhado, eles são filmados por cinco câmeras, além de outras câmeras pelas ruas capturando a reação das pessoas.

29. No dia seguinte, 31 de janeiro de 1969, os Beatles são filmados tocando novamente, desta vez dentro da Apple, as músicas Let it be, The long and winding road e Two of us.

https://www.youtube.com/watch?v=MPrQwAQE44s

30. John encerra a performance com mais uma tirada clássica: “Queria agradecer em meu nome e do grupo, espero que a gente tenha passado no teste…!”.

Crítica

Ouvimos: Paul McCartney e Wings, “One hand clapping”

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One hand clapping era uma espécie de tesouro secreto-mas-nem-tanto da era Wings de Paul McCartney. Primeiro porque o material já vinha surgindo havia anos em gravações piratas, e muita coisa chegou a reaparecer como bônus de relançamentos de luxo. Gravado “ao vivo no estúdio” (em Abbey Road) entre os dias 16 e 30 de agosto de 1974, em áudio e filme, deu a entender que Paul estava disposto a viver com sua nova banda tudo o que não havia vivido com os Beatles.

Lançado finalmente agora em disco, traz um conjunto precioso de canções – muitas delas pertencendo a era Band on the run (1973) – executadas de maneira urgente e despojada, mas com o rigor que Paul sempre se impôs. Há arranjos de orquestra (a London Symphony Orchestra tocou com traje de gala), as músicas soam similares às gravações em disco e não há espaços desocupados. Vocais, guitarras e sintetizadores (além do saxofone de Jet) estão todos ali, tocados pelo núcleo duro dos Wings (Paul, Linda McCartney e Denny Laine), ao lado de Jimmy McCulloch (guitarra), Geoff Britton (bateria) e convidados.

O conceito original de One hand clapping era igualmente mais despojado ainda. Isso porque a ideia de Paul (conforme o exposto em biografias do cantor) variava entre duas ideias. A primeira: fazer uma espécie de Get back/Let it be dos Wings, com a banda sendo filmada 24 horas por dia durante um ensaio. A outra: apenas gravar uma sessão do grupo em videotape para saber como a banda completa, que ainda não havia excursionado, se sairia no palco.

  • Temos episódio do nosso podcast sobre a era de Band on the run.
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O cineasta era o então inexperiente David Litchfield, que trabalhava como designer gráfico e editor de uma revista de arte que estava quase falindo (David admitiria mais tarde que o trabalho com o cantor salvou o pagamento de seus boletos). Paul havia informado a ele que o documentário era apenas para uso interno – mas não parecia, já que o projeto ganhou um título, One hand clapping. E o beatle gostou tanto da brincadeira que estava despejando uma montoeira de grana naquilo, além de gravar depoimentos e uma narração em off. O diretor chegou a ver Paul entrando em ação para fazer um músico da orquestra parar de enrolar no estúdio: o beatle simplesmente cantou as notas de um solo de violoncelo como se fossem palavras, para orientar o violoncelista. Acabou aplaudido pela orquestra.

No fim das contas, o documentário One hand clapping quase foi vendido a canais de TV, mas foi saindo do radar de Paul, mais ocupado com as brigas judiciais com o ex-empresário Allen Klein e com as turnês. Só chegou a público num relançamento de luxo de Band on the run em 2010. Nos depoimentos do cantor no filme, Paul garantia que adorava fazer parte de um grupo e que os Wings eram uma banda livre, que qualquer um “podia sair e voltar” (mentira: o artista dava esporros trágicos em músicos de sua banda que se envolvessem em projetos paralelos, e agia mais como um déspota boa praça do que como um administrador de clima).

O que importa é: One hand clapping, inteirinho, tá longe de ser um filler, uma encheção de linguiça. Mesmo quando parece ser, já que Paul recorda músicas dos Beatles (Let it be, Lady Madonna e The long and winding road) em vinhetas e parece sem tanta vontade assim de tocar seu repertório sessentista. Uma olhada distraída na lista de músicas já dá uma ideia do que há de magistral no disco. Músicas como Band on the run, Let me roll it, Jet e Live and let die surgem com a ourivesaria do trabalho em estúdio, e a urgência do material ao vivo.

O mesmo acontece com Nineteen hundred and eighty-five (aberta com Paul cantando e tocando a música ao piano, sem acompanhamento) e com Junior’s farm. E baladas como Maybe I’m amazed e My love sempre vão emocionar todo mundo. A lista é complementada com algumas covers (Blue moon of Kentucky, gravada por Elvis Presley, aparece com sotaque country, por exemplo), canções esquecidas dos Wings (o reggae C moon, de 1972) e uma ou outra brincadeira de estúdio. Um presente para os fãs, ainda mais por trazer um gênio do rock jogando uma pelada como se fosse uma partida clássica.

