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Cultura Pop

Lembra quando o Quill tocou em Woodstock?

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Lembra quando o Quill tocou em Woodstock?

Não sabe o que é esse tal de Quill? Vamos lá. Histórico, monumental e totalmente à prova de revisões históricas, o festival de Woodstock (que, impossível não saber, completou 50 anos na semana passada) teve lá seus fatos malucos, seus acontecimentos surgidos do acaso e suas escalações estapafúrdias. E golpes bizarros do acaso.

Exemplos: bandas gigantes como Creedence Clearwater Revival e Grateful Dead participaram do evento, passaram em brancas nuvens, e ficaram de fora de disco e filme do evento. Já Santana, um adolescente mexicano desconhecido que comandava uma banda enorme, entrou no festival por exigência do promotor de shows Bill Graham (justamente numa negociação que envolvia a entrada do Grateful Dead), fez sucesso e virou estrela.

https://www.youtube.com/watch?v=AqZceAQSJvc

Tem quem nem lembre que Creedence e GD estiveram lá, mas, enfim, Soul sacrifice, de Santana, ganhou ares de hit. Por outro lado, não tem quem não se recorde de I-feel-like-I’m-fixin-to-die rag, do ex-combatente e cantor folk Country Joe McDonald, como um dos maiores hinos políticos do festival. Joe não se tornaria um grande astro do rock no decorrer das próximas décadas – apesar de gravar mais de trinta LPs – e até se queixaria em algumas entrevistas de nunca ter entrado para o time dos artistas “que dão dinheiro”.

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O número de artistas que tocaram em Woodstock e pouca gente lembra, por sinal, dá até depressão: costumam ser esquecidos Bert Sommer, Tim Hardin e até mesmo o Canned Heat (que fez uma apresentação excelente e é o quinto artista a aparecer no filme dirigido por Michael Wadleigh). Agora o caso mais bizarro é o de uma banda chamada Quill, da qual possivelmente NINGUÉM hoje em dia lembra. E, sim, eles tocaram no segundo dia do festival de Woodstock, quando também subiram ao palco The Who e Santana.

Olha o primeiro e único disco deles aí, epônimo, lançado em 1970 pelo selo Cotillion, ligado à Atlantic, Tem quem compare a faixa Yellow butterfly a Syd Barrett.

Fundado por duas crias de Boston, os irmãos Jon e Dan Cole, o Quill começou a carreira abrindo para uma gama variada de artistas – que incluía de The Who e Jeff Beck Group ao comediante Steve Martin. Nos shows, a banda costumava levar instrumentos de percussão para distribuir à plateia, o que já garantia parte do sucesso. O grupo, que ainda nem tinha disco gravado em 1969, foi parar no festival de Woodstock por ideia do criador do evento, Michael Lang, que era amigo do empresário do Quill.

Lang gostava do grupo e acreditava que a banda fosse estourar depois do festival (não foi o que aconteceu, como ficou público e notório). O chefe de Woodstock ainda resolveu fazer do Quill seus ajudantes num projeto importantíssimos. Os irmãos Cole e seus companheiros foram uma espécie de “banda da casa”, fazendo diversos shows para funcionários do festival e fazendeiros da região.

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Mais: para deixar a comunidade de Bethel (onde rolaram os três dias de evento) tranquila em relação ao festival, Lang escalou o Quill para uma série de apresentações “voluntárias” em prisões, hospitais e até hospícios da área. No sábado, quando tocaram em Woodstock, foram a primeira banda e subiram no palco ao meio-dia.

Olha aí um minuto e pouco da apresentação do Quill, que ficaram de fora do filme original. As imagens da banda ficaram fora de sincronia com o som, o que inutilizou toda a apresentação. No vídeo abaixo, a banda toca Waiting for you. O vocalista Joe Cole é visto (adivinhe) dando peças de percussão para o público.

