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Cultura Pop

Ednaswap: a banda que gravou Torn antes da Natalie Imbruglia

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Ednaswap: a banda que gravou Torn antes da Natalie Imbruglia

Sabe o Ednaswap? Não? Vamos por partes.

Desconfio que isso não era novidade para muita gente, mas lá vai: Torn, primeiro sucesso da cantora australiana Natalie Imbruglia, não era uma música feita por ela. Alias sequer tinha sido feita com exclusividade para ela. A canção já tinha sido gravada três vezes antes de ganhar a versão que a tornou famosa de verdade –  e que saiu em 1997 como single e no disco de estreia de Natalie, Left of the middle.

Já tem gente comparando o som de Solar power, novo disco da Lorde, com o de Natalie. E a própria Lorde apareceu no Fantástico cantando a música que tornou a australiana famosa. Aliás o clipe de Natalie, no qual ela aparece dando um beijo nada técnico no ator britânico Jeremy Sheffield, rolou tanto na MTV que enfiou a música à força na cabeça de todo mundo, Brasil inclusive.

A música foi parar na mão de Natalie porque Left of the middle tinha um sujeito chamado Phil Thornalley na lista de produtores. Phil produziu o Pornography, do Cure (1982) e, numa saída do hoje igualmente “saído” Simon Gallup, assumiu o baixo da banda durante 18 meses. Em suas andanças como produtor e compositor de aluguel, acabou compondo Torn ao lado de dois integrantes de uma nova banda dos Estados Unidos chamada Ednaswap: a cantora Anne Preven e o guitarrista Scott Cutler.

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Torn inicialmente seria uma canção solo de Anne, mas acabou indo parar no repertório do Ednaswap, que existia desde 1993 e fazia um som que poderia ser acondicionado tranquilamente na gaveta do grunge, ou pós-grunge. Apesar da letra da canção trazer várias amarguras sobre o fim de um relacionamento, a inspiração dos autores foi uma viagem de avião para Londres que deixou ambos com fuso horário trocado. Juntaram tudo isso e acabaram fazendo um hino do pé na bunda e do fim de namoro.

O Ednaswap demorou para gravar a própria música, e Torn demorou para virar sucesso mundial. Tanto que a primeira versão, em 1993, foi em… idioma dinamarquês, com o nome de Brændt (“queimado”, em bom português). A responsável pela versão foi a cantora Lis Sørensen, que já fazia bastante sucesso local desde 1983. A canção na voz dela teve até clipe.

Não era bem o grande sucesso com o qual a dupla sonhava, mas ainda havia a possibilidade de o Ednaswap cantar a própria música. Foi o que fizeram em 1995 no disco Ednaswap, de 1995. A versão deles vem em tons bem mais deprê e o que parecia uma quase-superação de fim de relacionamento na releitura de Natalie ganha ares de corneira real oficial.

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Muita gente até hoje acha que a própria Natalie fez Torn. Ou seja: dá para dizer que a “versão do autor” do Ednaswap não saiu do quase. E olha que o Edna ainda fez outra tentativa regravando a faixa no segundo disco, Wacko magneto (1997). Contratado pela Island no segundo disco, o grupo começou a caminhar na prancha do pirata na gravadora e ficou lá só por mais um álbum, Wonderland park (1998), em cuja capa posam de Cranberries, dividindo o mesmo assento. Depois acabou.

Antes de Natalie fazer sua gravação, ainda teve a versão da cantora americana de ascendência norueguesa Trine Rein. Foi em 1996.

A versão de Natalie, finalmente, deu a Torn o sucesso que merecia. Anne e Scott ficaram inicialmente de nariz torcido para a leitura da australiana e rolou certa amargura porque “pô, a versão não é a nossa…”. Só que receberam um telefonema avisando que a canção havia atingido o número 1 no Reino Unido. Ou seja: vinha grana aí. E veio mesmo. Em vinte anos de sucesso, a dupla abiscoitou uma média de trezentos mil dólares.

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Deu tão certo que os dois pararam com a banda e resolveram se concentrar numa produtora de canções. “A música mudou tanto a minha vida quanto a de Scott em termos de tudo. Isso nos mostrou que devemos nos limitar a escrever canções e não perder muito tempo na banda”, afirmou Anne Preven ao Daily Mail. De lá para cá, ela já fez músicas com Demi Lovato, Pixie Lott, Adam Lambert, Katy Perry, Miley Cyrus e uma turma aí. Só Torn que muita gente não sabia que era dela e de Scott.

Ah, sim, quando os dois eram apenas integrantes do Ednaswap, Scott e Anne fizeram uma música junto com Madonna para um disco dela, Bedtime stories (1994). Era Sanctuary. Pega aí.

