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Cultura Pop

Sophie Ellis-Bextor: descubra agora!

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Sophie Ellis-Bextor vai lançar disco "psicodélico e progressivo"

Provavelmente só os fãs roxos da cantora britânica Sophie Ellis-Bextor se ligaram nisso, mas saiu um disco novo dela em 2023 – no Brasil pouco se falou, aliás. Hana, sétimo álbum da cantora do hit Murder on the dancefloor foi lançado pelo selo Cooking Vinyl em 2 de junho (daqui a pouco faz um ano!), e surgiu de uma viagem que ela fez ao Japão, junto com o filho e a mãe, pouco antes da pandemia. O disco traz um design sonoro bem diferente, na maior parte do tempo, de seu maior hit: é mais melancólico (Until the wheels fall off lembra a fase anos 1990 dos Pretenders), voltado para um synth-pop mais dramático, alternando canções meditativas e dançantes.

A ida ao Japão foi a última viagem que Sophie fez antes do isolamento. Mas havia outro fato que tornava a ida ao país algo para relembrar: seu padrasto, que não foi ao passeio por causa de graves problemas de saúde, acabou morrendo pouco depois. Sophie juntou as lembranças da família com as histórias vividas em Tóquio e decidiu não fazer um disco dançante comum. Em especial, fugiu do clima meio descolado, meio indie pop, de seu maior sucesso, uma parceria entre ela e ninguém menos que Gregg Alexander, criador da banda-projeto New Radicals (lembra de You get what you give?) que subiu nos primeiros lugares das paradas entre 2001 e 2002. E ainda ganhou um clipe memorável.

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O mundo dá voltas e agora, no comecinho de 2024, Murder on the dancefloor voltou às paradas – ganhou até um EP de remixes, que sai em vinil e CD. Tudo por causa da comédia-thriller Saltburn, dirigida por Emerald Fennell, que estreou em festivais em agosto, chegou a uma plataforma de filmes em dezembro, e faz sucesso contando uma história tão engraçada quanto absurda. A entrada do hit de Sophie na última cena do filme abriu espaço para o sucesso da faixa no tik tok (e para os ouvidos de crianças e adolescentes) e para o retorno da canção aos ouvidos de uma turma enorme. E seguem aí dez momentos de Sophie para lembrar ou colocar numa playlist.

THEAUDIENCE – “A PESSIMIST IS NEVER DISAPPOINTED” (1998). Antes de estourar, Sophie era a voz (e o rosto) dessa banda indie, que começou em Londres em 1996 e conseguiu virar aposta da Mercury no fim da onda brit-pop. Essa faixa faz parte de Theaudience, primeiro e único álbum do grupo (1998) e chegou ao posto 27 da parada britânica de singles. O futuro do grupo após o quase-hit não foi dos mais sorridentes: o Theaudience conseguiu a proeza de ter recusadas pela gravadora todas as músicas que havia composto para o segundo disco. Desanimados, encerraram atividades em seguida.

MANIC STREET PREACHERS – “BLACK HOLES FOR THE YOUNG” (1998). Em 1998, saía o sexto álbum do grupo galês, This is my truth, tell me yours, importante por algumas razões: foi o disco de hits como The everlasting e If you tolerate this, your children will be next, e foi o primeiro álbum da banda a não trazer nenhuma participação do desaparecido (literalmente, como se sabe) guitarrista Richey Edwards. Sophie faz vocais como convidada nessa faixa.

DJ SPILLER – “GROOVEJET (IF THIS AIN’T LOVE)” (2000). Muito da curiosidade do grande público em relação a Sophie veio dessa faixa, um ítalo-house daqueles (o DJ se chama Cristiano Spiller e nasceu em Veneza, na Itália). A canção, que trazia a cantora fazendo vocais e aparecendo no clipe, liderou as paradas em um número considerável de países, vendeu alegadamente mais de dois milhões de cópias e, conta-se por aí, pode ter sido a primeira faixa a ser executada num iPod.

