Walfredo Em Busca da Simbiose: um papo sobre pandemia, novas músicas, disco novo e… Rick & Renner

Tem disco novo do Walfredo Em Busca Da Simbiose vindo aí. O projeto musical paulistano criado pelo cantor e compositor Lou Alves estreou em 2019 com o álbum Maiúsculas cósmicas. Dessa vez, retorna com uma série de questionamentos causados pela pandemia, pelo isolamento, por amadurecimentos pessoais e até por sonhos. Como no caso de Netuno, o single mais recente, inspirado simultaneamente por um sonho do amigo e produtor Fernando Rischbieter, e pelos climas de Dark side of the moon, clássico do Pink Floyd. “Brincamos dizendo que essa track deveria se chamar The dark side of the netuno“, conta Lou.

Em uma conversa com o Pop Fantasma, Lou adianta um pouco do disco novo, que virá em climas mais noturnos e menos solares, mas sempre inspirados por nomes como David Bowie e o próprio Pink Floyd. Também recordou a época em que, começando como técnico de som, gravou artistas como Belo, Banda Calypso e Rick & Renner num dos estúdios mais populares de São Paulo. Tá aí o papo.

Como é que foi esse período de isolamento pra você, ainda mais levando em conta que seu projeto musical fala em simbiose (em biologia é a relação ecológica que ocorre entre indivíduos de espécies diferentes)?

Eu aproveitei muito o período para me descobrir como compositor, completo. É tudo muito novo pra mim, comecei esse trabalho como músico, compositor e produtor em 2017. Aí na pandemia acendeu algo diferente. Eu já tinha o Maiúsculas cósmicas (primeiro disco, de 2019), era um compilado daquelas músicas que a gente faz quando é mais jovem. Para o segundo disco, eu tinha que me provar, aquela coisa de “será que você consegue fazer mais um compilado de músicas? Compor mais músicas do zero?” Antes eu tinha todo o período da minha vida, agora eu tenho esse momento para compor. Pensei em fazer uma música por semana, em compor.

A quarentena então foi literalmente esse período de sentar e ficar compondo. Ler muitos livros e também compor bastante. Acho que o segundo ano de quarentena foi o mais difícil, porque a gente não estava mais aguentando. O primeiro ano foi para escrever as músicas e fazer as prés tanto dos singles quanto do disco que tá vindo.

No que você acredita que amadureceu como compositor e como letrista, em especial?

É quase como se eu tivesse uma responsabilidade nova. E como é arte, muita gente fica falando “ah, tô esperando meu período de inspiração e tal”. É ótimo estar inspirado porque você senta e compõe rapidinho, mas tem momentos em que você não está assim. E eu tinha que fazer uma música por semana (risos). Tinha dia em que você não estava tão inspirado mas buscava essa inspiração. A primeira coisa que eu aprendi foi buscar essa inspiração, e ir atrás dela, seja ouvindo música, lendo um livro, vendo um filme. A leitura me ajudou muito. Às vezes você não está num bom dia mas busca alguma coisa que te inspira, e a inspiração vem.

Evoluí muito na parte técnica como compositor, comecei a ficar mais pragmático, a prestar atenção em estruturas de rimas, tipo “ah, não vamos fazer uma rima tão óbvia”. E a parte mais metafísica, espiritual, mais profunda da coisa, é literalmente aprender a se libertar. Eu escrevo sobre coisas verdadeiras, sentimentos verdadeiros, é quase um ato de autoconhecimento quando você fala de você mesmo, sobre coisas da sua vida. Eu falo muito sobre sonhos, então eu anoto meus sonhos. As pessoas que eu ouço têm isso também, então é um espelho.

E como é o caminho de reflexão para você chegar no tipo de letra que você faz? Suas letras têm comentários bem legal sobre a condição humana, a coisa do “o louco sempre tem razão”, “traumas de estimação procuro não arrastar comigo a vida inteira”. É um caminho de autoconhecimento muito forte…

É um nível de ensimesmamento, não vou dizer nem que é algo egocêntrico nem egoísta… A primeira coisa que influenciou muito foi ler muita coisa sobre filosofia. O que abriu minha cabeça foi o Assim falou Zaratustra, do Nietzsche. Li muita coisa sobre cabala, sobre autoconhecimento mesmo. Gosto muito de Jung também, psicologia analítica, muita coisa que eu até preciso me aprofundar mais. Essa coisa da música O louco sempre tem razão é algo que até faz parte da minha vida. Tem o arquétipo do louco, que tem em músicas dos Mutantes, Raul Seixas. Os loucos não se importam com o que estão falando dele, ele não se importa com o julgamento. O arquétipo do louco no tarô para mim é muito importante, ele é o arquétipo mais puro da liberdade. Só que ele precisa ser guiado, tem que ter alguém guiando ele até o fim da jornada.

E o que você pode adiantar do disco que tá vindo aí? O single Netuno, você comentou que tem uma influência grande do Pink Floyd, do Dark side of the moon… O disco novo vem nessa linha também?

Netuno e Traumas de estimação são minhas faixas favoritas no disco, porque elas não são tão solares, são mais noturnas. O disco tem esse ar um pouco mais noturno, não é tão solar. Por causa da quarentena, né? O disco foi todo feito na quarentena, uma época em que todo o inconsciente coletivo estava muito pra baixo. Hoje tá tudo mais solar, até coletivamente. O disco é bastante ambientado, tem uns barulhos do nada nas músicas (risos), e ouvindo de fones, isso dá um gostinho a mais. Você fica querendo escutar aquele ruído de novo, é quase como num filme.