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Coisas que Elza Soares me disse

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Coisas que Elza Soares me disse

Eu não tenho guardados, infelizmente, os áudios das entrevistas que fiz com Elza Soares na época em que eu trabalhava no jornal O Dia. No dia a dia de uma redação, muita coisa é feita por telefone e se perde – até porque qualquer pessoa que já trabalhou em redação sabe o quanto o trabalho é pesado, com várias entrevistas ao longo do dia, muito material que vai sendo jogado para HDs externos, etc.

Quem entrevistou Elza se recorda de uma coisa: ela gostava de falar. O apresentador e jornalista Zeca Camargo me contou – quando o entrevistei para conversar sobre a biografia que ele escreveu sobre dela, Elza – que tinha em seu smartphone cerca de “53 horas” de conversa com a cantora. Eram fatos nunca revelados, como seu breve namoro com as drogas durante os anos 1980, além de muitas histórias sobre seu relacionamento com o jogador Mané Garrincha. E o sempre atento Zeca notou uma coisa a respeito de Elza: a vida da cantora era como um videogame. “Sempre tem uma fase nova, com novos desafios”, contou.

Nas vezes em que entrevistei Elza, fui surpreendido com uma peculiaridade da fala dela: era rápida, e ficava mais rápida ainda quando ela se animava com algum assunto, ou quando se indignava com alguma coisa. Eu sempre fui um entrevistador que vai direto ao assunto. Essa minha característica rendeu bem com ela: a simples menção de alguns nomes, ou de palavras como “machismo” e “racismo”, já fazia com que ela dissesse as frases mais veementes, desse as declarações mais interessantes e falasse bastante. Sendo que cada lembrança, cada fala, cada entrevista, era um aprendizado.

E nada melhor do que ouvir Elza para homenageá-la. E não apenas sua música, mas também tudo o que ela, com vários anos de música, de vivência, de sofrimento, tinha a dizer. Também era adorável observar o carinho e a dedicação com que ela encarava sua música, e a produção de arte num país tão estranho como o Brasil. Nos últimos anos, os discos de Elza eram norteados pela escolha de canções com letras fortes e críticas. Era proposital: ela queria dar voz a uma série de pessoas em situação de vulnerabilidade, e queria produzir eco.

Seguem aí algumas coisas que Elza Soares me contou em algumas entrevistas. Em tempo: o bate papo mais inusitado que tive com ela foi num Prêmio da Música Brasileira, no momento em que repórteres e fotógrafos esperavam pela saída triunfal de Ivete Sangalo. Elza, com quem eu nunca havia me encontrado na vida, passava por ali, simplesmente me cutucou e perguntou “oi, vocês estão esperando quem?”. Parei tudo imediatamente para conversar com ela – uns dez minutos de papo sobre o prêmio – e mandei a conversa para os editores do online. Deve ter sido a entrevista mais surpreendente da minha vida.

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E é isso. Obrigado pela música e pela história, Elza Soares (foto: Stephane Murnier/Divulgação)

“Todo mundo está aqui para fazer uma coisa. Meti na cabeça que vim não para deixar uma marca no mundo, mas uma mancha! Abri uma porta para entrar. Tem sempre que dizer ‘sou boa, sou maravilhosa’, bota isso na cabeça. Olha no espelho e ri para você mesmo, faz alguma coisa. Tem que ter fé, acreditar!”

“Você viu essa história de um funcionário de um bar na Tijuca, negro, que ganhou uma banana do gerente? Tinham que inventar uma vacina contra o racismo! Luto desde sempre contra o preconceito, acreditando em mim, brigando. Levei muita porrada”.

“Gravei Pra fuder (do Kiko Dinucci), mas acho que hoje em dia isso nem choca ninguém, sabe? ‘Fuder’ não pode ser mais feio que desemprego, fome”.

Maria da Vila Matilde é uma denúncia. Os homens têm que aprender que respeito é bom e a gente gosta. A mulher precisa ser mais amiga da mulher. Elas não têm solidariedade, vivem competindo. É estranho isso. Conto nos dedos quantas amigas  mulheres eu tenho. E com quase todas as mulheres isso acontece”.

