Crítica
Ouvimos: Bon Iver, “Sable, Fable”
O novo álbum de Justin Vernon (o cara por trás da marca Bon Iver) reúne um EP lançado em 2024 (o tal do Sable) e algumas faixas acrescentadas ao novo lançamento – que formam o tal conjunto Sable, Fable, estilizado dessa forma. A vibe dos discos anteriores da banda – definida por Justin como “homem em uma cabine” – está bem presente aqui, o que com certeza vai tranquilizar os fãs.
Essa tal vibe compreende uma… vamos dizer assim… mescla de dor com comportamento gratiluz, que no álbum, ganham uma forma de travessia. Isso porque em Sable, o EP, tudo soa extremamente melancólico, com direito a Justin cantando com voz grave. Nas músicas de Fable, Justin usa um falsete quase sempre despedaçado, e volta e meia soa mais tranquilo e esperançoso, em letras e músicas.
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O que une as duas pontas do trabalho é a disposição de Justin e seus colaboradores para juntar beleza e estranheza, folk e eletrônica, vibe estradeira e climas ambient. O alt country Things behing things behind things é quase dissociativo, com versos como “tenho medo de mudar / e quando chega a hora de verificar e reorganizar as coisas / há coisas atrás de coisas atrás de coisas / e anéis dentro de anéis dentro de anéis”, batida lembrando um loop e um clima de delírio. Speyside é um folk que chega a parecer sarcástico de tão desencantado (“espero que você olhe / enquanto preencho meu livro / oh, que desperdício de madeira”).
Uniões entre folk, soul e eletrônica, às vezes lembrando os discos solo de Peter Gabriel, aparecem na minimalista e sombria Awards season, em Short story e em Everything is peaceful love. O mesmo acontece em Walk home – uma canção de amor e saudade, com vocal lembrando ligeiramente as linhas de Cindy Lauper – e no gospel texturizado de Day one, basicamente uma faixa sobre traumas (“queria que você pudesse tirar isso de uma vez / toda essa merda que te destrói”), com participação do músico e produtor norte-americano Dijon e da musicista Jenn Wisner (Flock Of Dimes).
Sable, Fable vai se tornando um disco mais pop e prazeroso – e em especial, com canções que parecem ter começo, meio e fim – à medida que se aproxima das últimas faixas. Tipo em From, que é pop adulto anos 1980 alternativado. Ou nas duas faixas com Danielle Haim (do HAIM), I’ll be there e If only I could wait. Danielle co-escreve as duas e solta a voz na última, e ambas são r&b construído em meio a efeitos sonoros e clima de estúdio pequeno. Acabam sendo duas das melhores músicas da história do Bon Iver e as melhores do disco – dando até mais expectativa sobre o disco das Haim que vem por aí.
O álbum despede-se dos ouvintes com o pop herdado do soul e do country de There’s a rhythmn, com piano Rhodes cintilando e algo que remete a um Kenny Rogers alternativo. O ritmo dissolvido e os efeitos vocais do final da faixa desembocam num instrumental de despedida, Au revoir, lembrando que no fundo, o Bon Iver sempre esteve mais próximo de Brian Eno do que da turma do folk ou do country. No geral, uma música mais para desafiar ouvidos do que para apenas contar histórias. Em Sable, Fable, essa vontade de fazer explorações musicais nem sempre dá certo, mas o saldo é positivo.
Nota: 8
Gravadora: Jagjaguwar
Lançamento: 11 de abril de 2025.
RESENHA: Art punk bilíngue, pesado e combativo: o Downtown Boys une punk, eletrônica e esperança em Public luxury, disco que transforma luta sindical em música.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Sub Pop
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Public luxury (“luxúria pública”), terceiro álbum da banda estadunidense Downtown Boys, traz lembranças e recados para quem é contra a escala 6×1, para patrões que chamam funcionários de “colaboradores” e para empresas que oferecem para os funcionários o básico (protegido por lei) como se fosse uma baita vantagem trabalhista. É art punk bilingue (cantado em inglês e espanhol), pesado, sombrio e – pode acreditar – cheio de vitalidade e otimismo.
