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Cultura Pop

Marcos Valle: “Por causa de ‘Estrelar’, em 1983, eu virei o Xuxo”

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Marcos Valle: "Por causa de 'Estrelar', em 1983, eu virei o Xuxo"

Marcos Valle é um cara cheio de energia. Fala rápido, emenda vários assuntos e recorre à música para falar dela própria. Procurado pelo POP FANTASMA para recordar os tempos de seu disco epônimo de 1983 (que acaba ser reeditado em vinil pelo selo Mr. Bongo), ele revisitou Estrelar, o principal hit do disco, imitando até as levadas da canção com a boca.

Por sinal, muita coisa do arranjo que você ouve até hoje – criado pelo inesquecível Lincoln Olivetti – foi criado dessa forma. “Ele fazia tudo com a boca, passava para todo mundo e os caras faziam igual”, recorda. A base instrumental de Estrelar tinha sido composta nos Estados Unidos por Marcos e pelo americano Leon Ware (1940-2017). E, pode acreditar, a música quase ficou de fora do disco, lançado em 1983 pela Som Livre. A gravadora tinha prazos e, até o fim da gravação do álbum, nem o cantor nem seu irmão e letrista Paulo Sergio Valle tinham ainda uma letra pronta. Foi justamente a palavra “energia” que mudou a história da canção,. E turbinou o pop adulto de rádio, que por aqueles tempos ganhava hit atrás de hit (Lulu Santos, Ritchie, Marina Lima, Dalto).

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Já relançado em CD em algumas ocasiões, Marcos Valle, o disco, volta ao universo do vinil, por intermédio do selo inglês Mr. Bongo. Dessa vez, sai numa edição incrível, remasterizada pelo engenheiro de som Miles Showell no lendário estúdio Abbey Road. Para o relançamento, Miles usou a técnica Half-Speed Mastering – na qual o disco é masterizado a uma velocidade menor, resltando em um som mais definido. Batemos um papo com Marcos por telefone e ele relembrou os tempos felizes de Estrelar, música que serviu de trilha sonora para um daqueles períodos raros em que, num país bizarro como o Brasil, parecia que tudo ia dar certo. Não deu até hoje, mas fica a música.

POP FANTASMA: O seu disco de 1983 tem reaparecido hoje em dia como um dos álbuns mais conhecidos da onda boogie, que era um termo que era pouco usado no Brasil naquela época. Como você vê essa redescoberta?

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MARCOS VALLE: Na verdade quando eu gravei esse disco, na minha cabeça essa coisa do boogie não era minha meta. Esse disco é uma consequência daquele trabalho que fiz quando fui morar de 1975 a 1980 em Los Angeles, e ali fiz aquela minha parceria com o Leon Ware. A maioria das músicas desse disco, inclusive o próprio Estrelar, são consequências dessa parceria, que caminhou por vários lados. As ligações com o Leon Ware vêm muito pelo som da black music, do soul, do R&B, e do boogie.

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Mas na minha cabeça, o boogie ficou como uma sutileza na história. Eu pensava que estava fazendo uma ligação entre os ritmos brasileiros e a black music. E assim foi nascendo, porque ficava uma mistura de baião com esses estilos. Por exemplo, o Estrelar, no fundo é um funkeado que tem um baião (imita o ritmo com a boca). Eu pensava muito mais no prazer que eu estava tendo com as misturas. Aquele momento pra mim foi saboroso. Mas antes desse disco, eu gravei o Vontade de rever você (1981)…

Que é o primeiro pela Som Livre, inclusive.

Isso, eu volto para o Brasil exatamente porque a Som Livre está pedindo um disco meu. Falaram até com meu irmão: “Pô, fala com o Marcos, ele tem que voltar!”.

E antes você tinha feito coisas para a Som Livre, mas mais como convidado, porque você era da Odeon, certo? 

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Exatamente, o tempo todo eu fui da Odeon. Naquele momento, a Som Livre, com o Max Pierre, que era o diretor musical, estava interessada naquela mistura que eu estava fazendo. Sabia que o Chicago tinha gravado músicas minhas. Acabei aceitando voltar, porque eu estava com muita saudade do Brasil. Primeiro chego aqui para ver, fui no Arpoador, me encantei com aquilo tudo e falei: “Eu vou voltar!”. Ainda fui para os Estados Unidos, terminei algumas coisas com o Leon Ware, inclusive o Estrelar. E aí entreguei apartamento, aquelas coisas que você tem que fazer na hora de voltar.

