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Crítica

Ouvimos: Queens Of The Stone Age, “In times New Roman…”

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Queens Of The Stone Age apresenta música nova em show, "Negative space". Ouça e veja.
  • In times New Roman é o oitavo disco da banda norte-americana Queens Of The Stone Age e o terceiro pela Matador Records. É o primeiro disco após o divórcio tumultuado do cantor Josh Homme, e das acusações de abuso (que deram em enorme batalha judicial).
  • Entrevistando o vocalista Josh Homme, o New Musical Express contabilizou que ele teve onze mortes de pessoas próximas nos últimos sete anos – incluindo um ex-companheiro de QOTSA, Mark Lanegan. As dores não fizeram Homme querer fazer um disco imediatamente, ele contou. “Se o seu telhado está inundando, você não diz: ‘Deveríamos fazer um registro sobre isso!’ Você tem que parar de se afogar em uma enchente”, disse.
  • Homme define o disco como “um álbum sobre aceitação”, e conta que o título vem daquelas velhas imagens que as pessoas fazem, comparando a queda de velhos mitos (ou hábitos, ou vícios de pensamento) com a queda do império romano. “Não há problema em reconhecer que Roma está queimando e o Titanic está afundando. Ao lidar com o conceito de aceitação, você deve reconhecer a realidade”, diz.
  • Formação do QOTSA hoje: Josh Homme (voz, guitarra), Troy Van Leeuwen (guitarra, lap steel, teclado, backing vocals), Michael Shuman (baixo, teclado, backing vocals), Dean Fertita (teclados, guitarra, percussão, backing vocals) e Jon Theodore (bateria, percussão)

Desde Era vulgaris (2007), o Queens 0f The Stone Age não lançava um disco que poderia ser classificado como “bom” de verdade. Na real, o grupo liderado por Josh Homme sempre contou com a implicância de muita gente, que via na banda um fruto típico da era do CD, com discos repletos de faixas puláveis. Além de um marketing pautado por shows bacanas, clima de confraternização de malucos não-beleza e perigo à vista, mas não muito além disso. Tudo injustiça com um grupo que já fez os excelentes Rated R (2000) e Lullabies to paralyze (2005).

Os revezes fizeram com que o novo disco, In times New Roman, acabasse adicionando mais histórias na pauta. Abusando da encucação e da interpretação, dá pra atravessar os quase 48 minutos buscando relações das letras com os fatos recentes da vida do cantor. Incluídos aí seu divórcio de Brody Dalle (tema de Papier machine), o comportamento violento que culminou na agressão de uma fotógrafa no palco (Emotion sickness não fala diretamente disso mas o possível subtexto tá aí) e papos que indicam que, seja lá o que houve nas internas, Homme buscou aconselhamento (o verso “eu não notei o peso das correntes até elas serem cortadas de mim/como eu as arrastei por tanto tempo?” em Made to parade). Entrevistas recentes sobre diagnóstico de câncer, mortes de amigos e problemas íntimos deram ao disco um ar de storytelling de redenção pessoal – algo que sempre encontra público, sendo legítimo ou não (vale apontar).

O disco é bom, sim, como o grupo não fazia há alguns anos. Musicalmente, voltou o charme que fazia com que o QOTSA tivesse algum parentesco com ninguém menos que Iggy Pop (com quem por sinal Josh Homme colaborou). Isso culminou numa mescla que inclui palhetadas simples e certeiras (Paper machete, Obscenery e quase todo o disco), algum experimentalismo (o arranjo criativo de Time & place, construída sobre um riff de três notas que funciona como um relógio) e uma certa vontade de soar meio parecido com David Bowie nos anos 1980 (Carnavoyeur, a melhor do disco).

Se o Queens um dia já pôde ser definido como o encontro de duas bandas originalmente durangas e futuramente muito bem sucedidas de Birmingham (Black Sabbath e Duran Duran), a boa fase voltou. Tudo encerrado com um blues-rock amargo de nove minutos, Straight jacket flitting, que já convida o ouvinte logo no início, e cuja letra parece unir em imagens tudo o que Homme viveu nos últimos anos. Na visão dele.

Gravadora: Matador
Nota: 9

Crítica

Ouvimos: Lily Allen – “West End girl”

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Lily Allen renasce em West End Girl: pop confessional, moderno e afiado, transformando dores pessoais no melhor álbum dela em anos.

