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Cultura Pop

Aniversário de Brotherhood, do New Order!

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Aniversário de Brotherhood, do New Order!

Brotherhood, quarto álbum do New Order, faz 35 anos hoje. Saiu no dia 29 de setembro de 1986. E reúne lá suas credenciais para ser considerado o melhor disco do grupo britânico por muita gente. Aliás, senão o melhor, pelo menos o mais criativo.

Quando alguém diz que “o disco tal é o Sgt Pepper’s de fulano”, isso pode querer dizer muita coisa. Pode querer dizer que se trata do melhor disco do artista, ou, numa perspectiva irônica, pode ser o mais maluco, ou o mais enfeitado, como um bolo de noiva. Brotherhood, pelo menos no quesito maluquice, pode até ser chamado assim. Dividido em dois lados diferentes (lado A mais roqueiro e lado B mais eletrônico), ele apresentava viagens dance-psicodélicas (All day long, Angel dust), pelo menos uma música com início falso (Weirdo) e uma canção com final “psicodélico” (Every little counts, na qual o cantor Bernard Sumner começa a rir assim que canta os versos “eu acho que você é um porco, você deveria estar em um zoológico”).

No livro Substance: Inside New Order, o ex-baixista Peter Hook (completavam a banda “os outros dois” Gillian Gilbert, teclados, e Stephen Morris, bateria) entrega que as origens de Brotherhood são bem mais variadas do que parecem. E diz que em vários momentos, a banda inspirou-se em si própria.  A balada As it is when it was, segundo ele, teve o riff de baixo inspirado… no Joy Division. Bom, tem um ou outro dedilhado que faz recordar Love will tear ur apart, canção citada por ele como referência, mas é tão de leve que fica imperceptível. Broken promise soa para Hook como algo da era do primeiro disco do New Order, Movement (1981). Way of live tem o riff de baixo de Age of consent, ao contrário.

Paradise, a dançante e roqueira faixa de abertura, foi inspirada nas canções de “partida” do country (“Bernard Sumner estava muito ligado a isso, em termos de letras”), e esconde uma homenagem a Dolly Parton. Bizarre love triangle foi um trabalho eminentemente de grupo, inclusive com letra feita em quarteto. All day long é “uma canção sobre abuso infantil que você pode dançar”. Weirdo causou uma discussão acalorada (rolou um fuça-a-fuça medonho, segundo o baixista) entre Hook e Bernard na mesa de mixagem, por causa dos backing vocals. Angel dust tem samples de um álbum religioso e guitarras herdadas das trilhas de faroeste de Ennio Morricone.

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Finalmente, Every little counts tem linhas de baixo roubadas de Emma, do Hot Chocolate, efeitos de teclados do final feitos num teclado Emulator II (“com Bernard apertando todas as teclas, e usando as duas mãos”, conta Hook) e cochichos dissimulados da banda sobre os risos de Summer (dá para ouvir).

Brotherhood pegou um momento em que o New Order se desentendia bastante – tanto que alguns integrantes não ficaram satisfeitos com o disco. Stephen Morris disse certa vez que o disco é “esquizofrênico”, por causa da separação entre dance tracks e músicas mais roqueiras. Reclamou também que o fim do disco poderia ter sons diferentes para cada suporte: uma fita sendo mastigada, um CD pulando.

O disco novo do New Order foi gravado parcialmente num estúdio que se tornou famoso por causa do U2, o Windmill Lane, em Dublin, Irlanda. A banda passou por maus bocados: circularam pelo país a bordo de um Ford Granada sambado (cujo alarme soava toda vez que abriam a porta) e deram uma passada na Irlanda do Norte para fazer um show, em meio aos conflitos no país. Foram destratados pelos guardas da fronteira e o tal alarme do carro quase provocou um tiroteio. Também caíram de boca na noite dublinense, cheia de bares.

O grupo fechou as gravações do disco no Japão e chegou a pensar em lançar um EP exclusivo para o país, que não saiu. Tiveram a oportunidade de usar uma máquina digital de 32 canais – que dava mais problemas de manutenção do que alegrias. No fim das contas, foram também alguns dias de diversão, mas com Peter Hook caindo de cabeça na cocaína e começando a arrumar encrenca por conta disso.

