Crítica
Ouvimos: Jade Bird – “Who wants to talk about love?”
RESENHA: Jade Bird encara desilusões, amores perdidos e traumas no disco Who wants to talk about love?, equilibrando tristeza, folk rock e soft rock.
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Quando a sambista Mart’nália gravou um disco de pagode anos 90, não faz muito tempo, declarou se sentir incomodada com as letras das canções: “Muito sofrimento! Essa turma nem tinha idade para sofrer tanto assim, eles eram muito jovens!”, chegou a afirmar. Já a britânica Jade Bird, 27 anos (e muito jovem), está mais ligada no quanto ela pode chegar a sofrer em sua idade por causa de amores perdidos e recordações bizarras da infância. Tanto que declarou ao New Musical Express que fez uma limpa no repertório de seu novo disco, o desencantado Who wants to talk about love?, e deixou várias músicas mais nervosas de fora.
“Eu não queria que a raiva fosse incluída. Eu tinha passado muito tempo com a raiva”, afirmou, dizendo também que pode ser que as músicas mais impetuosas planejadas para o disco surjam numa edição deluxe. Equilibrada entre estilos como soft rock e country, ela fez de Who wants to talk… um disco quase conceitual sobre o fim de um relacionamento que ela não percebia que estava inconscientemente terminando, e sobre os reencontros com ela mesma que foram acontecendo ao longo do caminho.
Muita coisa do repertório alude a monstros silenciosos que aparecem num relacionamento, como rola no folk rock rápido de Who wants, na raiva (sim, ela está lá) da balada Stick around, no desencanto do rock oitentista Nobody, no country rock sombrio de Einstein (“eu não sou detetive, não consigo encontrar minhas próprias chaves / mas acho que você parou de me amar”). Tem também o capotamento geral de Dreams, soft rock no qual dá para sentir a tristeza de Jade nos vocais (“é disso que os sonhos são feitos? / dirigindo em um lindo dia / enquanto você está caindo aos pedaços”) e a vulnerabilidade de Glad you did, na qual Jade diz se sentir uma pessoa que alguém deixou escapar.
Se for seguir o que Mart’Nália disse, Who wants tem tristeza demais para alguém que nem chegou aos 30 – sendo que boa parte dos discos mais desolados do pop foram feitos por autores e autoras que tinham se despedido da adolescência fazia poucos anos. E tudo bem. No caso de Jade, a tristeza invade vocais, algumas melodias e até mesmo a vontade de mudar tudo – como em Wish you well, na qual a personagem da canção quer mais é se livrar dos problemas que outra pessoa causa. Ouça quando nada puder te atingir.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Glassnote Music
Lançamento: 18 de julho de 2025
RESENHA: Art punk bilíngue, pesado e combativo: o Downtown Boys une punk, eletrônica e esperança em Public luxury, disco que transforma luta sindical em música.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Sub Pop
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Public luxury (“luxúria pública”), terceiro álbum da banda estadunidense Downtown Boys, traz lembranças e recados para quem é contra a escala 6×1, para patrões que chamam funcionários de “colaboradores” e para empresas que oferecem para os funcionários o básico (protegido por lei) como se fosse uma baita vantagem trabalhista. É art punk bilingue (cantado em inglês e espanhol), pesado, sombrio e – pode acreditar – cheio de vitalidade e otimismo.
Entre o segundo álbum, The cost of living (2017) e o novo, o grupo conciliou a música com o trabalho sindical (!) – vai daí, o Downtown Boys é o tipo de banda que sabe o valor da luta, do protesto e da briga pública, numa visão 2026 do punk classe-operária dos anos 1970 e 1980. Na abertura de Public luxury, tem punk em espanhol com vocais gritados (No me jodas), country-punk com riffs lembrando The Cure (The city begins) e uma faixa com tecladinho lembrando Stranglers, além de um som sinistraço de guitarra (Sirena). É assim que todo mundo é apresentado à música do grupo.
- Ouvimos: Makeshift Art Bar – Marionette (EP)
Se o punk é marcado pelo cinismo em potencial, Downtown Boys são bem o contrário disso – especialmente no que diz respeito aos vocais abertos e expressivos de Victoria Marie. Ela canta “todavia, acredito no futuro / todavia, vejo nossos mortos” no hardcore-country Viva la rosa, insere a palavra “amor” em clima Bjork na new wave-com-vibrafone Yellow sun, e solta palavras de ordem na eletrônica You’re a ghost, o mais próximo que o Downtown Boys consegue chegar do Ministry.
Na onda art punk do Downtown Boys sobra até pros Pixies, citados no arranjo de Albuterol. Rola também um batidão em Mi concha, meio indie sleaze, meio forró rápido – além da vibe quase gótica, com saxofone, de Public works. A curiosidade que ninguém esperava é a house music da faixa-título, que encerra o álbum. Uma coda de diversão em meio a vocais sindicais que parecem sair de um megafone, e da ferocidade das guitarras. Peso sonoro feito por gente que vive política.
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RESENHA: Makeshift Art Bar mistura jungle, industrial, ska e eletrônica pesada em Marionette, EP intenso, caótico e cheio de tensão.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Heist or Hit
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Vindo da Irlanda do Norte, o Makeshift Art Bar é uma banda interessada em porrada, caos e ousadia: Marionette, o segundo EP, une sons eletrônicos e peso sem soar parecido com o Ministry ou com qualquer outra banda craque do estilo.
O som de faixas como Chocolate é basicamente um jungle distorcido e imagético, gravado como se fosse uma trilha de filme – dá para imaginar uma pista de dança escura bombando. Crows é um blues industrial porradeiro, em que o ritmo parece dado por várias correntes rangendo, enquanto a letra fala sobre incertezas e falta de paz.
- Ouvimos: Data Animal – Future of ghosts
Marionette é um EP curtinho, com duas faixas em cada metade. Discipline tem ares de Laibach e de Alien Sex Fiend – une música sombria, clima hi-energy, peso e ondas de pavor. Servant, no final, é um ska demoníaco e pesado, em que temas como controle mental e manipulação se tornam cada vez mais apavorantes.
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RESENHA: Bleeder une pós-punk, post-rock e experimentalismo em Marble station, EP que transforma duas covers em viagens sonoras densas e sombrias.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Escho
Lançamento: 5 de junho de 2026
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Direto da Dinamarca, o Bleeder é o projeto musical de Peter Peter, mais conhecido como autor de trilhas de filmes de ação e crime. No EP Marble station, ele se cerca de amigos, como Elias Ronnelfelt (do Iceage), para unir pós-punk e experimentalismo roqueiro histórico.
Marble station tem quatro faixas, mas o clima é de ocupação sonora, abrindo com a faixa-título. São nove minutos de música em que as guitarras vão tomando conta de um jeitão até meio emo – mas com piano luminoso e clima perdido, quase de post-rock, em que o peso vai chegando aos poucos. Here comes the dead, a outra autoral do álbum, é metal post-rock, em clima sombrio e sonhador.
O repertório de Marble station é complementado por duas covers. Boy / girl, de Lydia Lunch, vira hardcore ruidoso e eletrônico, com ares de Ministry, mas ganhando até uma percussão. If not this time, música da pioneira banda experimental estadunidense Fifty Foot Hose, é psicodelia sombria sessentista. Loucura sonora mapeada.
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