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Cultura Pop

Coletânea dupla relembra os “discos de ginástica” de Frank Hatchett

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Coletânea dupla relembra os "discos de ginástica" de Frank Hatchett

Diagnosticado com um tumor cerebral em 2008, o coreógrafo e professor de dança Frank Hatchett morreu em 23 de dezembro de 2013, aos 78 anos de idade. O cara que ajudou a revolucionar o ensino da dança (mais apropriadamente aquele estilo de dança conhecido como jazz, que era bastante famoso nos anos 1980) deu aulas em Nova York para alunas como Madonna, Naomi Campbell e Brooke Shields. E foi um dos fundadores do Broadway Dance Center, em 1984.

Até a fama (e a segurança financeira) baterem na porta de Hatchett, ele se apresentou em diversos clubes, e dividiu palcos com nomes como Sammy Davis Jr e Frank Sinatra. Anos depois, já conhecido, chegou a ser chamado de “o doutor do jazz” pelo programa Good morning America. Os ensinamentos de Hatchett não se limitavam à dança, vale dizer. Uma de suas alunas lembrou num obituário que o professor, no contato com os alunos, “lhe diria para ficar em pé, olhar as pessoas nos olhos e mostrar que você é digno. Ele fez isso por milhares de pessoas e foi muito amado”.

Aliás, Hatchett também tinha uma discografia, paralela à carreira de professor e coreógrafo. Foram vários LPs, lançados desde 1973, pelo selo Statler Records, especializado em discos de instrução para aulas de dança. Dá para acompanhar tudo pelo Discogs.

Hoje, os discos de Hatchett estão sumidos até mesmo do YouTube – dá para achar uma faixa ou outra. O mais louco é que Frank não era um cantor, ou mantinha uma carreira como músico ou algo do tipo. Em quase todos os discos “dele”, a voz de Hatchett nem sequer aparecia, o material era em sua maioria instrumental e muitas faixas eram covers. E quem ia para o estúdio era um time de músicos liderados por nomes como o diretor musical Don Tipton ou o arranjador Zane Mark.

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Da ficha técnica de Dance explosion, o disco de 1975, constam nomes como Eric Thomas (baixo), Dennis Byrd (trumpete), Danny Krutzer (teclados) e o próprio Don tocando guitarra. Mas basicamente, ele era mais um cara que colocava a marca dele em discos de música feita para dançar do que qualquer outra coisa. Muita coisa que saía com o nome de Hatchett na capa era ligada ao jazz instrumental ou à música afro-cubana. O objetivo era que as pessoas usassem as músicas na hora do treino.

Isso aí é a versão de Getaway, do Earth, Wind & Fire, lançada num disco de Hatchett.

Wishing on a star, do Rose Royce, ganhou uma versão meio maluca num dos discos de Hatchett, encerrada com ruídos de teremin.

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E a novidade para fãs e para pessoas que acabaram de conhecer Hatchett é que saiu uma coletânea com algumas faixas dos álbuns dele. Sensational! foi lançada em novembro por um selo chamado Telephone Explosion e traz 22 músicas pinçadas direto dos vinis antigos (literalmente, dá pra ouvir o chiado) do coreógrafo. O repertório vai do soul-jazz a coisas do comecinho da onda da dance music, nos anos 1980. Alguns sons mais recentes são bem na batuta do freestyle (caso de Break out, com bateria eletrônica e teclados). E as canções em sua maioria eram bem curtas – o suficiente para serem usadas em treinos e exibições de dança.

Sensational! saiu em LP duplo (arrisque aqui) mas as músicas podem ser encontradas nas plataformas digitais (aliás, são dos poucos discos do coreógrafo que estão nelas). Uma boa oportunidade para recordar Hatchett e relembrar uma época bem louca e variada do mercado fonográfico.

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Cultura Pop

E o primeiro disco do Blue Öyster Cult, que fez 50 anos?

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O Blue Öyster Cult é a banda dos anos 1970 que você possivelmente nunca ouviu, aquela figurinha jamais completada do seu álbum de grupos de hard rock, ou quem sabe, a banda que você conhece apenas de dois hits: (Don’t fear) The reaper, de 1976 (que voltou à fama mais recentemente por causa do esquete do “more cowbell”) e a quase metal Burnin for you, de 1981 (no Brasil, fez bastante sucesso no rádio).

