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Cultura Pop

Doze fãs famosos de Their Satanic Majesties Request

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Their Satanic Majesties Request

Their Satanic Majesties Request

Por causa de Their satanic majesties request, oitavo disco dos Rolling Stones, lançado em 8 de dezembro de 1967, o ex-beatle John Lennon, mesmo sendo amigo de Mick Jagger e Keith Richards, soltou o sarcasmo para cima dos colegas. Disse que o disco, mergulho dos Stones na psicodelia, eram a prova de que “o que os Beatles faziam, os Stones copiavam depois”. Não foi só ele que aproveitou para tirar um pelo do grupo. Biógrafo da banda, Christopher Sanford afirma no livro The Rolling Stones: Fifty years, que a recepção à época foi duvidosa. “Ninguém que tivesse um aparelho de som em estéreo e um baseado o esqueceria tão fácil”, brincou, lembrando que o álbum dos Stones fazia vergonha perto de Sgt Peppers, virada de fio definitiva dos Beatles para a psicodelia, lançada meses antes.

Afinal – aponta Sandford no livro – não tinha como disfarçar que um era cópia (ou paródia) do outro. Eram dois discos com músicas de abertura reprisadas (a bizarra Sing this all together, que abre a obra, aparece numa versão “psicodélica” de oito minutos no fim do lado A). Ambos os LPs incluíam claque de risadas, aplausos pré-gravados e ruídos diversos, além de efeitos de estúdio. Ambos tinham faixas indianistas e meditativas (no dos Beatles, Within you without you, no dos Stones, Gomper).

https://www.youtube.com/watch?v=fk3K4Hg04eo

Pior: em ambos os casos a capa foi feita pelo artista plástico Michael Cooper. E se na capa de Sgt Peppers, tinha uma boneca num canto com a frase “Welcome the Rolling Stones”, Their satanic trazia as carinhas dos quatro Beatles escondidas em cantos estratégicos na capa. A Rolling Stone caiu de pau na época. O crítico Jon Landau disse que o disco tinha arranjos “instrumentais amorfos e sem rumo” e produção pobre. E chamou a tal versão estendida de Sing this all together de “a maluquice obrigatória de oito minutos”. Pode ser maldade com um disco que tinha a bela She’s a rainbow (cujo arranjo de cordas foi feito por um jovem músico de estúdio chamado John Paul Jones, que dois anos depois responderia pelo baixo do Led Zeppelin), mas dá para entender perfeitamente o nariz torcido. Por mais que a banda tenha lançado o quase-psicodélico Between the buttons naquele mesmo ano, a última coisa que alguém imaginaria era que um grupo tão devotado às origens no blues, como os Stones, encheria seu novo lançamento de cordas, tablas indianas, instrumentais malucos e ainda posaria na foto da capa como bruxos de história infantil.

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https://www.youtube.com/watch?v=Ya4R7ZswMwA

Pois bem: quem se acha no direito de repetir a frase de Lennon (a de que o que os Beatles faziam os Stones copiavam), ganha mais munição a partir de 22 de setembro. Their satanic majesties request ganha edição comemorativa, com a imagem lenticular (hum, em “3D”) da capa restaurada, edições em mono e estéreo e um livro de 20 páginas com fotos inéditas. Um presente para os fãs do grupo que amam o disco.


Vale dizer que, sim, tem muita gente que mete o pau até hoje nesse álbum. Experimente puxar o assunto Their satanic numa rodinha de fãs dos Stones e veja o que acontece. Mas a verdade está no quadro de medalhas: o disco psicodélico dos Stones rendeu disco de ouro rapidamente, chegou no topo da parada da Billboard no dia do lançamento e foi definido como “uma epidemia, não um simples hit” pela London Records, que o publicou nos Estados Unidos. E olha, tem uns nomões do universo do pop-rock que também são fãs da diminuta fase “viajante” do grupo. Confira aí doze desses admiradores.

“TRISTEZA NUM DIA ALEGRE” – RONNIE VON (1968). A primeira resposta a Their Satanic… saiu pouco depois de seu lançamento, com Ronnie Von dando uma copiada na introdução “misteriosa” de 2000 light years from home, sucesso do disco dos Stones numa das melhores músicas de seu disco de 1968 – mas emendando, em bom caipirês-paulistês, com a frase “Varte, traz as porpéta?”

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“2000 LIGHT YEARS FROM HOME” – TODD TAMANEND CLARK (1975). Espécie de bardo pré-cyber-punk, o poeta e ativista americano Todd Tamanend Clark fez em 1975 uma versão da mesma música dos Stones, só que em clima de trilha de série de ficção científica. O próprio Todd tocou sintetizador e teremin.