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No fim das contas, Brotherhood chamou a atenção não apenas pela proposta sonora, como também pela capa, bastante misteriosa – aliás quase tão misteriosa quanto a dos discos do Joy Division. Apesar do nome da banda ter sido acrescentado em algumas edições (no Brasil, inclusive), a ideia era fazer uma imitação de folha de zinco, sem referência ao New Order.

Chris Mathan, que trabalhava com o designer Peter Saville, fez o design da tipografia da capa e lembra que o metal foi entregue por diferentes atacadistas. Peter Hook bateu o olho numa chapa onde estava escrito ‘BILLITON TITAANZINK’ e fez sua escolha. Outras chapas foram usadas nas capas dos singles de Bizarre love triangle e State of the nation (esse último um single que acabou ficando de fora do disco, e que posteriormente foi incluído em reedições em CD).

E essa briga toda aí geraria Brotherhood, um disco clássico, mas que ainda não seria o grande estouro do New Order – uma banda que, naquele período, ainda era relegada a papéis inferiores. Peter Hook garante ter sido passado para trás por Ian McCulloch, do Echo & The Bunnymen, que tirou a banda de uma configuração de turnê. Para divulgar o disco, fizeram um giro pela Espanha em que, numa das apresentações, tocaram num campo de touradas, e ficaram acomodados num camarim ao lado do fedidíssimo local dos touros. Tem mais sobre a vida do New Order nessa época aqui. Mas a história logo mudaria.

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Cultura Pop

Quando Pegaram Gary Cherone (Extreme) para Cristo

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Em 1994, pouco antes de gravar o quarto disco com sua banda Extreme (o pseudo-conceitual Waiting for the punchline, de 1995) e de fazer uma tentativa de virar o vocalista do Van Halen (que deu no disco Van Halen III, de 1998, e numa turnê), o cantor Gary Cherone encontrou Jesus. Bom, mais que isso: ele se tornou Jesus, como ator da ópera-rock Jesus Christ Superstar, mas apenas nas montagens da peça em Boston, em 1994, 1996 e 2003.

O papel de Gary incluiu a crucificação e tudo, e o cantor chegou a declarar que a peça era uma antiga obsessão sua. “Sempre adorei a música dessa peça”, contou. O musical foi uma produção da Boston Rock Opera, trazia ainda Kay Hanley (Letters To Cleo) como Maria Madalena, e participação de vários roqueiros locais. Gary realmente curtia Jesus Christ Superstar: segundo uma matéria do The Boston Globe, a equipe que fazia o musical estava pensando em não apresentar nada na páscoa de 1994. Só que Gary não deixou: tinha visto uma encenação em Boston em 1993, gostou do que viu, passou a mão no telefone e ligou pessoalmente para a turma oferecendo-se para o papel.

A equipe ouviu o pedido do vocalista do Extreme, achou que ser maluquice não aproveitar a oferta do cantor e partiu para os ensaios. Detalhe que Gary, depois de três temporadas sendo crucificado, se preparava para outro desafio na mesma peça: iria interpretar Judas, o amigo da onça de Jesus. “Gosto do papel de Jesus, mas Judas tem músicas mais pesadas”, chegou a dizer.

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Isso de Gary resolver interpretar Judas e gostar do lado meio pesado da história (e ele fez mesmo o papel em 2000) reacendeu uma velha polêmica em relação a Jesus Christ Superstar. Criada por Andrew Lloyd Webber e Tim Rice inicialmente como uma ópera-rock lançada apenas em disco (ninguém tinha grana para levar aquilo tudo ao palco e não surgiam produtores interessados), a história discutia os papéis de Jesus Cristo e de seus apóstolos durante sua última semana de vida. E quando a peça foi à Broadway, com Jeff Fenholt como Jesus e Ben Vereen como Judas, não faltou gente reclamando que Judas parecia bastante simpático na peça.

Interpretando Jesus, por sinal, Gary encarou um papel que já foi vivido por outro vocalista de rock. Ninguém menos que Ian Gillan, que foi Jesus no LP da ópera-rock, feito quando ainda não havia planos para levá-la aos palcos. Mas Gillan não quis subir ao palco quando a montagem começou a ser feita, alegando que não queria virar ator. Um tempo depois, o papel de Jesus passou a ser tão cobiçado por roqueiros que até Sebastian Bach (o próprio) interpretou o papel.

