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Som

O anti-bubblegum dos Gothic Archies

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O anti-bubblegum dos Gothic Archies

Vocalista da banda Magnetic Fields – que lançou um disco novo em 2017, 50 song memoir e é conhecido por discos clássicos como 69 love songs, de 1999 – Stephen Merritt tem um projeto paralelo bem curioso. São os Gothic Archies. É uma espécie de zoação gótica com o bubblegum dos Archies, aquela banda-de-história-em-quadrinhos que cantava Sugar sugar.

O resultado soa irônico como convém à obra de Merritt e mistura situações tragicômicas, histórias macabras e melodias cantaroláveis, em músicas como The abandoned castle of my soul, Smile! No one cares how you feel, The tiny goat, City of the damned e outras. O projeto soltou um EP, um CD e ainda uma trilha sonora para livro.

Como assim? Os Gothic Archies foram convidados para escrever a trilha do audiobook de Desventuras em série, sequência de 13 livros lançados por Daniel Handler (assinados com seu heterônimo Lemony Snicket). Os livros são cheios de histórias sarcásticas e mórbidas sobre a vida sofrida de três crianças. A tal trilha foi para o disco The tragic treasury: Songs from A Series of Unfortunate Events, e também foi incluída no fim do audiobook de cada livro.

A declaração de princípios do grupo é We are the Gothic Archies. Uma canção que consegue ser alegrinha e gótica.

Olha aí Lemony fazendo um feat numa apresentação de Merritt, tocando Shipwrecked, do repertório dos Gothic Archies, em Seattle. Uma doce canção sobre um cara que adoraria ser um náufrago numa ilha perdida com a mulher amada.

Crítica

Ouvimos: MGMT, “Loss of life”

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Ouvimos: MGMT, "Loss of life"
  • Loss of life é o quinto álbum do MGMT, dupla norte-americana de rock eletrônico formada por Andrew VanWyngarden e Ben Goldwasser.
  • A dupla chegou a afirmar que o álbum teve um “parto relativamente indolor após um longo período de gestação” e que Loss of life tinha “20% de som adulto contemporâneo”. É o primeiro disco da banda desde 2018, e o primeiro álbum que a banda lança desde que deixou a Columbia Records.
  • A cantora francesa Christine and The Queens canta na faixa Dancing in the babylon.

Não é nenhuma novidade o MGMT baixar o tom, adotar violões e se parecer quase como uma versão menos unplugged de David Crosby. Isso já havia acontecido em discos anteriores, e tinha dado o belo diferencial do segundo álbum, Congratulations (2010), por exemplo. Mas em Loss of life a dupla volta diferente. O MGMT ressurge bem mais dedicado a sons acústicos, tons progressivos e canções agridoces do que no passado. Para achar algo parecido com o lado mais robotizado da dupla, você vai ter que procurar muito – até mesmo quando os tecladinhos e programações aparecem no álbum.

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Quem quiser entender a metamorfose que está rolando no MGMT, pode inclusive fazer o favor de procurar os álbuns oitentistas do Moody Blues. A banda pré-progressiva britânica dos anos 1960 gravou em 1981 um de seus discos mais radiofônicos, o prog-new-wave Long distance voyager, que emplacou hits como The voice e Talking out of turn, as duas tendo muito a ver com o que está rolando com Andrew VanWyngarden e Ben Goldwasser em 2024  – e incrível, o disco do Moody é mais synthpopista do que o do MGMT em vários momentos. Mas é como um espécie de pós-progressivo de rádio que a banda se apresenta nas duas partes da faixa-título, ou no quase-hino Mother nature, ou em Dancing in the babylon (com participação de Christine and The Queens, e lembrando uma espécie de ABBA no ácido), ou na viajante (e boa) Bubblegum dog.

A presença de mais baladas do que o normal, como Nothing to declare, I wish I was joking (essa, quase um baladão de AM, só que com sujeira na gravação/mixagem) e a psicodélica Phradie’s song pode assustar fãs do lado mais moderninho da dupla. Mas são sinais de mudanças, e de uma revolução no MGMT – que definitivamente está em busca de uma nova cara, o que é sempre legal. Precisa só acertar a mão de vez nas novas composições e, pelo menos nessa fase de transição, equilibrar calmaria e peso.

Nota: 6,5
Gravadora: Mom + Pop

Foto: Reprodução da capa do álbum

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Cultura Pop

Relembrando: Beck, “Stereopathetic soulmanure” (1994)

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Relembrando: Beck, "Stereopathetic soulmanure" (1994)

Havia uma certa confusão, durante um tempo nos anos 1990, sobre se Stereopathetic soulmanure (22 de fevereiro de 1994) era o segundo ou o terceiro álbum de Beck – ele foi lançado com uma semana de diferença para Mellow gold, primeiro disco “grande” do cantor, que estourou hits como Loser, o que causava certa confusão para alguns fãs.

Essa própria entrevista do artista à Rolling Stone, publicada após o álbum Odelay (1996) faz uma salada com os discos indies de Beck – e o cantor prosseguiu fazendo álbuns independentes mesmo contratado pela Geffen. Bom, Soulmanure é sim o segundo disco do artista norte-americano, mas soa como uma mixtape ou uma demo esticada até o limite.