O primeiro disco do grupo novaiorquino, intitulado Blue Öyster Cult, faz parte de uma lista de discos cinquentões que já estao sendo ofuscados por outras pérolas da época, como Ziggy Stardust (David Bowie), The slider (T. Rex), Acabou chorare (Novos Baianos) e vários outros mais conhecidos. Saiu em 16 de janeiro de 1972, e coroou um período de cinco anos em que o BÖC tentava dar um passo além do rock de sua cidade, mais conhecido pelos grupos pouco comerciais.

O grupo de Eric Bloom (voz, guitarra base, teclados), Donald “Buck Dharma” Roeser (guitarra, vocais), Joe Bouchard (baixo, vocais), Albert Bouchard (bateria, vocais) e Allen Lanier (guitarra base, teclados) era comercial o suficiente para se dedicar ao hard rock numa época em que havia expectativas por novidades no som pesado (eram três guitarras na banda!). E era estranho o suficiente para misturar o alto volume com psicodelia, pitadas de power pop e letras que iam de contos estradeiros a temas sobre astronomia. Tambem era (vá lá) “queridinho” da crítica: jornalistas como Sandy Pearlman e Richard Meltzer estavam sempre por perto desde a época em que o Blue Öyster Cult se chamava Soft White Underbelly – o primeiro como produtor/letrista, o segundo escrevendo também algumas das letras.

Devidamente contratado pela Columbia e produzido por Pearlman (ao lado de David Lucas e Murray Krugman), o BÖC tinha lá seus objetivos. Pearlman queria mesmo que a banda soasse como um Black Sabbath americano. Não dava: apesar do nome “místico” (“culto da ostra azul”?) o Blue Öyster Cult era mais amigável, menos assustador e mais “psicodélico”. Músicas como Screams eram a herança do blues-rock dos anos 1960 com cara nova. A tragicômica Then came the last days of May era um conto em formato de rock, narrando uma história supostamente verdadeira sobre uns amigos de Dharma que tentaram vender drogas e foram mortos.

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A lúgubre She’s as beautiful as a foot mostra o lado Lou Reed do grupo – sim, poderia estar em Loaded, do Velvet Underground. Cities on flame with rock and roll era o hino hard rock que marcou o começo do BÖC (cujos primeiros discos, com capas em preto e branco, são chamados de “fase em preto e branco”, pelos fãs antigos). Já Workshop of the telescopes e Stairway to the stars resolviam a mania da banda com temas espaciais e misteriosos (a primeira é uma das melhores faixas do começo do Blue Öyster Cult).

Pouco lembrado no Brasil, o Blue Öyster Cult é uma banda que vendeu cerca de 25 milhões de discos ao longo de sua trajetória. E se você não percebeu, entre idas e vindas, ele existe até hoje, tem dois integrantes da época do primeiro álbum (Bloom e Buck Dharma) e lançou disco em tempos pandêmicos, The symbol remains (2020). E permanece como uma das bandas mais desafiadoras dos anos 1970.

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Cultura Pop

Quando botaram o Soundgarden para abrir para o Guns N Roses e deu m…

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No começo, parecia uma boa ideia unir o Soundgarden ao Guns N Roses. O grupo do saudoso cantor Chris Cornell era aquele chapa quietão que todas as bandas mainstream queriam ter do lado – havia inspirado o riff de Enter sandman, do Metallica, estava conseguindo se manter na A&M (tinha sido a primeira banda de Seattle a conseguir um contrato com uma gravadora grande) e geralmente era citado como a novidade preferida de vários grupos mais conhecidos.

O que importava era que justamente no período que o The Guardian definiu com a frase “Nevermind não importava;1991 foi o ano do Guns N Roses”, Axl Rose e seus parceiros de trabalho tinham resolvido, no fim daquele ano, chamar justamente o Soundgarden para ser a banda de abertura de seus shows. A única coisa que ninguém tinha pensado: o Guns estava em plena fase de devassidão total, tomando drogas como se fossem Mentos, frequentado boates de strip tease e fazendo festas animais (que comiam boa parte do orçamento da turnê) entre um show e outro. E o Soundgarden, mesmo fazendo um som pesado que agradava aos fãs do Guns, era uma banda sorumbática da região de Seattle.

Susan Silver, empresária do Soundgarden lembrou no livro Everybody loves our town: A history of grunge, de Mark Yarm, que a notícia de que o grupo tinha recebido uma oferta para abrir para o Guns não havia sacudido os corações dos músicos. “Cheguei com uma caixa cheia de camisetas e novos designs para a banda, e estava super animada com a notícia”, contou. Após ouvirem a oferta que a empresária havia recebido, silêncio de trinta segundos, até que um deles disse: “E o que tem na caixa?”.