Com certeza vai ter algo da estética de Netuno, que foi uma música que foi até um presente dado a um amigo. No meio da quarentena, a gente estava vivendo uma crise, porque a gente sofreu muito nessa época. Ele um dia começou a desabafar e contou um sonho que ele teve. Eu nem falei que iria fazer a música, só fiz, mandei para ele e quando ouviu, ele não percebeu nada (risos). Só falou: “Nossa! Não acredito que você fez uma música sobre o meu sonho”. Queria fazer uma surpresa, ver se ele percebia, e ele percebeu.

Você trabalhou como  técnico de som durante um tempo, com artistas que fazem um som bem diferente do seu, mais popular. No caso, Belo, Alexandre Pires… Como foi essa experiência? E foi no Gravodisc, que é um estúdio bem tradicional…

Bom, quando eu saí da escola, fiz um curso de áudio. Juntei uma graninha, porque eu trabalhava numa locadora de vídeo, e fiz o curso. Abri o jornal, peguei os classificados e mandei currículo pro primeiro emprego que apareceu – e era esse, de técnico de gravação. E fui parar lá. Dei muita sorte, até porque eu morava do lado, era bem ali no Largo do Arouche. Era um estúdio realmente muito antigo e foi uma experiência bem louca, porque eu era bem novo, tinha 18 pra 19 anos.

Eu tava ali como técnico de gravação trainee, andava no corredor e cumprimentava Chitãozinho e Xororó. Muito legal, vi Belo gravando, Daniel, banda Calypso… Rick & Renner foi meu primeiro play-rec, pra você ver. Foi a primeira vez em que eu sentei na mesa de som. Os caras ainda por cima me chamavam de Fiuk, pra piorar. Era: “vem pra mesa de som, Fiuk” (risos). Eu apertei o play-rec tremendo, imagina? E querendo ou não, são músicas que ficam na cabeça das pessoas. Você vai num bar tomar uma cerveja e tá tocando. Eu amava as músicas do Rick & Renner (canta Ela é demais), foi uma grande experiência gravar esses caras. E me ajudou, me deu bagagem no meu trabalho.

Imagino. Na verdade ia até perguntar em que nível o que você aprendeu com essa galera mais popular ficou no teu trabalho…

Ficou muito essa coisa de trazer coisas mais complexas pro meu trabalho – eu adoro assuntos como filosofia, psicologia, metafísica – mas de forma simples. Parece um paradoxo, mas fui sacando que essas canções são bem diretas e retas no que elas estão dizendo. Então, é nesse lance mesmo, da construção de uma canção. Eu gosto de estruturas psicodélicas na produção, mas o cerne é a canção, aquela coisa do estrofe, ponte e refrão, que é a coisa bem radiofônica. No Gravodisc lembro que havia a preocupação de não passar dos 3m30. Lembro de ter visto os caras levantarem a base de uma música do zero e ter a música pronta em seis horas. E com cordas, com tudo, metais.

Eu trabalhei com a Gal Costa em produção, também, mas foi num estúdio mais de ensaio. Foi na época do Estratosférica. Vi todo mundo levantando o show do zero, direção de show do Pupillo… Foi uma aula. Eu estava ali na graxa, mas aprendendo tudo. E ainda teve outros artistas, gravei o Detonator, também (risos). Aliás, ele e a Gal estavam no estúdio no mesmo horário.

Rolou de se conhecerem?

Não, infelizmente. Bom, se cruzavam no corredor do estúdio, mas não sei se teve alguma prosa. Não deve ter rolado.

E por que o nome Walfredo Em Busca Da Simbiose?

Walfredo era o nome de um cliente do último estúdio que eu trabalhei. Tinha uns clientes que batiam na porta do estúdio sem ter nenhuma assessoria. O cara batia na porta e falava: “Oi, tenho uma musiquinha, queria gravar em voz e violão, mas não é pra fazer sucesso. É só pra gravar e deixar em casa tocando pros meus filhos”. Um desses caras era o Walfredo. Eu pensava: “esse é o cara!”, só dele estar ali entregue no estúdio. Aquilo para ele era um Playcenter, e ele estava lá gravando voz e violão, uma coisa bem simples mas bem singela, pura.

E por outro lado, tinha uma turma bem jovem, de banda, que chegava lá e falava: “Então, como é que é? A gente grava a música aqui e já põe a música dentro do rádio? Como é que faz? Manda pra quem?” (risos). Eu e meu parceiro de estúdio pensávamos: “Mas o cara nem gravou e já quer pular as etapas!”. E tinha esse cliente que era oposto disso, o nome dele era até Walfredo dos Anjos. O “simbiose” veio da semiótica, que eu adoro. É o processo de comunicação dos símbolos, como ele se apresenta na sua consciência, como ele trabalha. Ficava pensando que o Walfredo tinha encontrado a simbiose, só dele estar ali, íntegro, gravando, em voz e violão (risos). E era algo bem singelo, a gente gravava em CD-ROM – na época se gravava em CD-ROM – e o cara levava para casa para ouvir com a família.