“2000 MAN” – KISS (1979). Em um de seus discos mais estranhos, Dynasty, o Kiss aproveitou para transformar uma das mais belas músicas de Their satanic em hard rock. Dynasty, só para registro, é o disco que tem “a disco music” do Kiss, I was made for lovin you.

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“CITADEL” – VIOLETA DE OUTONO (1988). O grupo paulistano de rock progressivo releu a segunda faixa de Their satanic majesties request no EP The early years, lançado entre o primeiro e o segundo discos deles. Também trazia versões de Interestellar overdrive (Pink Floyd), Blues for Findlay (Gong) e Within you without you (Beatles). Na época, em entrevistas, a banda chegou a dizer que o sapinho da capa (fotografado pelo próprio baixista do trio, Angelo Pastorello, que depois viraria fotógrafo até da Playboy e da Sexy) era “uma referência à boca do Mick Jagger”.

“STREET LIFE” – ROXY MUSIC (1973) e “CHANGELING” – SIMPLE MINDS (1979). Em um fórum na internet um sujeito chama a atenção para as semelhanças entre essas duas canções e Citadel, dos Rolling Stones. Que parece, parece – e no caso da música dos Simple Minds (que está no melhor disco da primeira fase da banda, Reel to real cacophony, a semelhança é ainda mais evidente. Compare aí.

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“CITADEL” – THE DAMNED (1981) e “CITADEL” – COMSAT ANGELS (1985). Banda punk atenta a sons feitos em décadas anteriores, o Damned também gravou Citadel. Já os Comsat Angels, grupo do pós-punk britânico, também gravou a música dos Stones, como lado B de compacto. Vale dizer que Citadel é uma das poucas músicas do álbum do qual o próprio autor de quase todas elas, Keith Richards, realmente diz gostar – em entrevistas, ele já falou que Their satanic “é uma porcaria”.

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“DON’T FADE AWAY” – MUDHONEY (1991). Única música do baixista Bill Wyman gravada em Their satanic, In another land ganhou – sem que o compositor soubesse – o acréscimo dos seus roncos no fim da faixa, gravados numa noite em que ele descansava no estúdio. Só soube disso quando escutou o disco pronto. O Mudhoney aproveitou a ideia na introdução da penúltima música de seu segundo disco, Every good boy deserves fudge.


THURSTON MOORE. O guitarrista e cantor do finado e saudoso Sonic Youth é fã do disco. Foi na verdade o segundo disco que ele comprou, influenciado por seu irmão mais velho, Gene – como diz o livro Psychic confusion: The Sonic Youth story, de Stevie Chick. “Pedi para minha mãe comprar. A capa em 3D era algo realmente misterioso, e eu não estava nem muito certo de que grupo era aquele, mesmo quando já estávamos na fila do caixa”, contou aqui.

“THEIR SATANIC MAJESTIES SECOND REQUEST” – BRIAN JONESTOWN MASSACRE (1996). A banda americana de rock psicodélico (na verdade uma one-man-band, comandada pelo músico Anton Newcombe) presta tributo em seu nome a Brian Jones, fundador dos Stones (e que ainda estava na formação em 1967). E homenageou Their satanic nesse disco duplo lançado há 21 anos, com músicas como Miss June 75, All around you e Donovan said. Maravilhoso.


IVAN CARDOSO: O cineasta carioca estreou em 1971 dirigindo um filme super-8, Nosferato no Brasil, que trazia participações de Torquato Neto e Scarlet Moon. Boa parte da trilha sonora do curta é tomada por músicas de Their satanic majesties request – mas tem até Detalhes, de Roberto Carlos, lá.

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https://vimeo.com/55324768

Cultura Pop

Ronnie Spector: descubra agora!

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Ronnie Spector: descubra agora!

Após alguns anos de sucesso com as Ronettes, Ronnie Spector (que saiu de cena no dia 12 de janeiro) tentou por vários anos voltar ao mainstream. Primeiramente, não deu certo, por causa de um fator bastante complicado: ela era casada com o produtor Phil Spector, um sujeito que sempre deu outras dimensões a palavras como “maluco” e “mau-caráter”.