O baixista Ben Shepherd foi bem direto e disse no mesmo livro: sou um cara do punk, sou fã de Black Flag, não curto esse tipo de butt rock. “A turnê foi uma extravagância do metal, um circo do metal. Não queria tocar em estádios, você fica longe dos fãs e o som é uma porcaria. Daí estava lá eu, exposto ao mesmo tipo de butt rocker que tentava me bater quando eu era um punk”, contou. Matt Cameron, baterista, se recorda do backstage ser um “pesadelo”, especialmente porque o Guns chegava atrasado e pagava multa em todos os lugares em que se apresentava. E viu Axl ameaçar não subir no palco e acabar com o grupo nos bastidores.

O grupo socializava um pouco com Slash e com o baixista Duff McKagan, mas a coisa não rolava a contento – a ponto do Guns perceber e botar no Soundgarden o apelido de Frowngarden (algo como “jardim dos cara-feia”). O guitarrista diz em Slash, a autobiografia, escrito com Anthony Bozzio, que entendia o Soundgarden, até porque o Guns era uma usina de encrencas e um monstro que sugava tudo a seu redor na época.

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Mas, além do tal apelido, rolaram outras zoações: no último show com Chris Cornell e seus amigos, em 1 de fevereiro de 1992 no Arizona, Slash, Duff e Matt Sorum (bateria) subiram ao palco com bonecas infláveis. “Que eu me lembre, eu era o único completamente pelado”, contou. “O Soundgarden ficou mortificado. Olharam para o lado e estávamos sacudindo bonecas infláveis em volta dele”.

E já que você chegou até aqui, pega aí o Guns relendo Black hole sun, do Soundgarden.

 

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Cultura Pop

Jimi Hendrix, Moebius, “Voodoo soup”, uma briga e um livro (?)

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Voodoo soup é um (vamos dizer assim) lançamento bem discutível da obra de Jimi Hendrix. Saiu em 1995, já na era do CD, e foi a segunda tentativa de montar o que seria o quarto disco do músico, que teria saido duplo e repleto de faixas novas se o guitarrista não fosse convocado para aquela grande gig no céu. Bruce Gary, baterista veterano que, entre idas e vindas na carreira, acabou indo parar na sensação punk-power pop The Knack, foi convocado para gravar overdubs (!) em duas músicas do disco, o que já bastou para (com razão) tirar o humor de vários hendrixmaníacos.

Após a obra de Hendrix passar para o controle total de sua família, o material todo do tal “quarto disco” (que ainda incluía o bom The cry of love, de 1971) foi compilado no disco First rays of the new rising sun (1997) e Voodoo soup foi esquecido. Mas o disco tinha lá um grande atrativo: pelo menos tinha a famosa ilustração do monstro francês dos quadrinhos Moebius, na capa. No desenho que ilustrava o álbum, o guitarrista aparecia tomando um espécie de sopa psicodélica (é a foto lá de cima). Se você queria saber de algum caso em que a capa se tornou bem mais importante que um disco, tá aí.

Moebius, pseudônimo do francês Jean Giraud (1938-2012), tinha se notabilizado por seus desenhos cheios de paisagens psicodélicas e espaciais, publicados em revistas como a Métal hurlant. E esse desenho que ele fez de Hendrix tem história. Foi feito por ele a partir de uma foto tirada pelo jornalista Jean-Nöel Coghe em 6 de março de 1967, de Hendrix tomando uma sopa num restaurante na França. O desenho de Moebius ainda era maior do que a capa de Voodoo soup faz supor, e foi publicado originalmente na capa de uma edição francesa dupla dos álbuns Are you experienced? e Electric ladyland, lançada em 1975 pela Barclay.

Coghe, ao que parece, se chateou muito – e com razão – por não ter recebido crédito como autor-da-foto-que-inspirou-o-desenho. Não apenas se chateou: ele processou Moebius, pediu um milhão de francos de indenização pelo plágio, mas acabou perdendo.

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Bom, em 1999, poucos anos depois de Voodoo soup, eles se conheceram pessoalmente (isso nunca havia acontecido, incrivelmente), enterraram suas diferenças e Moebius ilustrou um livro de Coghe em que o fotógrafo relatou justamente suas experiências como cicerone de Hendrix na França na época da foto. O livro se chama Emotions électriques e traz Hendrix habitando as mesmas paisagens futuristas e psicodélicas das histórias de Moebius (que sempre foi fã do guitarrista). Olha aí alguns dos desenhos.

Via Open Culture.

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