Crítica
Ouvimos: Matmos – “Metallic life review”
RESENHA: Matmos retorna em Metallic life review, criando beats a partir de ferro, ferrugem e ruídos industriais em faixas entre o estranho e o hipnótico.
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Formado pela dupla M. C. Schmidt e Drew Daniel, além de convidados que surgem aqui e ali, o grupo ultra experimental estadunidense Matmos é daquelas formações que mal se importam se seu som nem sequer for visto como música. Já houve críticos dizendo que Schimdt e Daniel basicamente põe beats em sons de objetos sem se importar com a edição e o design musical das faixas (de certa forma, alguns álbuns anteriores deles são exatamente isso daí).
Tem todo um subtexto social, existencial e crítico por trás da manipulação de objetos da dupla. O Matmos já criou músicas a partir de sons de procedimentos médicos (no álbum A chance to cut is a a chance to cure, de 2001), lançou um experimento de parapsicologia musicado (o bizarro The marriage of true minds de 2013) e fez sons com objetos de plástico em Plastic anniversary (2019). Uma decisão artística que significa muita coisa, e traz o insight de que certos gestos e procedimentos têm sons que muitas vezes passam batido.
No caso de Metallic life review, décimo-quinto disco do Matmos, talvez o subtexto seja o de que certas coisas parecem eternas e moldadas com vigor – mas com o tempo, enferrujam, rangem, deixam de funcionar da maneira adequada. O novo álbum extrai sons de percussão de objetos de ferro, descobrindo que uma antiga porta gravada na Noruega, com dobradiças bem antigas e envelhecidas, pode até soar como um saxofone (Norway doorway), criando beats com ruídos de ferro batendo e alguém cavucando alguma superficie (The rust belt) e mandando bala em sons sujos e fantasmagóricos (Changing state, que traz uma slide guitar tocada pela recentemente falecida Susan Alcorn).
Tem um lado até relaxante em Metallic life review, que surge justamente em Changing state e em Steel tongues – que abre soando como uma caixinha de música ritmada, transformada em um som quase marítimo. The chrome reflects our image, dedicada ao cineasta David Lynch, é progressiva e quase roqueira – pelo menos tem um som assemelhado a uma guitarra e uma linha sonora que soa convidativa. Para assustar de verdade, tem a faixa-título, com vinte minutos de ruídos que chegam a soar psicodélicos, ganhando depois um beat meio asiático. Sons tubulares e climas mais ligados ao rock industrial também vão surgindo aos poucos na faixa.
Esse lance industrial que surge em Metallic life review – e não apenas na faixa-título – é o que pode levar o Matmos a outros públicos e outros entendimentos de seu som. Mas de modo geral, a julgar por sua discografia, Schimidt e Daniel preferem mesmo é o “eu vim para confundir” a cada disco. É arriscado mas tem seus méritos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Thrill Jockey
Lançamento: 20 de junho de 2025
RESENHA: White Denim mistura psicodelia, art rock, soul e pop torto em 13, álbum inventivo e imprevisível que transforma estranheza em grandes canções.
Texto: Ricardo Schott
Nota 10
Gravadora: Bella Union
Lançamento: 24 de abril de 2026
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“Psicodelia, jazz rock, yacht rock, bossa psicodélica, power pop, soul e folk mágico, com um resultado tão variado que dá vertigem”. Isso aí foi o que falamos de 12, disco anterior do White Denim, veterana banda indie liderada por James Petralli. Eis que agora sai o 13 e, ora vejam só, até daria pra repetir a mesma frase – mas há bastante diferença porque a ordem e a intensidade dos fatores foi alterada.
Pra começar, 13 soa como a tentativa de fazer um disco (vá lá) “pop”, mas a partir de referências nada amigáveis – às vezes soa como um disco progressivo no estilo do Gentle Giant, mas no geral Petralli parece prestar um tributo eterno a Captain Beefheart e a Kevin Ayers. Faixas como o soul + math rock (God created) Lock and key, o gospel perturbador Chew nails e o sophisti-pop torto de Only a fool, Crossfyre e Time time são provas disso. E formam a sequência inicial de 13.
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Quando chega o reggae psicodélico de Keep calling me (Baby), por sua vez, fica complicado até acreditar que, sim, ainda tem gente fazendo música assim nos dias de hoje – se fosse lançado por uma grande gravadora lá por 1979, 13 seria o filho punk do AOR, ou um art-rock radical. Lançado em 2026, pega um mercado onde cabe de tudo, embora nem tudo vire mainstream.
Tem muita coisa em 13 que faz lembrar os momentos menos pop e mais irônicos do 10cc, como o disco Sheet music (1974). A estranhice do reggae folk e lisérgico Earth to parece vir daí, a eletrônica de That’s rap também, o clima de comercial de cereal de Hired hand #2 também. Bate um Todd Rundgren rápido no southern rock voador de Ruby e no chamber pop de Quiet moment, mas 13 é também o disco de baladas fortes como Matchbook baby. Tudo é uma surpresa.