A partir de 1968, Ronnie tornou-se prisioneira do próprio marido. A cantora de hits como Be my baby ficava trancafiada numa casa com arame farpado e cães de guarda. Cada vez que tentava sair, era ameaçada de morte. Por mais que o próprio Phil se concentrasse em tentar reavivar a carreira dela, o dia a dia era de prisão domiciliar e maus tratos – interrompidos apenas quando Ronnie decidiu fugir de casa, no começo dos anos 1970, e pôs fim ao relacionamento.

Até essa fuga rolar acontecer, gravou com George Harrison, teve um lance platônico com John Lennon (“eu tinha um crush nele”, disse ao Telegraph) e fez algumas gravações. Depois disso, os retornos de Ronnie foram gradativos e incluíram um EP produzido pelo fã Joey Ramone, She talks to rainbows (1999) e um último álbum, English heart (2006), cheio de regravações clássicas.

O POP FANTASMA poderia fazer uma playlist, mas a gente é da antiga e preferiu escolher oito canções solo de Ronnie para você procurar, e escrevemos sobre elas. Pega aí.

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“TRY SOME, BUY SOME” (1971). A estreia solo de Ronnie surgiu das sobras de All things must pass, disco triplo de George Harrison, que havia sido produzido justamente pelo maridão desgraçado Phil. Se as Ronettes estavam acostumadas a narrar encontros e desencontros amorosos, dessa vez sobrou para Ronnie cantar na primeira pessoa as desventuras de uma pessoa que “tentava de tudo” e encontrava deus – o que deixou a cantora bem contrariada, já que ela admitiu ter ficado “perplexa” quando escutou a música. Try some saiu pela Apple, não fez muito sucesso e não rendeu o esperado primeiro álbum para Ronnie.

“YOU’D BE GOOD FOR ME” (1975). Ronnie, já separada de Phil, fez uma tentativa de reativar as Ronettes em 1973, gravando alguns singles de pouca repercussão pelo selo Buddah. Em 1975, foi contratada solo pela gravadora Tom Cat, responsável por lançamentos curiosos como a banda austríaca King Size e a carreira solo de Nancy Nevins, vocalista do Stillwater, a famigerada primeira banda a tocar no festival de Woodstock. O único single de Spector pela gravadora, segundo a própria cantora, “foi um segredo entre ela e o selo”.

“SAY GOODBYE TO HOLLYWOOD” (1977). Num contrato rápido com a Epic, Ronnie gravou duas faixas com a E Street Band, de Bruce Springsteen. Uma delas foi essa versão de Billy Joel. Apesar do single trazer a inscrição “tirada do LP Epic PE: 34683”, o disco inteiro nunca foi completado ou lançado.

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“ITS A HEARTACHE” (1978). Em 1977, Bonnie Tyler, a do Total eclipse of the heart, lançou seu primeiro single, It’s a heartache, composto por Ronnie Scott e Steve Wolfe. A canção demorou alguns meses para sair nos EUA e, quando saiu, a versão de Bonnie disputava espaço com mais duas, a de Juice Newton e a de Ronnie Spector – que saiu por um selinho de Miami chamado Alston Records.

“HERE TODAY GONE TOMORROW” (1980). Finalmente em 1980 saiu o esperadíssimo primeiro LP de Ronnie, Siren. A faixa de abertura era aquela dos Ramones, do disco Rocket to Russia, em versao punk-girl group. O disco é daqueles que você tem que ouvir em alto volume – mas infelizmente está fora das plataformas digitais.

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“LOVE ON A ROOFTOP” (1987). Após reaparecer como vocalista convidada num hit de Eddie Money, Ronnie foi convidada a voltar para a Epic e gravar um segundo disco, Unfinished business. O álbum tinha canções de Gregory Abbott, Don Dixon, David Palmer e o principal single, Love on a rooftop, era de dois top selles do pop: Diane Warren e Desmond Child. Mas não deu certo.

“YOU CAN’T PUT YOUR ARMS AROUND A MEMORY” (1999). O hino de Johnny Thunders  – um dos primeiros hits do ex-New York Dolls em carreira solo – surgiu numa bela versão de Ronnie no EP She talks to rainbows, produção de Joey Ramone e Daniel Rey. “Joey era o artista mais altruísta que eu conhecia. Era uma alma pura, tímido, inocente, apaixonado pela música, e nós dois acreditávamos que uma música nunca precisava se arrastar: dois minutos era o suficiente!”, disse Ronnie ao LA Weekly.

“BACK TO BLACK” (2011). Ronnie gravou a canção imortalizada por Amy Winehouse pouco após a morte da cantora – que se inspirou bastante nela. A gravação foi feita em benefício do centro de reabilitação Daytop Village, com sede em Nova York.