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A fórmula de Beck em Mellow, unindo psicodelia, rock, tons country e barulheiras (como Motherfucker e a vinheta final Analog odyssey) aparece em seu esqueleto no álbum anterior, em faixas como a ruidosa Pink noise (Rock me Amadeus) e a quase grunge Thunder peel. Com 27 faixas em 60 minutos, o disco é rock independente de baixa fidelidade, realizado em estúdio caseiro, com tapes manipulados e gravações feitas ao ar livre (quase à moda do Araçá azul, de Caetano Veloso, o que explica o interesse que o baiano e o norte-americano passaram a alimentar pela música um do outro).

Stereopathetic soulmanure é bem mais cheio de ganchos do que se esperaria no caso de um álbum tão experimental – afinal, na prática, é uma mixtape que usa formatos como o country, o blues e a música tocada nas ruas. É o que surge em Rowboat, na releitura de Waitin’ for a train, do “pai do country” Jimmie Rodgers, no blues tocado na gaita de One foot in the grave (assistido, ao vivo, por uma plateia que se diverte bastante com a letra), no country fora da lei de Satan gave me a taco, e no banjo + percussão maníacos de Today has been a fucked up day, uma faixa que soa como se o ouvinte entrasse na casa de algum vizinho e flagrasse alguém cantando e tocando para si próprio numa garagem.

Puttin’ it down, tocada no violão por Beck, consegue simultaneamente lembrar Kinks, Nirvana (ate por causa dos vocais de Beck) e o estilo de composição de John Phillips (The Mamas & The Papas). Cut 1/2 blues é o lado blues bêbado do disco. Ozzy, provavelmente gravada numa festa, acaba sendo o registro mais bem acabado do disco – e é só uma canção bobinha que tira uma onda do veterano cantor de metal. Tasergun parece um lado Z do começo da carreira do Soundgarden ou do Nirvana. No final, os onze minutos de sons colados, fitas ao contrário, ruídos, gritos, conversas e ecos de Salmonella shizergeist (Utopia).

O Beck de Stereopathetic soulmanure ainda era um artista para ser ouvido por poucas pessoas, e que não tocaria no rádio. Muito embora a raiz do que daria certo em álbuns como Mellow gold e Odelay já estivesse lá.

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Crítica

Ouvimos: Lime Garden, “One more thing”

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Ouvimos: Lime Garden, "One more thing"
  • One more thing é a estreia da banda britânica Lime Garden. O quarteto britânico é formado por Chloe Howard (voz, guitarra), Annabel Whittle (bateria), Leila Deeley (guitarra) e Tippi Morgan (baixo).
  • A banda foi formada inicialmente por Chloe e Annabel, que se seguiam nas redes sociais e descobriram que estudavam na mesma escola. 
  • Chloe disse numa entrevista ao jornal The Independent que admira “bandas que mudam seu som de álbum para álbum. Isso é algo que queremos fazer”.

Se você prevê que 2024 vai ser um ano complicado, com projetos que já completaram dois anos sem sair do papel, parentes enchendo a paciência pra você fazer concurso público, possibilidades profissionais a depender do destino, e amigos de infância perguntando quando é que você vai largar essa vida de artista e casar/ter filhos, existe uma chance enorme de você se identificar com One more thing, disco de estreia da banda britânica Lime Garden.

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A banda não escreve letras como se fizesse músicas apenas para a turma da sua idade – ainda que a vocalista Chloe Howard tenha posto algumas lembranças de quando tinha 14 anos nas músicas, e o Lime Garden tenha surgido quando ela, Annabel Whittle, Leila Deeley e Tippi Morgan eram adolescentes. O repertório de One more thing une várias impressões e confissões de quem já tem vários boletos para pagar, mas ainda assim não esconde a insatisfação e aporrinhação com o mundo adulto.

No disco, tem a desilusão geral da letra de Popstar (“não quero trabalhar nesse meu emprego/porque a vida é curta e eu sou uma popstar”), o discurso anti-padrão de Nepotism (Baby), a porrada amorosa de Love song (“enquanto eu ando/enquanto eu sangro/eu quero levar você para todos os lugares comigo”), o vazio sexual do pós-pandemia em Pine (“todo mundo quer trepar/no entanto, ninguém parece admitir”). E vai por aí, tudo compondo um cenário de fácil identificação.

Falando de som, que é o principal, o Lime Garden tem lá suas referências mais recentes (ecos de Strokes e Dry Cleaning podem ser vistos aqui e ali). Mas é pós-punk como se viesse da Inglaterra nos anos 1980, e não 2020 – tem baixo dominando os arranjos, bateria motorik herdada do rock alemão e várias palhetadas na guitarra, com canções como Love song, Mother e I want to be you unindo melodia e experimentalismo como faziam Pixies, Public Image Ltd, Gang Of Four, Talking Heads, Breeders e outros grupos. A dançante Fears traz riffs e toques eletrônicos que ameaçam deixar entrar um nu-metal mais leve – mas é só a impressão inicial. Encerrando tudo, uma triste balada de violão e piano, Looking, unindo amor, desesperança e frieza.

Nota: 8
Gravadora: So Young

Foto: Reprodução da capa do álbum.

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