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RESENHA: Robert Plant explora folk, blues e gospel em Saving grace, disco contemplativo que reinventa clássicos e valoriza a parceria vocal com Suzi Dian
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Nonesuch / Es Paranza
Lançamento: 26 de setembro de 2025
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Acusar Jimmy Page de viver à sombra do passado é bem injusto. Dá até pra dizer que o guitarrista não fez nada de tão relevante após o fim do Led Zeppelin – mas convenhamos, é o Led Zeppelin, e não uma banda one hit wonder cujo principal compositor sobrevive até hoje como gigolô de royalties. Deve dar gosto viver de um passado desses, e ele tem esse direito.
Robert Plant, vocalista do Led, é o contrário: fez discos solo de vibe quase pós-punk nos anos 1980, migrou para o “rock de adulto” entre os anos 1980 e 1990 e, depois, passou a fazer de cada álbum uma experiência diferente. Saving grace, por sua vez, é o “disco de cantor” de Plant, em que ele mostra o trabalho que realizou desde a pandemia com um coletivo chamado Saving Grace, e ainda deu destaque para a voz de Suzi Dian.
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Em faixas como Ticket taker, cover de uma banda chamada The Low Anthem, e Higher rock, da compositora folk Martha Scanlan, os vocais dela ganham muito destaque, à frente do chefe – e Plant mostra que fez com que seu registro vocal se adaptasse ao passar dos anos (se você não ouve os discos solo dele e a música mais recente que você escutou com a voz de Plant saiu em 1979, vai acabar ouvindo “outro” cantor, com registro vocal mais envelhecido, mas talvez mais maduro e seguro).
O som de Saving grace é uma mistura de referências que ele carrega desde a época do Led: folk, blues, gospel, canções tradicionais. Nesse último quesito, tem I never will marry, arranjada por ele e pelo grupo, que é uma cantiga sobre um homem que escuta o lamento de solidão (ou o cântico de empoderamento, vá lá) de uma mulher – além da redentora Gospel plough. Chevrolet, que abre o disco, é uma baita curiosidade histórica: um blues de Memphis Minnie que foi recomposto, regravado e mudado ao longo dos anos (Donovan figura como um dos autores, por causa dessas “refações” que levam a faixa ao folk dos anos 1960). Plant e cia fizeram dessa música um folk meditativo sobre desejos e aspirações.
Esse clima de “meditação” é a tônica de Saving grace, aparecendo em faixas de clima esparso como As I roved out (tradicional, com arranjo de Sam Amidon), o blues-soul Soul of a man (de Blind Willie Johnson, cantado por Suzi e Plant em clima de Crosby, Stills, Nash & Young) e o folk luminoso It’s a beautiful day today (do repertório da banda psicodélica sessentista Moby Grape). Já Everybody’s song, da banda noventista Low, tem clima zeppeliano-oriental, e até um certo peso no arranjo. Saving grace é uma maravilha que sobrou do ano passado.
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RESENHA: Em Music for heads, TV Star estreia com dream pop, shoegaze e indie noventista, unindo guitarras, psicodelia e letras sobre libertação e relações tóxicas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Father / Daughter Records
Lançamento: 24 de abril de 2026
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O TV Star vem de Seattle, tinha só EPs na discografia antes desse álbum Music for heads, e faz uma espécie de dream pop + shoegaze “de estrada”, que faz vir à mente nomes como Waxahatchee e Howling Bells – além do trabalho solo da cantora do HB, Juanita Stein. Na maior parte do tempo, eles se comportam como uma banda de blues rock e country que pode pesar o som, ou como um grupo de jangle rock modernizado e com a cara de 2026 – da mesma forma, muita coisa soa como britpop made in USA, nos dias de hoje.
Ambas as facetas convivem no dedilhado da bela The package, no clima de nuvem de Reality cheque e na onda quase velvetiana de Two revolutions. Algo entre Mazzy Star e o Jesus and Mary Chain da era Stoned and dethroned (1994) convivem lado a lado em Texas relation e Greener postures, enquanto a distorção-e-percussão de For heads põe mais psicodelia no clima do disco.
O fim de Music for heads parece existir por causa dos inícios de carreira de bandas como Blur e Ride, com o indie rock anos 1990 + jangle pop de Lodestar e Koresh me down, além da onda despojada de Out of my bag (uma homenagem assumida ao universo Madchester e ao britpop dos anos 1980 e 1990) e Strawberry hero (essa, com voz, violão e beat marcial). As letras, por sua vez, aludem à libertação de manipulações e ao fim de relacionamentos tóxicos. Uma banda tranquila mas com energia demolidora.
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