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Quando fui fazer o Vontade de rever você, que tem muitas parcerias minhas com o Leon, eu não coloquei o Estrelar. Ela já tinha aquela misturada na época. O disco tinha o Velhos surfistas querendo voar, que é uma adaptação em português do Rockin’ you eternally (gravada por Leon no disco de mesmo nome, 1981). Esse disco tem também A Paraíba não é Chicago, que é uma adaptação do Baby don’t stop me (também gravada por Leon no mesmo disco). Mas ainda não havíamos chegado no boogie.

Esse disco tem essa misturada toda, mas quando chegou no de 1983, o Max me pediu: “Marcos, você e Lincoln (Olivetti) juntos vão botar pra quebrar! Porque é uma linguagem parecida, estão na mesma direção. Ele com essa coisa dos metais, somado aos seus teclados, vai dar uma coisa fantástica”. Topei imediatamente porque eu era fã do Lincoln, ele era meu fã. Aí o disco toma essa forma mais dançante, mais energética, do ritmo prevalecendo. Com os metais do Lincoln isso aparece mais.

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E é verdade que Estrelar quase não entrou no disco?

Isso, porque o Estrelar tinha sido uma das últimas músicas que eu gravei com o Leon. Eu cheguei aqui em 1980, tive esse reencontro com o Rio, voltei para lá, trabalhei em algumas músicas – inclusive Estrelar – e voltei. Aí fiz um demo. Como o Leon tinha uma editora dentro da A&M Records, tínhamos um estúdio à nossa disposição para o que fazia com ele. Era só chegar lá e chamar a moçada para gravar com a gente. A gente fez a demo de Estrelar e trouxe essa gravação, mas ela já pronta, mixada. Mostrei para o Max e para o Lincoln. E eles se apaixonaram pela música. Isso na época do segundo disco. Engraçado que não mostrei para eles no primeiro disco, guardei.

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A gente começou a pensar o disco: “Vai ser de músicas novas, misturadas?”. Quando o Lincoln ouviu o demo, falou: “Max, p… que pariu, vamos usar esse demo!”. Mas vimos que tecnicamente ia ser complicado, a gente não tinha feito aquilo como gravação final, nem tinha pistas separadas. A gente achou mais simples imitar a gravação e o Lincoln colocar em cima os metais. Foi gravado, ficou no disco, mas a letra não saía. A gente foi gravando as outras coisas. Meu irmão tinha colocado outras letras, eu e Lincoln fomos gravando as bases, o disco com aquela energia cada vez mais forte… Mas o futuro Estrelar não tinha letra, o Paulo Sergio (irmão de Marcos e letrista) não conseguia.

Até que o Max chegou e falou: “Marcos, essa música vai sair do disco, a gente tem que lançar, tem prazos. Se vocês não fizerem uma letra ela tá fora”. O Lincoln: “Max, não me faça uma coisa dessas!”. Aí a gente foi pro estúdio, já tendo gravado tudo. Botamos Estrelar pra tocar, aquele som, alto pra caramba (imita os metais da abertura). Mas foi bom, porque à medida que a gente ia ouvindo, falava: “O que a letra tá dizendo? Tem que ser agora!”. Alguém falou “energia”, “que energia!”. Quando falaram isso, puxou: “energia, exercício, ginástica”. Peguei uma frase da guitarra (imita), cortei a melodia, porque pra colocar uma letra seria complicado. Aí que surgiu o “tem que correr”, e apareceu a ideia de trazer o tema do verão, da alegria. A gente estava de volta à democracia!

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A música foi lançada na época certa, não é? Passou 1982 e as pessoas tinham alguma certeza de que as coisas haviam mudado no país.

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Isso, por isso que caiu no momento certo, com a vibração certa, a coisa dançante, “vamos comemorar”. Foi um série de coisas e ela se tornou a música que puxou o disco. Max quando ouviu chamou os caras de rádio, e disseram: “Cara, isso vai arrebentar!” E ainda por cima tiveram a ideia de mandar a música para as academias de ginástica! Todas começaram a tocar. Essa música depois virou o tal do boogie. Eu estava fazendo isso mas nem sei definir os ritmos que eu faço. Como é uma mistura de baião, samba, funk, eu nem defino.