“TAKE ME HOME” (2001). Murder on the dancefloor não foi o primeiro single de Sophie. Contratada pela Polydor e lançada como nova sensação do pop britânico, sua primeira tarefa foi regravar esse sucesso da disco music, originalmente lançado por Cher em 1979. Para dar uma modernizada na canção, Sophie meteu a mão na faixa, acrescentou novos versos (o que a fez ser creditada também como co-autora, ao lado dos titulares Michelle Aller e Bob Esty), e acabou deixando Cher meio irritada com as alterações. Mas a regravação, num clima meio indie-Donna Summer, fez sucesso na Inglaterra e em alguns outros países.

“MURDER ON THE DANCEFLOOR” (2001). Produzida por Gregg Alexander (também parceiro na música) e por um ex-compositor das Spice Girls, Matt Rowe, Sophie chegou aos ouvidos de uma galera enorme (Brasil inclusive) com essa faixa, seu segundo single, e faixa mais importante de seu disco de estreia, Read my lips (setembro de 2001). O clipe, dirigido pela xará Sophie Muller, era inspirado nas batalhas dançantes dos filmes de John Travolta (Grease, Os embalos de sábado à noite), e mostrava uma competição de dança que rolava na força do ódio.

“MIXED UP WORLD” (2003). Ainda um trabalho artesanal se comparado às epopeias pop de Rihanna e Madonna (quatro produtores, poucos compositores e time relativamente pequeno), o segundo álbum de Sophie, Shoot from the hit (2003) não chegou a fazer grande sucesso fora do Reino Unido. No principal single, Sophia voltava loura (confira o clipe), mais solarizada musicalmente e visualmente, fazendo um som na mesma batuta jazz-pop-indie, embora sem a mesma ironia.

“ME AND MY IMAGINATION” (2007). Sophie mudou para a Fascination, selo pop distribuído pela própria Polydor, e que teve grupos como Girls Aloud no elenco. Voltou com um álbum bem melhor que o segundo, Trip the light fantastic, e que trazia pérolas disco-pop como essa. Nesse período, ela chegou a abrir shows para George Michael e foi atração convidada numa turnê de retorno do Take That.

“BITTERSWEET” (2011). Voltando num clima meio Só as melhores da Pan em boa parte das faixas do álbum Make a scene, Sophie retornava em clima de batidão, produzida por nomes da eletrônica como Calvis Harris, Metronomy e Armin Van Buuren. O novo disco demorou para sair: foi feito entre 2008 e 2011, deveria ter sido o segundo disco do contrato com a Fascination, e acabou saindo pelo próprio selo dela, EBGB’s.

“UNTIL THE STARS COLLIDE” (2014). Sophie não parecia o tipo da artista que lançaria um disco repleto de mumunhas orquestrais, unindo pop dançante e um ou outro tom sessentista. Mas foi o que ela fez no excelente Wanderlust, seu quinto álbum e ate hoje seu melhor lançamento. Muito embora as definições de “pop camerístico” e “pop barroco”, dadas por muita gente, não respondam pelo todo do disco, vale conferir a elaboração de faixas como essa, Runaway daydreamer, Love is a camera e a balada de piano Young blood.

“BREAKING THE CIRCLE” (2023). O som de Hana, novo disco de Sophie, é dance music triste, com tons às vezes meio graves e mais pesados que os de Murder on the dancefloor e boa parte do seu trabalho. Breaking the circle traz o astral das viagens da família do Japão, e o retorno à realidade, quando a pandemia iniciou e rolou um isolamento sem data para terminar em (quase) todo o mundo.

Crítica

Ouvimos: Paul McCartney e Wings, “One hand clapping”

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One hand clapping era uma espécie de tesouro secreto-mas-nem-tanto da era Wings de Paul McCartney. Primeiro porque o material já vinha surgindo havia anos em gravações piratas, e muita coisa chegou a reaparecer como bônus de relançamentos de luxo. Gravado “ao vivo no estúdio” (em Abbey Road) entre os dias 16 e 30 de agosto de 1974, em áudio e filme, deu a entender que Paul estava disposto a viver com sua nova banda tudo o que não havia vivido com os Beatles.