Se você mal pode esperar para ver o ex-Skid Row interpretando o papel (bom, vai demorar pro POP FANTASMA fazer outra matéria sobre o mesmo assunto…) tá aí.

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Cultura Pop

Tem aniversário de Controversy, do Prince, vindo aí!

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Tem aniversário de Controversy, do Prince, vindo aí!

A capa do quarto disco de Prince, Controversy (lançado em 14 de outubro de 1981 e prestes a fazer 40 anos) já era (hum, ok) controversa. Transformado em escândalo público por causa do disco anterior, Dirty mind (1980, e do qual já falamos aqui), Prince estava nas manchetes. E elas estavam, de brincadeira, na capa do novo álbum.

Dirty mind tinha dado uma bela crescida musical – do pós disco dos álbuns anteriores, a uma mistura de soul, rock, um tantinho de psicodelia e até folk urbano herdado de Joni Mitchell. A crítica não deixou de prestar atenção nas letras beem safadas do álbum – que se chamava “mente poluída” e trazia Prince em frente às molas de uma cama, na capa. Robert Christgau comparou Prince a Jim Morrison e John Lennon, e ainda arrematou com uma frase lapidar: “Mick Jagger deveria recolher seu pau e ir para casa”. Na Rolling Stone, Ken Tucker dizia que Prince era um romântico ingênuo nos dois primeiros discos, mas finalmente estava à solta nas sacanagens e na música.

Controversy foi lançado doze meses após Dirty mind, e foi feito numa época de bastante trabalho para Prince – que pouco antes tinha produzido, assinando o trabalho como Jamie Starr, o disco de estreia do The Time, banda liderada pelo seu vocalista Morris Day. Como na época vários colunistas de jornal já faziam comentários sobre a sexualidade do cantor, não tinha como o assunto ficar de fora do álbum, a faixa-título (que abre o disco) já abre com vários questionamentos: “Sou preto ou branco? Eu sou hetero ou gay?/ Controvérsia / Eu acredito em Deus?/Eu acredito em mim?/Controvérsia”, perguntava Prince.

>>> Mais Prince no POP FANTASMA aqui.

Não era só nos jornais que Prince passava por esse tipo de situação. Abrindo para os Rolling Stones em 9 de outubro de 1981, o cantor (usando a roupa da época da turnê Dirty mind, que incluía uma tanguinha preta) foi vaiado e ouviu xingamentos homofóbicos da plateia, no Memorial Coliseum, em Los Angeles.

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Não só vaias: Prince e seus músicos foram atingidos por comida, latas, garrafas e tudo o que estivesse ao alcance do público. Prince ia desistindo de fazer o show do dia 11 de outubro, ate que Mick Jagger ligou para ele para encorajá-lo. “Eu disse a ele: se você chega a ser uma atração principal realmente grande, você tem que estar preparado para as pessoas jogarem garrafas em você à noite. Preparado para morrer!”, brincou Jagger.

Em Controversy, mais uma vez Prince tocou tudo “sozinho” – enfim, mais ou menos, porque em Jack U off, a última faixa, aparecem Bobby Z. (bateria), Lisa Coleman (teclados e vocais de fundo) e Dr. Fink (teclados). Andre Cymone, baixista de turnê de Prince, compôs a safadíssima Do me baby. Mas como estava sendo cada vez mais comum no universo de Prince naquela época, não recebeu crédito pela faixa, que apareceu assinada pelo patrão nas primeiras edições.

Não era o único momento de safadeza no disco, claro. Private joy era pura sacanagem, com versos como “todos os outros garotos amariam transar com você, mas você é meu brinquedo privativo” e “você pertence a Prince”. Mas Sexuality inovava por misturar sexo, política e futurismo (“precisamos de uma nova raça, líderes, levante-se, organize-se/não deixe seus filhos assistirem televisão até que saibam ler”).

Anne Christian era a resposta de Prince ao levante pós-punk, com peso, intensidade e uma letra que fala sobre uma prostituta que “matou John Lennon, atirou nele a sangue frio” e “tentou matar Reagan”. Ronnie, talk to Russia mostrava que Prince vinha acompanhando as tensões entre Ronald Reagan, então presidente dos EUA, e o governo da União Soviética, mas que estava do lado do seu país, enfim (“você pode ir ao zoológico, mas não alimente guerrilheiros de esquerda”).