A foto da capa do disco é emblemática. Você lembra como ela foi tirada?

Antes a gente lançou o compacto de Estrelar, mas eu nem tinha cortado o cabelo, estava com roupa de ginástica na foto. Essa música Estrelar toma a concepção do disco, embora o resto do disco nem tenha nada a ver com ginástica. Mas para a capa do LP, o Max diz que ela tem que ter a concepção da música. “Tem que trazer esse seu lado saudável, esportivo, é isso que nós queremos, daí vamos botar aqueles sucos”. Eu cortei o cabelo, porque me perguntaram se não dava para fazer um look novo. Assim foi feito. Fizemos a capa, passamos o dia inteiro mexendo naquelas cores.

Foi num estúdio?

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Foi em estúdio, acho que foi no da Tycoon, da Globo. Tenho quase certeza que foi no dia em que fiz um clipe, que não foi aquele do Fantástico… Fiz com duas meninas de biquíni num estúdio…

Marcos Valle: "Por causa de 'Estrelar', em 1983, eu virei o Xuxo"

Foi a propaganda do disco na TV, não?

Isso, foi isso mesmo! Foi o dia inteiro a gente naquilo. Eu jamais poderia imaginar que esse disco estaria ate hoje com esse apelo e que a capa viraria o que virou!

Eu acho que se você quiser entender artisticamente os anos 1980, é só olhar para três capas de discos: a sua, a do Thriller, do Michael Jackson, e a do Voo de coração, do Ritchie.

Pois é, né? Mas essas coisas, é como falam de um acidente: “Tem várias coisas que comungam e acontecem na hora certa”. Às vezes são coisas que dão errado, mas tem coisas que dão certo. É uma tempestade perfeita, mas estou falando das coisas que dão certo. No caso, a música é diferente, o ritmo é diferente. A sonoridade é diferente. A gente gravou a base igual à da demo, mas o Lincoln (imita os metais)… E ainda tem os caras que cantavam. O Lincoln ficava: “Ó, faz isso assim, assim. Marcos, tá bom assim?”

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Ele passava os arranjos com a boca?

Com a boca, passava para todo mundo e os caras faziam igual. Eu dizia: “Não acredito nisso!” Era ele falar e os caras abriam as notas. Ele só começava a gravar às 2h da manhã. Era um horário muito louco. A Som Livre trabalhava em dois turnos, um depois do almoço, de 14h às 22h. E um das 22h em diante. Eu nem sou de dormir cedo, acordar cedo, mas um dia eu estava lá e depois das 22h não havia chegado ninguém!

Eu falei: “Mas, Max, tem certeza que eles vêm?”. E ele: “Ih, rapaz, esqueci de falar, é assim mesmo!”. Quando chegava, tava todo mundo super alegre, a gente pedia pizza do Domino’s, ali perto. Aliás, na verdade, a gente começava a gravar às 3h da manhã!

Nossa!

Tive que me reformular, o ritmo era esse e eu precisei pegar a energia deles. Os metais do Lincoln era como se fosse aquela base. O disco inteiro foi para esse lado. O Lincoln trouxe um monte de teclados, ele tocava um, eu tocava outro. O Robson Jorge era craque na guitarra, mas também tocava teclados. Eu tinha certeza que nossa junção ia dar no que deu. E assim foi!

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O estúdio que você fala é o Level, da Som Livre, em Botafogo, certo?

Isso, foi lá. No segundo andar, a gente ia para lá, tudo gravado ali. Tivemos ali o tempo necessário, sem pressa nenhuma.

E tem uma história de que um cara parou você na rua, nessa época, e falou: “Comecei a fazer ginástica por sua causa!”. Aconteceu isso mesmo?

Sim! Cara, foi engraçado, porque quando a música arrebentou, fui para Búzios. Depois daquelas madrugadas de trabalho, eu precisava dar uma mergulhada. Recebi um recado do Max para eu ligar para ele. Isso era 1983, como não tinha celular, o cara da telefônica ia na sua casa dar a mensagem. Fui na telefônica ligar, e o Max: “Quer saber? A música arrebentou. Tá gostando ou não tá gostando da notícia?” Eu: “Claro!”. “Então volta agora!”. E foi montado um esquema de divulgação, que incluía não só shows mas aqueles shows na periferia…

As caravanas do Chacrinha?