Lançado finalmente agora em disco, traz um conjunto precioso de canções – muitas delas pertencendo a era Band on the run (1973) – executadas de maneira urgente e despojada, mas com o rigor que Paul sempre se impôs. Há arranjos de orquestra (a London Symphony Orchestra tocou com traje de gala), as músicas soam similares às gravações em disco e não há espaços desocupados. Vocais, guitarras e sintetizadores (além do saxofone de Jet) estão todos ali, tocados pelo núcleo duro dos Wings (Paul, Linda McCartney e Denny Laine), ao lado de Jimmy McCulloch (guitarra), Geoff Britton (bateria) e convidados.

O conceito original de One hand clapping era igualmente mais despojado ainda. Isso porque a ideia de Paul (conforme o exposto em biografias do cantor) variava entre duas ideias. A primeira: fazer uma espécie de Get back/Let it be dos Wings, com a banda sendo filmada 24 horas por dia durante um ensaio. A outra: apenas gravar uma sessão do grupo em videotape para saber como a banda completa, que ainda não havia excursionado, se sairia no palco.

  • Temos episódio do nosso podcast sobre a era de Band on the run.
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O cineasta era o então inexperiente David Litchfield, que trabalhava como designer gráfico e editor de uma revista de arte que estava quase falindo (David admitiria mais tarde que o trabalho com o cantor salvou o pagamento de seus boletos). Paul havia informado a ele que o documentário era apenas para uso interno – mas não parecia, já que o projeto ganhou um título, One hand clapping. E o beatle gostou tanto da brincadeira que estava despejando uma montoeira de grana naquilo, além de gravar depoimentos e uma narração em off. O diretor chegou a ver Paul entrando em ação para fazer um músico da orquestra parar de enrolar no estúdio: o beatle simplesmente cantou as notas de um solo de violoncelo como se fossem palavras, para orientar o violoncelista. Acabou aplaudido pela orquestra.

No fim das contas, o documentário One hand clapping quase foi vendido a canais de TV, mas foi saindo do radar de Paul, mais ocupado com as brigas judiciais com o ex-empresário Allen Klein e com as turnês. Só chegou a público num relançamento de luxo de Band on the run em 2010. Nos depoimentos do cantor no filme, Paul garantia que adorava fazer parte de um grupo e que os Wings eram uma banda livre, que qualquer um “podia sair e voltar” (mentira: o artista dava esporros trágicos em músicos de sua banda que se envolvessem em projetos paralelos, e agia mais como um déspota boa praça do que como um administrador de clima).

O que importa é: One hand clapping, inteirinho, tá longe de ser um filler, uma encheção de linguiça. Mesmo quando parece ser, já que Paul recorda músicas dos Beatles (Let it be, Lady Madonna e The long and winding road) em vinhetas e parece sem tanta vontade assim de tocar seu repertório sessentista. Uma olhada distraída na lista de músicas já dá uma ideia do que há de magistral no disco. Músicas como Band on the run, Let me roll it, Jet e Live and let die surgem com a ourivesaria do trabalho em estúdio, e a urgência do material ao vivo.

O mesmo acontece com Nineteen hundred and eighty-five (aberta com Paul cantando e tocando a música ao piano, sem acompanhamento) e com Junior’s farm. E baladas como Maybe I’m amazed e My love sempre vão emocionar todo mundo. A lista é complementada com algumas covers (Blue moon of Kentucky, gravada por Elvis Presley, aparece com sotaque country, por exemplo), canções esquecidas dos Wings (o reggae C moon, de 1972) e uma ou outra brincadeira de estúdio. Um presente para os fãs, ainda mais por trazer um gênio do rock jogando uma pelada como se fosse uma partida clássica.

Nota: 8,5
Gravadora: MPL

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Cultura Pop

No nosso podcast. Rita Lee (e Roberto de Carvalho) entre 1980 e 1983

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No nosso podcast. Rita Lee (e Roberto de Carvalho) entre 1980 e 1983

No começo dos anos 1980, se bobear o Brasil tinha bem poucos seres humanos vivos que nunca tinham sequer ouvido falar de Rita Lee – uma cantora que, ao lado do marido Roberto de Carvalho, vendia muitos discos, tinha música em abertura de novela e ganhava especiais de TV no horário nobre. E como se não bastasse, era contratada do verdadeiro canhão de comunicação que era a Som Livre daquela época. Mesmo com a censura do fim do governo militar no contrapé, foi um período de shows inesquecíveis, muitos hits, álbuns lançados um atrás do outro, e uma verdadeira ritaleemania tomando conta do país.