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Coletânea dupla relembra os “discos de ginástica” de Frank Hatchett

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Coletânea dupla relembra os "discos de ginástica" de Frank Hatchett

Diagnosticado com um tumor cerebral em 2008, o coreógrafo e professor de dança Frank Hatchett morreu em 23 de dezembro de 2013, aos 78 anos de idade. O cara que ajudou a revolucionar o ensino da dança (mais apropriadamente aquele estilo de dança conhecido como jazz, que era bastante famoso nos anos 1980) deu aulas em Nova York para alunas como Madonna, Naomi Campbell e Brooke Shields. E foi um dos fundadores do Broadway Dance Center, em 1984.

Até a fama (e a segurança financeira) baterem na porta de Hatchett, ele se apresentou em diversos clubes, e dividiu palcos com nomes como Sammy Davis Jr e Frank Sinatra. Anos depois, já conhecido, chegou a ser chamado de “o doutor do jazz” pelo programa Good morning America. Os ensinamentos de Hatchett não se limitavam à dança, vale dizer. Uma de suas alunas lembrou num obituário que o professor, no contato com os alunos, “lhe diria para ficar em pé, olhar as pessoas nos olhos e mostrar que você é digno. Ele fez isso por milhares de pessoas e foi muito amado”.

Aliás, Hatchett também tinha uma discografia, paralela à carreira de professor e coreógrafo. Foram vários LPs, lançados desde 1973, pelo selo Statler Records, especializado em discos de instrução para aulas de dança. Dá para acompanhar tudo pelo Discogs.

Hoje, os discos de Hatchett estão sumidos até mesmo do YouTube – dá para achar uma faixa ou outra. O mais louco é que Frank não era um cantor, ou mantinha uma carreira como músico ou algo do tipo. Em quase todos os discos “dele”, a voz de Hatchett nem sequer aparecia, o material era em sua maioria instrumental e muitas faixas eram covers. E quem ia para o estúdio era um time de músicos liderados por nomes como o diretor musical Don Tipton ou o arranjador Zane Mark.

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Da ficha técnica de Dance explosion, o disco de 1975, constam nomes como Eric Thomas (baixo), Dennis Byrd (trumpete), Danny Krutzer (teclados) e o próprio Don tocando guitarra. Mas basicamente, ele era mais um cara que colocava a marca dele em discos de música feita para dançar do que qualquer outra coisa. Muita coisa que saía com o nome de Hatchett na capa era ligada ao jazz instrumental ou à música afro-cubana. O objetivo era que as pessoas usassem as músicas na hora do treino.

Isso aí é a versão de Getaway, do Earth, Wind & Fire, lançada num disco de Hatchett.

Wishing on a star, do Rose Royce, ganhou uma versão meio maluca num dos discos de Hatchett, encerrada com ruídos de teremin.

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E a novidade para fãs e para pessoas que acabaram de conhecer Hatchett é que saiu uma coletânea com algumas faixas dos álbuns dele. Sensational! foi lançada em novembro por um selo chamado Telephone Explosion e traz 22 músicas pinçadas direto dos vinis antigos (literalmente, dá pra ouvir o chiado) do coreógrafo. O repertório vai do soul-jazz a coisas do comecinho da onda da dance music, nos anos 1980. Alguns sons mais recentes são bem na batuta do freestyle (caso de Break out, com bateria eletrônica e teclados). E as canções em sua maioria eram bem curtas – o suficiente para serem usadas em treinos e exibições de dança.

Sensational! saiu em LP duplo (arrisque aqui) mas as músicas podem ser encontradas nas plataformas digitais (aliás, são dos poucos discos do coreógrafo que estão nelas). Uma boa oportunidade para recordar Hatchett e relembrar uma época bem louca e variada do mercado fonográfico.

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Low, de David Bowie, faz 45 anos hoje!

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Tudo ainda estava meio estranho na vida de David Bowie lá pelo final de 1976. O artista cujas mudanças pessoais definem os anos 1970 mal se lembrava da gravação do disco Station to station, lançado naquele ano, dizendo anos depois que soube que o disco havia sido gravado em Los Angeles porque “havia lido”. Suas contribuições para a  a trilha do filme O homem que caiu na Terra, no qual atuara como protagonista, foram mais negligenciadas pelo diretor Nicholas Roeg do que ele poderia imaginar.