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Também! Mas tinha os bailes do Cassino Bangu, você cantava com playback, dobrando com a voz que já estava gravada. Numa das noites, eles me falam: “Pô, você podia vir com uma roupa de ginástica!”. Eu comecei a fazer uma adaptação, botar certas roupas que dessem um sentido de estar esportivo. Soma isso com o Chacrinha e toda semana eu tava ali. O Fantástico fez um clipe…

Como foi feito o clipe?

O clipe foi gravado no Recreio, foi um dia inteiro. A gente esperou pelo dia certo, eu fui lá para a Globo do Jardim Botânico. Pegamos um carro vermelho, eu vinha dirigindo o carro com equipe me filmando, a gente saindo do Jardim Botânico e passando pelos túneis, pela Barra. A gente fez essas filmagens até chegar no Recreio. Tinha uns seis ônibus, com figurantes, técnicos, coreógrafos, era quase um escritório na areia, entre a Barra e o Recreio. Tem bar, cadeira, um sofá-cama, bicicletas. Tinha a minha parte passando de bicicleta pra cá e para lá, e um balé, que era no fim da tarde. A gravação começou às 6h da manhã e foi até umas 18h, 19h. Eles queriam pegar o pôr do sol.

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Mas enfim, isso tudo foi somando, e eu virei um, digamos, sex symbol. Isso atingiu as idades todas, eu virei meio o “xuxo” (risos), porque os pais vinham e traziam os filhos, uns garotos de seis anos, e o garoto: “Eu adoro você”. Era criança, pai, avó, todo mundo me agradecendo por causa disso, de exercícios. Isso eu ouvi muito! Eram pessoas que tinham me conhecido naquele momento, porque eu tinha passado cinco anos fora do Brasil. Então eu tô ali com uma roupa meio esportiva, com umas meninas fazendo ginástica… Apareceu gente perguntando se eu não podia fazer um vídeo de ginástica, ou dar uma aula. E eu: “Pô, mas eu não sou professor!”. Apareceu até gente querendo botar dinheiro para eu abrir uma academia.

Sério?

Sim! E eu falava: “Não, isso é apenas uma música”. Mas durante um tempo, até as pessoas entenderem a história, me viam como professor de ginástica, porque eu falava: “Tem que correr, tem que suar, tem que malhar”. Mas isso era natural em mim porque eu e Paulo Sergio sempre fizemos ginástica, a gente sempre curtiu isso, nosso pai botava a gente pra fazer vários esportes. Eu fazia na academia, era comum, o professor falava: “Bora, bora, pode parar, pode parar! Marcos, tem que correr!”.

Na hora de botar letra eu trouxe isso junto com o Paulo Sergio. Numa hora em que a gente estava gravando, o Lincoln me disse: “Cara, fala alguma coisa aí na música!”. Aí eu falo: “Não pode parar, vamos nessa!”. Isso são coisas que eu ouvia na academia, era uma coisa natural. Não estava inventando uma história. Mas o “vamos festejar!” resume tudo isso.

E na época estava rolando uma onda fitness, que se estendeu à música. O Raul Cortez gravou um disco de ginástica, o Arnold Schwarzenegger fez outro…

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Eu lembro do disco do Cortez. Era uma vontade de “vamos nos cuidar, vamos ser felizes”. E tinha também outras coisas: “Agora a gente vai votar, os artistas vão poder falar o que querem”. Era uma sensação de festa.

Você chegou a desenvolver um certo medo de palco nos anos 1970 e precisou se disciplinar bastante para ir ao Chacrinha, aos programas de TV. Como se deu isso?

Quando eu saí do Brasil em 1975 eu tinha saído daqui porque eu estava psicologicamente abalado pela ditadura, aquilo tudo tinha chegado a um ponto pra mim… Eu nem sabia que aquilo ia me afetar tanto. Eu nem conseguia emitir minha voz, até mesmo falando. Não entendia e comecei a notar que era um bloqueio. Como é que eu poderia ir para um palco? Era uma insegurança profunda que eu estava tendo por causa do regime. Uma vez fui detido com o Chico Buarque e com o Egberto Gismonti. Nesse momento somei tudo e pensei: “Vou sair daqui”. Por ironia, uma das primeiras coisas que eu fiz lá foi cantar com a Sarah Vaughan, naquele disco em que ela canta Beatles. Cantei Something com ela. Mas era estúdio, ali eu pude cantar, e a Sarah era muito legal.