Hoje no nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, damos um sobrevoo na trajetória de Rita e Roberto no começo dos anos 1980 – a época dos álbuns Rita Lee (mais conhecido como Baila comigo, 1980), Saúde (1981), Rita Lee & Roberto de Carvalho (mais conhecido como Flagra, 1982) e Bom bom (1983). Ouça em alto volume e escute os discos depois.

Século 21 no podcast: Jane Penny e Bel Medula.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch (fotos: reproduções das capas dos álbuns de Rita entre 1980 e 1983). Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas! Apoie a gente em apoia.se/popfantasma.

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Crítica

Ouvimos: Alan Vega, “Insurrection”

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Ouvimos: Alan Vega, "Insurrection"

Alan Vega e sua ex-banda Suicide não eram apenas “rock industrial”. Eram música infernal, mostrando para todos os ouvintes que situações assustadoras eram vividas não apenas em filmes de terror, mas no dia a dia. No contato com vizinhos perturbados, na violência nossa de cada dia, na vida fodida dos debandados do capitalismo – que é o verdadeiro assunto de Frankie Teardrop, música assustadora lançada no epônimo primeiro disco da dupla formada por ele e Martin Rev, de 1977.

Vega viveu no limite: antes do Suicide ter qualquer tipo de sucesso, passou fome e enfrentou dificuldades. No palco, era do tipo que se cortava e saía sangrando dos shows. Seu som sempre teve ideais radicais, inclusive politicamente – ele chegou a ser atacado pela polícia ao participar de passeatas, e o Suicide homenageou Che Guevara na música Che. Dos dois integrantes do Suicide, hoje só Martin Rev vive para perturbar os ouvidos dos outros com som pesado, distorcido e sintetizado. Alan, que prosseguiu por décadas como lenda viva do punk e da música eletrônica, lançando discos e fazendo exposições de arte, teve um derrame em 2012 e morreu durante o sono em 2016.

Seu material como compositor, ironicamente, devia bastante às raízes do rock, e à postura de “herói” do estilo. O novaiorquino Alan era fanático por Iggy Pop e Stooges, e seu vocal variava entre dois uivos – o de Elvis Presley, cujo visual inicial trabalhado-no-couro passou a imitar, e evidentemente o de Iggy. Os primeiros álbuns solo de Alan variavam entre o synth-pop nervoso e uma espécie de rockabilly aceleradíssimo e violento (o melhor exemplo é a estreia epônima de Vega, lançada em 1980). Não custa lembrar que o som do Suicide, de fato, chegou a impressionar até mesmo Bruce Springsteen, que já disse ser (pode acreditar) fã da dupla.

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Insurrection é uma coletânea de gravações inéditas que estavam no baú de Alan. São músicas industriais e infernais feitas no fim dos anos 1990, todas falando sobre morte, sofrimento e contagem de mortos como se fosse algo natural, do dia a dia – e pensando bem, olhando os jornais e andando pelas ruas, é meio isso. É “bom de ouvir” dependendo do seu humor: é o disco das dançantes e góticas Sewer e Crash, do synth pop monocórdico Invasion, do pesadelo selvagem Cyanide soul e do lamento sonoro (de quase dez minutos) de Murder one.

Mercy é um estranho e assustador pedido de clemência, falando em gritos, anjos sangrando e tempestades sombrias. E nessa música o vocal de Alan lembra de verdade o de Elvis Presley, o que soa mais estranho ainda. Os beats são dados por uma percussão intermitente e tribal, seguida por uma batida eletrônica mais próxima do “dançante”. Soa mais insociável do que qualquer coisa lançada pelo Ministry ou pelo Alien Sex Fiend, por exemplo. Chains soa como entrar numa bizarra ressonância magnética de distorção. E Fireballer spirit oferece a mesma sensação, só que acrescida de barulhos eletrônicos.

Nota: 7,5
Gravadora: In The Red

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