RESENHA: Lily Allen renasce em West End Girl: pop confessional, moderno e afiado, transformando dores pessoais no melhor álbum dela em anos.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: BMG
Lançamento: 24 de outubro de 2025.

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Muita gente anda dizendo que não esperava que Lily Allen, depois de tanto tempo (No shame, o disco anterior dela, saiu em 2018) voltasse com um álbum ótimo – e, de fato, as atenções do mercado fonográfico não estavam mesmo voltadas para ela. West End girl surgiu quase de surpresa no momento em que Lily se sentiu com coisas para falar, e mais do que tudo, segura consigo própria. O fim do casamento com o ator David Harbour, e os abusos e traições que ela viveu durante o relacionamento, são o suposto principal tema do disco (recentemente, a cantora deu uma disfarçada, falou que nem tudo é verdade e disse que West End girl foi “inspirado” em seu ex-casamento).

Lily sempre foi bastante confessional em relação a particularidades de sua vida, em músicas e entrevistas, mas dessa vez os fãs já vinham caçando detalhes de que algo estranho vinha rolando. Recentemente ressurgiu uma entrevista dada pelo ex-casal no tapete vermelho do prêmio teatral Oliviers Awards 2022: Lily foi indicada a melhor atriz por seu papel na peça 2:22 A ghost story e, no tal bate-papo, teve aturar o (então) marido fazendo uma piadinha cheia de ressentimento e inveja. Nas fotos do evento, ela parece bastante incomodada com tudo e sem a menor vontade de estar ali, pelo menos ao lado de Harbour.

  • Ouvimos: Blood Orange – Essex honey

Seja como for, o David Harbour (ou o que o valha) que é retratado em West End girl é um sujeitinho invejoso (na faixa-título), infiel (Just enough, Madeline e quase todo o disco), viciado em sexo (Pussy palace), escroto (em Nonmonogamummy ela fala algo sobre David ter exigido relacionamento aberto e que ela quisesse ter filhos com ele) e frequentador de redes sociais bem estranhas (4chan Stan, na qual Lily confessa que as bandeiras foram tantas que ela resolveu fuçar nas coisas do ex-marido e achou uma nota de compra suspeita). Allen também se diz cansada de ter que bancar a mãe de seus maridos e namorados (Fruityloop, de versos como “queria poder consertar todos os seus problemas / mas todos os seus problemas são seus para você consertar”).

Dallas Major, cantada na primeira pessoa, usa um truque típico de Madonna e Beyoncé – a criação de um alter-ego que, na real, é uma versão dela própria – e resume tudo em tristes constatações: “eu uso o nome artístico Dallas Major, mas esse não é meu nome verdadeiro / sabe, eu costumava ser bem famosa, isso foi há muito tempo atrás / sim, estou aqui em busca de reconhecimento e provavelmente devo explicar / como meu casamento se tornou aberto desde que meu marido me traiu”, canta, antes de mudar a perspectiva: “o nome dela é Dallas Major / ela morre de medo de fracassar / ela só está aqui em busca de validação”.

Musicalmente, West End girl é o melhor disco de Lily em bastante tempo, e tem algumas modernidades bem interessantes, como a bossa jazz pop da faixa-título, a agilidade sonora de Ruminating (com piano pop lembrando os hits de Joe Jackson), a blues ballad indie de Sleepwalking e o pop alternativo, com ares sessentistas, de Tennis. Madeline é um pop abolerado, quase um brega, que vai ganhando cara trap. Faixas como a celestial Pussy palace, 4chan Stan e Fruityloop (essa, lembrando a Lily do começo) deixam sempre a impressão de algo familiar – mas nunca repetido ou entediante.

Nonmonogamummy, mesmo com a letra relatando amarguras pessoas, é pop feliz e com ligeiro ar 60’s, evocando algo de Low rider, hit do War. Dallas Major é um r&b com cara quase disco, E ainda tem Let you w/in, pop adulto de piano, com andamento evocando Elton John e Paul McCartney. West End girl é o momento em que Lily percebe o tempo que perdeu tentando impressionar e conquistar gente estúpida – mas também musicalmente, é a “melhor versão” dela nos últimos tempos.