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Perguntei a Elza sobre a vez em que ela apareceu no programa Calouros em desfile, do Ary Barroso, e foi sacaneada pelo apresentador. Apareceu no palco da atração com um vestido vários números maior, remendado com alfinetes, além de várias marias-chiquinha. Foi recepcionada por ele com um “de que planeta você veio, minha filha?”, e ele respondeu: “Do Planeta Fome, seu Ary”.
Como eu havia conversado antes com ela sobre os programas musicais de TV da década passada (SuperStar, The Voice Brasil, os quais ela dizia não acompanhar), lembrei a ela que a Susan Boyle, candidata do programa Britain’s got talent, havia também sido ridicularizada no palco, por apresentadores e jurados. “Lembro da Susan Boyle. Ela canta pra caramba, calou a boca de todo mundo no programa, né? É a tal discriminação, a pessoa nem conhece e já sai discriminando. E depois eu encontrei o Ary. Ele foi me ver ao vivo e queria mudar o meu nome. Dizia: ‘Esse negócio de Elza não vai dar certo!’”
“Em alguns momentos da minha carreira (nos períodos de baixa), eu hibernava. Às vezes, é bom estar invisível, porque você leva muita pedrada. Quando você está invisível, a pedra passa distante”.
Em junho de 2018, falei com ela sobre o disco Deus é mulher, que ela acabara de lançar. E ela dizia que as letras eram fator determinante para ela escolher repertório. “Eu passo noite e dia pensando no que quero dizer para quem quer me ouvir, para esse povo que me elegeu como cantora. Quero o melhor para o meu país, me orgulho muito de ser brasileira e sofro de ver o país da maneira que está. Acabou o amor, acabou a dignidade. Meu momento é de parar pra pensar se tenho algo a fazer também, para ajudar”.
“Não quero só ter voz, quero eco. uma andorinha só não faz verão. Gostaria que todo o povo brasileiro tivesse esse momento de ter voz, de falar. O povo está dormindo! Que sono é esse, meu Deus? Vamos acordar. Vê só essa greve dos caminhoneiros, em que ninguém falou nada”.
“As mulheres estão falando mais, sabem da violência que acontece com elas. Vê só essa morte da Marielle Franco, que coisa estúpida. E não pode parar de falar nisso não, mesmo na Copa do Mundo. Tem que falar, não pode esquecer, não pode deixar de falar sempre”.
“Não sei se (a música atual dela) é samba-punk ou até samba-funk. Sei que é música de qualidade e que tem conteúdo”.
“Deus é mãe, Deus é mãe. Esse país tá precisando de um pouco de colo de mãe. A gente está precisando dar colo para esse país, porque ele tá muito abandonado. Fico muito furiosa não porque penso no futuro, mas porque penso no presente do país. Até hoje se fala que o Brasil é o país do futuro, mas o Brasil tinha que ser o país do presente”.
“Quem faz arte quer sempre fazer uma coisa de valor, que valha a pena”.

 

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E o primeiro disco do Blue Öyster Cult, que fez 50 anos?

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O Blue Öyster Cult é a banda dos anos 1970 que você possivelmente nunca ouviu, aquela figurinha jamais completada do seu álbum de grupos de hard rock, ou quem sabe, a banda que você conhece apenas de dois hits: (Don’t fear) The reaper, de 1976 (que voltou à fama mais recentemente por causa do esquete do “more cowbell”) e a quase metal Burnin for you, de 1981 (no Brasil, fez bastante sucesso no rádio).

O primeiro disco do grupo novaiorquino, intitulado Blue Öyster Cult, faz parte de uma lista de discos cinquentões que já estao sendo ofuscados por outras pérolas da época, como Ziggy Stardust (David Bowie), The slider (T. Rex), Acabou chorare (Novos Baianos) e vários outros mais conhecidos. Saiu em 16 de janeiro de 1972, e coroou um período de cinco anos em que o BÖC tentava dar um passo além do rock de sua cidade, mais conhecido pelos grupos pouco comerciais.

O grupo de Eric Bloom (voz, guitarra base, teclados), Donald “Buck Dharma” Roeser (guitarra, vocais), Joe Bouchard (baixo, vocais), Albert Bouchard (bateria, vocais) e Allen Lanier (guitarra base, teclados) era comercial o suficiente para se dedicar ao hard rock numa época em que havia expectativas por novidades no som pesado (eram três guitarras na banda!). E era estranho o suficiente para misturar o alto volume com psicodelia, pitadas de power pop e letras que iam de contos estradeiros a temas sobre astronomia. Tambem era (vá lá) “queridinho” da crítica: jornalistas como Sandy Pearlman e Richard Meltzer estavam sempre por perto desde a época em que o Blue Öyster Cult se chamava Soft White Underbelly – o primeiro como produtor/letrista, o segundo escrevendo também algumas das letras.

Devidamente contratado pela Columbia e produzido por Pearlman (ao lado de David Lucas e Murray Krugman), o BÖC tinha lá seus objetivos. Pearlman queria mesmo que a banda soasse como um Black Sabbath americano. Não dava: apesar do nome “místico” (“culto da ostra azul”?) o Blue Öyster Cult era mais amigável, menos assustador e mais “psicodélico”. Músicas como Screams eram a herança do blues-rock dos anos 1960 com cara nova. A tragicômica Then came the last days of May era um conto em formato de rock, narrando uma história supostamente verdadeira sobre uns amigos de Dharma que tentaram vender drogas e foram mortos.