Teve mais: para largar em definitivo o vício em cocaína, o cantor afastara-se dos Estados Unidos, combinara projetos em dupla com a pior companhia para se ter naquele momento (o doidão e autossabotador contumaz Iggy Pop) e migrara primeiro para a França (onde produziu e co-escreveu o debute de Pop, The idiot). E depois para Berlim Ocidental, que virou seu lar por alguns anos. Lá, Bowie e Iggy (que foi com ele) viveram uma vida bem mais pacata do que nos Estados Unidos. Bom, mais que isso: Bowie vivera intensamente o estilo de vida selvagem nos EUA e os bastidores de suas turnês pareciam um hospício ou um jardim zoológico. Em Berlim, lidavam com o dia a dia de um país diferente, e viviam uma sensação inédita de escapismo.

>>> Ei, apoia a gente aí!: catarse.me/popfantasma

Low, disco definitivo para a demarcação de Bowie como um dos artistas mais inovadores dos anos 1970, saiu em 14 de janeiro de 1977 em clima de total “ué, eu fiz isso?”. O cantor começou a trabalhar nas sobras das músicas de O homem que caiu na Terra e mal sabia que aquilo viraria um disco – Tony Visconti, co-produtor, foi quem lhe deu o alerta de que aquilo já era um álbum. A elaboração do disco foi devidamente embolada com a de The idiot, feito quase ao mesmo tempo.

Apesar de Low ser considerado o início da “trilogia de Berlim”, boa parte da gravação foi feita na França, no mesmo Château d’Hérouville do qual saíram discos de Elton John (Goodbye yellow brick road), Pink Floyd (Obscured by clouds), T. Rex (The slider) e até da brasileira Tuca (Dracula I love you). Só depois Bowie se mudaria para a Alemanha e concluiria o álbum no Hansa, em Berlim. A RCA, gravadora de David, ficou insegura com Low, finalizado em outubro de 1976, e segurou o LP até o ano seguinte. No fim das contas, Low teve melhor sorte que The idiot, só lançado em março de 1977. Aliás, para a felicidade de Bowie, que adorava trabalhar com Iggy mas temia que todo mundo achasse que seu inovador disco novo havia sido influenciado pelo do amigo.

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O livro O homem que vendeu o mundo: David Bowie e os anos 70, de Peter Doggett, fala o que você precisa saber de verdade a respeito de Low: o disco era revolucionário, sim. E muito. Mas vale lembrar que na época, nos EUA e  Inglaterra, só malucos pelo krautrock tinham cópias importadas dos álbuns do grupo alemão Neu. E Low seguia basicamente os mesmos princípios de obras-primas como Neu! 75.

Apesar de não ter produzido o disco (epa, volta e meia ele é citado como faz-tudo do álbum), Brian Eno deixou sua marca nos teclados, vocais, tratamentos de guitarras e em tudo o mais que pudesse deixar Low como um item bastante diferente na obra de Bowie. Eno havia alertado os fãs que o álbum seria “o Bowie de sempre, mas com um novo conceito”. Visconti não deixou por menos e “criou” o som de bateria hipnótico do disco usando uma engenhoca chamada Harmonizer. Mary Hopkins, ex-estrela da Apple, ex-protegida de Paul McCartney, e mulher de Visconti por aqueles tempos, deu seu alô nos vocais de músicas como Sound and vision (se você se perguntava de quem eram os vocais mais agudos da música, eram da mesma cantora de hits pegajosos como Those were the days).

Low era também o disco que adiantava o pós-punk no ano do levante punk, mas a partir da mesma base doo wop que marcou várias canções de Bowie – o hit Be my wife é isso aí. A tragicômica Always crashing in the same car lembrava de quando Bowie, assoviando e chupando cana por causa da cocaína, entrou na pira de que havia sido roubado por um traficante, e bateu no carro dele.

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Apesar de Low não economizar em ambientações instrumentais, o lado B é que era marcado pela quase total falta de letras. Músicas como Warszawa (que inspirou o Warsaw, banda que depois viraria Joy Division), Art decade e Weeping wall só surgiram porque Bowie quis fazer “uma observação, em termos musicais, de como eu via o Bloco Oriental”, e lembrou que Brian Eno era o cara mais indicado para ajudá-lo a criar texturas sonoras, e a fazer músicas que não fossem “canções” com começo, meio e fim. E Bowie fez tanta questão de que o disco fosse uma maravilha de cenário futurista, que abriu Low com um belo e urgente instrumental, Speed of life. Outra paisagem sonora, A new carrer in a new town, servia como declaração de princípios.

E 45 anos depois de lançado (e o aniversário é hoje!), Low ainda é um disco revolucionário. Se você nunca ouviu, ouça hoje em altíssimo volume.

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