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Para os fãs brasileiros, Controversy trazia uma novidade: Dirty mind não tinha saído aqui em tempo real (só foi lançado no Brasil em 1990!), mas o quarto disco de Prince saiu aqui imediatamente. Com um aviso na capa: “inclui Sexuality e Controversy“. Incluía mesmo.

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Cinema

Urban struggle: tem documentário raro sobre punk californiano na web

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Sabe aquele vizinho fascista que você detesta, e que também tem uma relação péssima com você? Pois bem, o conto dos vizinhos que se odeiam mutuamente ganhou proporções astronômicas e perigosas com o relacionamento bizarro entre dois bares californianos: o boteco punk Cuckoo’s Nest e o bar de cowboys urbanos Zubie’s. Os dois ficavam um ao lado do outro na cidade de Costa Mesa, localizada em Orange County, região com cena punk fortíssima.

O Cuckoo’s Nest era um local importante para o punk da Califórnia, a ponto de bandas como Black Flag, Circle Jerks, Fear e TSOL teram tocado lá. E do primeiro show do Black Flag com Henry Rollins no vocal ter acontecido na casa, no dia 21 de agosto de 1981. Bandas como Ramones e Bad Brains, ao passarem pela cidade, sempre tocavam lá. Já o Zubie’s, lotado de playboys no estilo country, costumava ser um problema para os punks: os cowboys invadiam o local, arrumavam brigas com os punks e os insultavam usando termos homofóbicos.

Vale citar que mesmo dentro do Cuckoo’s Nest as coisas não eram fáceis, até porque “movimento punk” significava uma porrada de gente reunida, com motivações diferentes e estilos de vida conflitantes. Tipos violentos e machistas começaram a frequentar o local e a arrumar briga com os frequentadores. E quem viu o documentário The other f… word, da cineasta e roteirista Andrea Blaugrund Nevins, recorda que o rolê punk na Califórnia era muito violento.

Flea, baixista dos Red Hot Chili Peppers – e que tocou no Fear por alguns tempos nos anos 1980 – lembra em The other f… word que, no começo dos anos 1980, uma cena comum nos shows do Black Flag eram as inúmeras brigas nas quais os fãs eram esmurrados e nocauteados, apenas por terem o cabelo ou a roupa assim ou assado. “As pessoas não somente tomavam porrada, elas acabavam no hospital. Havia ambulâncias transportando os fãs após os shows a todo momento!”.

O Cuckoo’s Nest ficou aberto de 1976 até 1981 e nunca deixou de ter problemas. O proprietário Jerry Roach lutava para manter a casa aberta, dialogava da maneira que dava com policiais, com clientes e até com a turma enorme de hippies, cabeludos e malucos que pulava de galho em galho na Califórnia.

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E essa longa introdução é só pra avisar que jogaram no YouTube o documentário  Urban struggle: The battle of the Cuckoo’s Nest, dirigido em 1981 por Paul Young.  Infelizmente sem legendas.

Tem uma edição melhor no Vimeo. Sem legendas também.

Num dos depoimentos do documentário, Jerry define a atitude dos punks como “foda-se, vivo de acordo com minhas regras”. Mas diz que não vê hippies como sendo pessoas da paz e do amor o tempo todo, e muito menos enxerga punks como odiadores contumazes. “É só um conflito de gerações”, disse Jerry, que – você talvez já tenha imaginado – batizou o local em homenagem ao filme Um estranho no ninho, de Milos Forman (o nome no original era One flew over the cuckoo’s nest).

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Tanto os músicos quanto Jerry falam bastante a respeito de brigas com a polícia – o dono do local relata as vezes em que conversou com os agentes – e reclamam da violência policial. Por acaso, um dos agentes é entrevistado, e os meganhas locais, seguindo o exemplo dos cowboys, não tinham o menor apreço pelos punks. A luta de Jerry para manter o local aberto também está no doc. Mas se você quer sair fora das discussões, o documentário ainda tem apresentações bem legais do Black Flag, Circle Jerks e TSOL.

Paul Young, o autor do filme, era um estudante de cinema que tinha sido contratado por Jerry para filmar as invasões da polícia ao local. Acabou sendo responsável pelo documentário, e anos depois acabou ficando bastante indignado quando viu o filme We were feared – The story of The Cuckoo’s Nest, de Jonathan WC Mills, e reconheceu várias de suas imagens lá.

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