Continuei com os problemas, mas quando eu volto, uma das coisas que mais me auxiliaram foram esses bailes do subúrbio e os programas do Chacrinha. Porque eu tinha que ir lá, mas a base já estava gravada, e ali eu comecei a usar aquilo como laboratório, “é aqui que você vai se soltar”. No programa do Chacrinha você não podia ficar parado, tinha que balançar. A timidez ali… nem pode! Comecei a me soltar, a ver a resposta do público, e comecei a ter abertura comigo mesmo a cada vez que eu cantava junto. A voz começou a voltar, a se projetar.

O primeiro baile que eu fiz no subúrbio, eles tinham que levar um artista que atraísse as mulheres, porque elas não pagam. Os homens pagavam, mas eles iam porque tinha muita mulher. E os caras ficavam me olhando firme, tipo “quem é esse cara?”. Mas fiz o show inteiro. No final, falaram: “Olha, tá ótimo mas você tem que se mexer. Você tá cantando ‘tem que correr’ e tá parado. Se solta aí, meu amigo!”. Aí que eu comecei a usar isso, e foi gradativo. Essa música, além de trazer essa abertura de alegria geral, me trouxe a alegria de botar a voz para fora, de cantar. Foi um grande laboratório para mim. Eu lembro que eu me inspirava naquele programa Soul train, quando eu fazia playback.

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Putz, o Soul train era bom demais.

Era maravilhoso: James Brown, Marvin Gaye, todo mundo fazendo playback. Quando eu fui fazer o primeiro playback, eu estava apavorado. Perguntei pro Max se ia dar certo, e ele: “Não, cara, já tá dando certo. Você estava nos Estados Unidos, não lembra do Soul train?”. Me imaginava no Soul train e não deu outra, lógico que deu certo. Às vezes eu fazia por noite uns oito shows. Você chega com o carro, canta seis música, o empresário tá ali pegando o dinheiro, e depois você pega o carro e vai para outro lugar.

Teve depois Bicicleta, que foi só um single. E foi a última coisa que você fez pela Som Livre. Por que o contrato acabou?

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A Som Livre ia dissolver o elenco. Queriam que eu gravasse mais uma música nesse sentido, e falei com o Paulo: “Pô, a gente já falou o que tinha que falar, mas como essa música pegou muito com a criançada, vamos fazer uma coisa que tenha a ver com exercício mas para criança”. E ele deu a ideia da Bicicleta, que é uma coisa que crianças adoram. Eu mesmo curti muito bicicleta na minha vida, quando fui a Friburgo. E é exercício, passeio, junta todo mundo e vamos passear. E fiz o compacto, que pegou uma carona no sucesso do Estrelar. Tanto que se você pegar minha trajetória no Chacrinha, eu emendava uma semana lá com Estrelar e outra com Bicicleta. O Chacrinha chegou a fazer um clipe, comigo e com as Chacretes na Praia do Pepino. Ele adorava a música, gostava de dar ideias.

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Cinema

Toomorrow: quando Olivia Newton-John fez um musical espacial “jovem”

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Toomorrow: quando Olivia Newton-John fez um musical espacial "jovem"

Fãs de Olivia Newton-John (que saiu de cena nos últimos dias) deram uma reclamada, com razão, quando viram nas redes sociais um bando de gente que só lembrou da fase Physical da cantora. Ou de clássicos da telinha como Grease e Xanadu, surgidos de uma fase em que Olivia já era tudo, menos um rosto novo. Antes disso, ela já vinha gravando discos na onda do country pop e do folk desde 1971, tinha conseguido o primeiro disco de ouro em 1975 com o sexto álbum, Clearly love, e vinha fazendo filmes desde o começo da década.

Um filme bem interessante que Olivia fez, e que está inteiro no YouTube (pelo menos por enquanto), tem um plot bem curioso, e ainda por cima rendeu um trilha sonora que prometia. Aliás, o próprio filme foi uma promessa – que não rolou. Toomorrow, dirigido por Val Guest, saiu em 27 de agosto de 1970 no Reino Unido, e tinha a cantora como protagonista. Olivia fazia uma personagem chamada Olivia, que era a líder de um grupo pop (cujo nome era Toomorrow) que era observado de longe por extraterrestres, e acabava sendo abduzido.