Nota: 8,5
Gravadora: MPL

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Cultura Pop

No nosso podcast. Rita Lee (e Roberto de Carvalho) entre 1980 e 1983

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No nosso podcast. Rita Lee (e Roberto de Carvalho) entre 1980 e 1983

No começo dos anos 1980, se bobear o Brasil tinha bem poucos seres humanos vivos que nunca tinham sequer ouvido falar de Rita Lee – uma cantora que, ao lado do marido Roberto de Carvalho, vendia muitos discos, tinha música em abertura de novela e ganhava especiais de TV no horário nobre. E como se não bastasse, era contratada do verdadeiro canhão de comunicação que era a Som Livre daquela época. Mesmo com a censura do fim do governo militar no contrapé, foi um período de shows inesquecíveis, muitos hits, álbuns lançados um atrás do outro, e uma verdadeira ritaleemania tomando conta do país.

Hoje no nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, damos um sobrevoo na trajetória de Rita e Roberto no começo dos anos 1980 – a época dos álbuns Rita Lee (mais conhecido como Baila comigo, 1980), Saúde (1981), Rita Lee & Roberto de Carvalho (mais conhecido como Flagra, 1982) e Bom bom (1983). Ouça em alto volume e escute os discos depois.

Século 21 no podcast: Jane Penny e Bel Medula.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch (fotos: reproduções das capas dos álbuns de Rita entre 1980 e 1983). Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas! Apoie a gente em apoia.se/popfantasma.

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Crítica

Ouvimos: Alan Vega, “Insurrection”

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Ouvimos: Alan Vega, "Insurrection"

Alan Vega e sua ex-banda Suicide não eram apenas “rock industrial”. Eram música infernal, mostrando para todos os ouvintes que situações assustadoras eram vividas não apenas em filmes de terror, mas no dia a dia. No contato com vizinhos perturbados, na violência nossa de cada dia, na vida fodida dos debandados do capitalismo – que é o verdadeiro assunto de Frankie Teardrop, música assustadora lançada no epônimo primeiro disco da dupla formada por ele e Martin Rev, de 1977.

Vega viveu no limite: antes do Suicide ter qualquer tipo de sucesso, passou fome e enfrentou dificuldades. No palco, era do tipo que se cortava e saía sangrando dos shows. Seu som sempre teve ideais radicais, inclusive politicamente – ele chegou a ser atacado pela polícia ao participar de passeatas, e o Suicide homenageou Che Guevara na música Che. Dos dois integrantes do Suicide, hoje só Martin Rev vive para perturbar os ouvidos dos outros com som pesado, distorcido e sintetizado. Alan, que prosseguiu por décadas como lenda viva do punk e da música eletrônica, lançando discos e fazendo exposições de arte, teve um derrame em 2012 e morreu durante o sono em 2016.

Seu material como compositor, ironicamente, devia bastante às raízes do rock, e à postura de “herói” do estilo. O novaiorquino Alan era fanático por Iggy Pop e Stooges, e seu vocal variava entre dois uivos – o de Elvis Presley, cujo visual inicial trabalhado-no-couro passou a imitar, e evidentemente o de Iggy. Os primeiros álbuns solo de Alan variavam entre o synth-pop nervoso e uma espécie de rockabilly aceleradíssimo e violento (o melhor exemplo é a estreia epônima de Vega, lançada em 1980). Não custa lembrar que o som do Suicide, de fato, chegou a impressionar até mesmo Bruce Springsteen, que já disse ser (pode acreditar) fã da dupla.

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Insurrection é uma coletânea de gravações inéditas que estavam no baú de Alan. São músicas industriais e infernais feitas no fim dos anos 1990, todas falando sobre morte, sofrimento e contagem de mortos como se fosse algo natural, do dia a dia – e pensando bem, olhando os jornais e andando pelas ruas, é meio isso. É “bom de ouvir” dependendo do seu humor: é o disco das dançantes e góticas Sewer e Crash, do synth pop monocórdico Invasion, do pesadelo selvagem Cyanide soul e do lamento sonoro (de quase dez minutos) de Murder one.

Mercy é um estranho e assustador pedido de clemência, falando em gritos, anjos sangrando e tempestades sombrias. E nessa música o vocal de Alan lembra de verdade o de Elvis Presley, o que soa mais estranho ainda. Os beats são dados por uma percussão intermitente e tribal, seguida por uma batida eletrônica mais próxima do “dançante”. Soa mais insociável do que qualquer coisa lançada pelo Ministry ou pelo Alien Sex Fiend, por exemplo. Chains soa como entrar numa bizarra ressonância magnética de distorção. E Fireballer spirit oferece a mesma sensação, só que acrescida de barulhos eletrônicos.

Nota: 7,5
Gravadora: In The Red

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