Entre o segundo álbum, The cost of living (2017) e o novo, o grupo conciliou a música com o trabalho sindical (!) – vai daí, o Downtown Boys é o tipo de banda que sabe o valor da luta, do protesto e da briga pública, numa visão 2026 do punk classe-operária dos anos 1970 e 1980. Na abertura de Public luxury, tem punk em espanhol com vocais gritados (No me jodas), country-punk com riffs lembrando The Cure (The city begins) e uma faixa com tecladinho lembrando Stranglers, além de um som sinistraço de guitarra (Sirena). É assim que todo mundo é apresentado à música do grupo.
- Ouvimos: Makeshift Art Bar – Marionette (EP)
Se o punk é marcado pelo cinismo em potencial, Downtown Boys são bem o contrário disso – especialmente no que diz respeito aos vocais abertos e expressivos de Victoria Marie. Ela canta “todavia, acredito no futuro / todavia, vejo nossos mortos” no hardcore-country Viva la rosa, insere a palavra “amor” em clima Bjork na new wave-com-vibrafone Yellow sun, e solta palavras de ordem na eletrônica You’re a ghost, o mais próximo que o Downtown Boys consegue chegar do Ministry.
Na onda art punk do Downtown Boys sobra até pros Pixies, citados no arranjo de Albuterol. Rola também um batidão em Mi concha, meio indie sleaze, meio forró rápido – além da vibe quase gótica, com saxofone, de Public works. A curiosidade que ninguém esperava é a house music da faixa-título, que encerra o álbum. Uma coda de diversão em meio a vocais sindicais que parecem sair de um megafone, e da ferocidade das guitarras. Peso sonoro feito por gente que vive política.
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RESENHA: Makeshift Art Bar mistura jungle, industrial, ska e eletrônica pesada em Marionette, EP intenso, caótico e cheio de tensão.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Heist or Hit
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Vindo da Irlanda do Norte, o Makeshift Art Bar é uma banda interessada em porrada, caos e ousadia: Marionette, o segundo EP, une sons eletrônicos e peso sem soar parecido com o Ministry ou com qualquer outra banda craque do estilo.
O som de faixas como Chocolate é basicamente um jungle distorcido e imagético, gravado como se fosse uma trilha de filme – dá para imaginar uma pista de dança escura bombando. Crows é um blues industrial porradeiro, em que o ritmo parece dado por várias correntes rangendo, enquanto a letra fala sobre incertezas e falta de paz.
- Ouvimos: Data Animal – Future of ghosts
Marionette é um EP curtinho, com duas faixas em cada metade. Discipline tem ares de Laibach e de Alien Sex Fiend – une música sombria, clima hi-energy, peso e ondas de pavor. Servant, no final, é um ska demoníaco e pesado, em que temas como controle mental e manipulação se tornam cada vez mais apavorantes.
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RESENHA: Bleeder une pós-punk, post-rock e experimentalismo em Marble station, EP que transforma duas covers em viagens sonoras densas e sombrias.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Escho
Lançamento: 5 de junho de 2026
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Direto da Dinamarca, o Bleeder é o projeto musical de Peter Peter, mais conhecido como autor de trilhas de filmes de ação e crime. No EP Marble station, ele se cerca de amigos, como Elias Ronnelfelt (do Iceage), para unir pós-punk e experimentalismo roqueiro histórico.
Marble station tem quatro faixas, mas o clima é de ocupação sonora, abrindo com a faixa-título. São nove minutos de música em que as guitarras vão tomando conta de um jeitão até meio emo – mas com piano luminoso e clima perdido, quase de post-rock, em que o peso vai chegando aos poucos. Here comes the dead, a outra autoral do álbum, é metal post-rock, em clima sombrio e sonhador.
O repertório de Marble station é complementado por duas covers. Boy / girl, de Lydia Lunch, vira hardcore ruidoso e eletrônico, com ares de Ministry, mas ganhando até uma percussão. If not this time, música da pioneira banda experimental estadunidense Fifty Foot Hose, é psicodelia sombria sessentista. Loucura sonora mapeada.
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Ouvimos: Bleeder – “Marble station” (EP)
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