Além da cantora, o grupo tinha Karl Chambers (bateria), Ben Thomas (voz, guitarra) e Vic Cooper (teclados). Essa turma, que mantinha a banda como uma forma de financiar os estudos, acabava envolvida numa trama que misturava musical, ficção científica e filme “jovem”, com direito a cenas de protestos estudantis e sit-ins alegres. Se você nunca viu, nem ouviu falar e tem curiosidade, segue aí.

Toomorrow não chegou a ser um grande sucess… não, pensando bem foi um retumbante fracasso. O filme teve problemas desde o começo porque sua dupla de produtores começou trabalhando direitinho e depois passou a se odiar. Os dois eram ninguém menos que Harry Saltzman, que produziu filmes de James Bond, e Don Kirshner, que foi o primeiro produtor dos Monkees. Nessa época inicial, problemas com o roteiro, que nunca ficava do jeito que a dupla e o diretor queriam, e problemas maiores ainda com grana (Guest diz nunca ter sido pago pelo filme) melecaram o processo ainda mais. Olivia chegou a afirmar que o filme “pelo menos valeu a experiência”.

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No fim das contas, Toomorrow foi exibido por apenas uma semana em Londres, e ressurgiria anos depois em exibições especiais, além de seu lançamento em DVD. O mais curioso é que o filme teve até uma trilha sonora, lançada pela RCA. Apesar de ser uma trilha, era creditada à banda Toomorrow, que não existia na prática. Esse disco, um não-marco do pop gostosinho, está até no Spotify.

A tal trilha saiu em 1970, junto do não-lançamento do filme, e honrava bem um projeto que, de certa forma, havia começado com a ideia torta de ser um Monkees de luxo da nova década. Don Kirshner atuou como supervisor musical (todo o material foi publicado em sua editora) e tanto as composições das faixas quanto a produção do LP são creditadas ao cantor e compositor Ritchie Adams e ao produtor Mark Barkan. Chegaram a sair mais duas faixas do Toomorrow num single, também de 1970, lançado pela Decca – a capinha do disco anunciava até pôsteres do grupo.

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Cultura Pop

Relembrando o 120 Minutes da MTV em site e clipes

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Relembrando o 120 Minutes da MTV em site e clipes

Tá faltando gente pra fazer isso com os programas de música do Brasil – ok, dá mais trabalho, enfim. Lá fora tem uma turma bastante dedicada a recordar os bons tempos do 120 minutes, programa “de música alternativa” da MTV que misturava novos lançamentos, entrevistas, bate-papos reveladores e apresentadores especiais (gente como Lou Reed e Henry Rollins).

O programa durou de 1986 a 2000 (foi encerrado pelo canal sem alarde) e foi substituído por um programa análogo chamado Subterranean, além de dois retornos à telinha, no canal associado MTV 2. Entre os apresentadores titulares, gente como JJ Jackson, Martha Quinn e Adam Curry. Agora, a lista de músicas que foram lançadas pela atração e que hoje são tidas e havidas como clássicos, assusta. Tem Smells like teen spirit (Nirvana), Under the milky way (The Church), Kool thing (Sonic Youth), Mandinka (Sinead O’Connor), World shut your mouth (Julian Cope), Seattle (Public Image Ltd), Just like heaven (The Cure) e outras, umas mais, outras menos conhecidas.

A novidade é que um sujeito chamado Chris Reynolds subiu no YouTube uma playlist chamada 120 minutes full archive, com supostamente todos os clipes que foram lançados pela atração.

E uma radialista chamada Tyler Marie criou um site que traz tudo (ou quase tudo) sobre o programa: quem apresentou cada edição, os convidados, os clipes que foram apresentados, etc. “A partir de nossa página inicial , você pode navegar por 27 anos de playlists de 120 Minutos da MTV e seu sucessor, Subterranean“, explica ela. “Este projeto começou em 2003 como o site não-oficial do 120 Minutes, quando o programa ainda estava no ar na MTV2. Surgimos com a ideia de postar a playlist toda semana, porque a MTV não o fazia”, completa.