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A lúgubre She’s as beautiful as a foot mostra o lado Lou Reed do grupo – sim, poderia estar em Loaded, do Velvet Underground. Cities on flame with rock and roll era o hino hard rock que marcou o começo do BÖC (cujos primeiros discos, com capas em preto e branco, são chamados de “fase em preto e branco”, pelos fãs antigos). Já Workshop of the telescopes e Stairway to the stars resolviam a mania da banda com temas espaciais e misteriosos (a primeira é uma das melhores faixas do começo do Blue Öyster Cult).

Pouco lembrado no Brasil, o Blue Öyster Cult vendeu cerca de 25 milhões de discos ao longo de sua trajetória. E se você não percebeu, entre idas e vindas, o grupo existe até hoje, tem dois integrantes da época do primeiro álbum (Bloom e Buck Dharma) e lançou disco em tempos pandêmicos, The symbol remains (2020). E permanece como uma das bandas mais desafiadoras dos anos 1970.

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Quando botaram o Soundgarden para abrir para o Guns N Roses e deu m…

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No começo, parecia uma boa ideia unir o Soundgarden ao Guns N Roses. O grupo do saudoso cantor Chris Cornell era aquele chapa quietão que todas as bandas mainstream queriam ter do lado – havia inspirado o riff de Enter sandman, do Metallica, estava conseguindo se manter na A&M (tinha sido a primeira banda de Seattle a conseguir um contrato com uma gravadora grande) e geralmente era citado como a novidade preferida de vários grupos mais conhecidos.

O que importava era que justamente no período que o The Guardian definiu com a frase “Nevermind não importava;1991 foi o ano do Guns N Roses”, Axl Rose e seus parceiros de trabalho tinham resolvido, no fim daquele ano, chamar justamente o Soundgarden para ser a banda de abertura de seus shows. A única coisa que ninguém tinha pensado: o Guns estava em plena fase de devassidão total, tomando drogas como se fossem Mentos, frequentado boates de strip tease e fazendo festas animais (que comiam boa parte do orçamento da turnê) entre um show e outro. E o Soundgarden, mesmo fazendo um som pesado que agradava aos fãs do Guns, era uma banda sorumbática da região de Seattle.

Susan Silver, empresária do Soundgarden lembrou no livro Everybody loves our town: A history of grunge, de Mark Yarm, que a notícia de que o grupo tinha recebido uma oferta para abrir para o Guns não havia sacudido os corações dos músicos. “Cheguei com uma caixa cheia de camisetas e novos designs para a banda, e estava super animada com a notícia”, contou. Após ouvirem a oferta que a empresária havia recebido, silêncio de trinta segundos, até que um deles disse: “E o que tem na caixa?”.

O baixista Ben Shepherd foi bem direto e disse no mesmo livro: sou um cara do punk, sou fã de Black Flag, não curto esse tipo de butt rock. “A turnê foi uma extravagância do metal, um circo do metal. Não queria tocar em estádios, você fica longe dos fãs e o som é uma porcaria. Daí estava lá eu, exposto ao mesmo tipo de butt rocker que tentava me bater quando eu era um punk”, contou. Matt Cameron, baterista, se recorda do backstage ser um “pesadelo”, especialmente porque o Guns chegava atrasado e pagava multa em todos os lugares em que se apresentava. E viu Axl ameaçar não subir no palco e acabar com o grupo nos bastidores.

O grupo socializava um pouco com Slash e com o baixista Duff McKagan, mas a coisa não rolava a contento – a ponto do Guns perceber e botar no Soundgarden o apelido de Frowngarden (algo como “jardim dos cara-feia”). O guitarrista diz em Slash, a autobiografia, escrito com Anthony Bozzio, que entendia o Soundgarden, até porque o Guns era uma usina de encrencas e um monstro que sugava tudo a seu redor na época.

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Mas, além do tal apelido, rolaram outras zoações: no último show com Chris Cornell e seus amigos, em 1 de fevereiro de 1992 no Arizona, Slash, Duff e Matt Sorum (bateria) subiram ao palco com bonecas infláveis. “Que eu me lembre, eu era o único completamente pelado”, contou. “O Soundgarden ficou mortificado. Olharam para o lado e estávamos sacudindo bonecas infláveis em volta dele”.

E já que você chegou até aqui, pega aí o Guns relendo Black hole sun, do Soundgarden.

 

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