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Crítica

Ouvimos: Zécarlos Ribeiro – “(Todos os Homens)º = 1”

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Em (Todos os Homens)º = 1, Zécarlos Ribeiro une rock clássico, folk e deboche em disco variado que mistura poesia do cotidiano, crítica social e ecos de Erasmo, Zappa e Arrigo.

RESENHA: Em (Todos os Homens)º = 1, Zécarlos Ribeiro une rock clássico, folk e deboche em disco variado que mistura poesia do cotidiano, crítica social e ecos de Erasmo, Zappa e Arrigo.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 10
Gravadora: 7 de novembro de 2025
Lançamento: Independente

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Zécarlos Ribeiro é, ao lado de Luiz Tatit, o principal compositor da história do grupo Rumo, e um cara bom de narrar cenas – sempre com um olho na história, e outro no que pode estar acontecendo nas internas. Esse clima toma conta de seu segundo disco solo, (Todos os Homens)º = 1 (“todos os homens elevado a zero é igual a um”).

A curiosidade é que (Todos os Homens)º = 1 é basicamente um disco de rock, e de rock clássico, à maneira de Erasmo Carlos – o espírito do Tremendão baixa em faixas como o boogie Bando de loucos (que tem ótimo arranjo de metais), o rock acústico Vai pra cama descansar e o blues-rock titânico É do mal. Estica a trena abre com uma improvável cara industrial e depois vira um rock irônico e nostálgico. Arrigo Barnabé comparece em Minha cabeça, um eletro-rap-samba zoeiro, que tem algo de Sparks. E vibes lembrando Frank Zappa aparecem na faixa-título.

  • Ouvimos: UmQuarto – Fora de lugar

Zécarlos também embarca e tons folk e country em faixas como a sombria Deslumbre (com Ana Deriggi nos vocais), a abolerada e italianada Sonhe em pé (com Carlos Careqa), o roquinho mineiro Vem pra cá e a abolerada Volta pra mim, que lembra Rita Lee. Nas letras, Zécarlos põe poesia e história no trivial, sempre com deboche e protesto, como na insônia de Volta pra mim (“não consigo mais dormir de madrugada / meus pensamentos marcam reuniões inesperadas”) e o papo sobre amor e algoritmos de Bando de loucos.

Sonhe em pé conta histórias de italianos em São Paulo, enquanto Estica a trena fala sobre operários que dançam, no sentido literal e figurado – com direito à citação de Construção, de Chico Buarque, e suas lembranças de dias acidentados para o trabalhador brasileiro. Som e poesia do dia a dia.

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Crítica

Ouvimos: Bianca and The Velvets – “Reminder” (EP)

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Vinda de Belém, Bianca and The Velvets lança Reminder, EP com base em The Cure, e em estilos como grunge e pós-punk, com voz grave marcante e clima dramático.

RESENHA: Vinda de Belém, Bianca and The Velvets lança Reminder, EP com base em The Cure, e em estilos como grunge e pós-punk, com voz grave marcante e clima dramático.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 22 de outubro de 2025

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Punk e indie rock de Belém (PA): no EP Reminder, Bianca and The Velvets (Bianca Marinho, Marcel Barretto, Emmanuel Penna e Leonardo Chaves) unem referências que passam pelo pós-punk, pelo grunge e pelo som de bandas dos anos 2000 – tendo como detalhe especial a voz grave de Bianca, que muitas vezes soa parecida com a de Dean Wareham (do Luna, lembra?) e em outros momentos ganha uma vibe entre o sexy e o robótico.

  • Ouvimos: Flerte Flamingo – Dói ter

O EP Reminder abre chegando perto simultaneamente de The Cure e do garage rock, com a distorcida Knives – que abre com um “go on” idêntico ao de In between days, do Cure. Like on TV une Gang Of Four e trevas darkwave. Summertime river é o lado sixties do disco, na guitarra e na composição, e tem algo de slacker, de despojado, no arranjo.

As duas próximas faixas reúnem o lado dramático de Reminder. Said you loved me, then you’re gone é uma música sombria de piano e violão, com voz sussurrada, e um clima o mais folk-grunge possível. I was a giver é folk tocado na guitarra, com algo de Velvet Underground nos vocais e na execução. No excuses, indie rock que encerra o álbum, traz emanações de Pretenders e The Killers, simultaneamente.

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