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Aqui no Pop Fantasma, a gente já recordou o dia, em 1986, que Lou Reed foi um dos apresentadores do programa. Só que chegou usando óculos escuros quase cobrindo o rosto todo, falando com voz grave, de cara amarrada, e disposto quase a encher um convidado da atração de porrada – ninguém menos que Mark Josephson, um dos criadores do New Music Seminar, painel de música que serviu de modelo para vários music conferences ao redor do mundo, reunindo bandas, novos artistas, CEOs de gravadoras, gente de mídia, etc. Mas ele também deu uma de fan boy quando entrevistou a iniciante Suzanne Vega e apresentou clipes.

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Cinema

Tangarella: uma pornochanchada com Jô Soares e Paulo Coelho (!)

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A carreira de Jô Soares como ator incluiu um filme que pediu para ser trash e ficou três vezes na fila: Tangarella, a tanga de cristal era uma pornochanchada soft lançada em 1976, dirigida e escrita por Lula Campello Torres, e que tinha o humorista interpretando uma espécie de mordomo trapalhão (Erasmo), meio viciado em participar de concursos, que trabalhava para uma família disfuncional e falida, e que complementava a renda trabalhando como consultor sentimental numa revista.

A grande curiosidade é a participação de ninguém menos que Paulo Coelho (!), naquele que talvez seja seu único papel no cinema, interpretando Avelar, um garotão meio vida-torta. Numa das cenas, Paulo aparece sentadão numa poltrona, lendo um exemplar da revista Vampirella. Por acaso, Cachorro urubu, parceria dele com Raul Seixas, aparece na trilha do filme (na interpretação de Raul no disco Krig ha bandolo, de 1973).

Tangarella: pornochanchada de 1975 com Jô Soares e Paulo Coelho (!)

A tal família esquisita era o prato principal do filme. Lucio Tangarella (Jardel Filho), um marido abusivo, viciado em jogo, violento com a mulher e a filha, Sandra – que assiste a todas as brigas dos pais. Ele fica viúvo e casa-se com Luísa Maria (Lidia Mattos), uma dondoca também viúva, que tem três filhos, Âncora (Regina Torres), Alvorada (Fanny Rose) e o tal Avelar. Sem grana por causa do vício em jogo do marido, Luisa sai em busca de um empregado que não saiba fazer nada direito, para que ela possa pagar bem pouco a ele. Erasmo, que mal consegue carregar objetos sem se atrapalhar, é contratado.

O que a madame não contava era que Lucio desaparecesse e deixasse a esposa com o três filhos, com o mordomo e… com a filha Sandra, já adolescente (e interpretada por Alcione Mazzeo). Ela sofre bullying da família e é tratada como uma criada. Até que surge na história um garotão interiorano, rico e meio outsider, Muniz Palacio (interpretado pelo designer de capas de discos e editor do jornal alternativo Presença, Antonio Henrique Nitzche) e algumas coisas mudam.

Tangarella foi lançado discretamente, em cinemas do Rio e de São Paulo, e foi considerado um filme “leve”, liberado para jovens de 14 anos. É uma produção que dá vontade de socar as paredes de tão trash, mas é um filme bem legal – aliás é uma boa indicação para quem curte ver imagens antigas do Rio de Janeiro, já que aparecem lugares como a Lapa, o Largo da Carioca, o Túnel do Pasmado (mesmo local em que o personagem de Roberto Carlos já havia entrado com um helicóptero no filme Em ritmo de aventura, de 1967) e até o Carnaval carioca (que dá sentido à tal “tanga de cristal” do título).

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Lula Campello Torres é um cineasta sobre o qual há bem pouca informação – na Globo, em 1991, ele escreveu uma minissérie chamada Meu marido, ao lado de Euclydes Marinho, que foi assistente de direção em Tangarella. O filme foi todo montado como se fosse uma espécie de documentário ou novelinha de rádio “com imagens”, já que um narrador (Aloysio Oliveira, dublador de filmes da Disney e criador do selo bossa-nova Elenco) vai explicando toda a história. As aparições do já saudoso Jô Soares são quase sempre de rolar de rir, especialmente quando ele participa de uma maratona de corredores sambistas, ou quando se veste de fada madrinha para ajudar Sandra.

Pega aí antes que tirem do YouTube.

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