Aqui tem uma resenha dizendo que o Quill saiu meio frustrado do palco, por não conseguir eletrizar a (enorme) plateia da mesma forma que o fazia com os clubes onde se apresentavam em Boston. Seja como for, o grupo chamou a atenção do mesmo selo que lançaria os discos do festival: a banda assinou com a Cotillion e lançaria seu disco em 1970. Houve planos para um segundo disco, que começou a ser gravado sob os auspícios de Tony Bongiovi (primo de Jon Bon Jovi e futuro produtor de Bruce Springsteen, Ramones e uma porrada de gente). Mas a gravadora desistiu do projeto.

O Quill fechou portas no começo dos anos 1970. Os irmãos Cole conseguiram sucesso em áreas distantes da música – Jon trabalhou com dispositivos de energia solar e Dan virou consultor na área de gestão. O show deles em Woodstock, que não chegou exatamente a virar lenda, foi marcado por improvisos: três músicas, mais uma jam, em cerca de meia hora. Alguém achou o áudio (que já foi bastante pirateado) e jogou no YouTube. Pega aí.

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Cinema

Mulheres do punk no Reino Unido, em documentário

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Mulheres do punk no Reino Unido, em documentário

Se você só tiver tempo de ver UM filme sobre música em algum momento do dia de hoje, veja este. She’s a punk rocker UK é um filme ultra-hiper-independente, dirigido durante vários anos por Zillah Minx, a vocalista do grupo gótico-anarco-punk Rubella Ballet, e que conta a história do punk feito por mulheres no Reino Unido. Entre as fontes, tem gente muito conhecida, como Poly Styrene (X-Ray Spex) e Eve Libertine (Crass).

No filme, dá pra ver também os depoimentos de nomes como Caroline Coon, que durante um tempinho foi empresária do Clash e trabalhou com a banda num especial período de confusão – quando a banda ainda era um incompreendido nome da CBS britânica que não conseguia estourar nos Estados Unidos de jeito nenhum (opa, fizemos um podcast sobre isso).

Um depoimento interessante é o de Mary, uma punk veterana que trabalhou por uns tempos como segurança de Poly Styrene, cantora do X-Ray Spex. Tanto ela quanto Poly lembram que o  público dos shows era meio violento em alguns lugares – com “fãs” jogando cerveja e cuspindo na plateia para demonstrar que estavam gostando da apresentação (era comum). Logo no começo do documentário, entrevistadas como Rachel Minx (também do Rubella Ballet) contam que nem tinham uma ideia exata de que elas eram punks quando começaram a adotar o visual típico do estilo – roupas rasgadas, maquiagem, reaproveitamento de peças usadas. Em vários casos, a ideia era se vestir diferente porque todas começaram a produzir suas próprias roupas – e a moda se refletia na música, nas letras e no comportamento.

A própria Zillah é uma figura importante e pouco citada do estilo musical, e viveu o estilo de vida punk antes mesmo dos Sex Pistols começarem a fazer sucesso. O filme dela  foi feito inicialmente com uma câmera emprestada e precisou passar por vários processos de edição durante vários anos. Apoiando o Patreon do projeto, aliás, você consegue ter acesso às integras de todas as entrevistas.

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Ela disse nesse papo aqui que foi aprendendo a fazer tudo sozinha, sem nenhum financiamento, com a ideia de responder algumas perguntas sobre a presença feminina no punk britânico. “Ser punk era perigoso, então por que tantas mulheres se tornaram punks? Foi apenas sobre vestir-se escandalosamente? Essas mulheres punk foram tratadas como membros iguais da subcultura e como foram tratadas pelo resto da sociedade? Como ser uma mulher punk afetou suas vidas? A mulher punk influenciou diretamente as atitudes da sociedade em relação às mulheres de hoje?”, disse.

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Cultura Pop

E os 30 anos de The End Of Silence, da Rollins Band?

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A relação de Henry Rollins com a Imago Records – selo que contratou sua Rollins Band no começo nos anos 1990 – acabou em briga. A gravadora e o cantor brigaram nos tribunais por alguns anos. Rollins havia recém mudado para a DreamWorks e era acusado de “quebra de contrato” e de ter mudado de selo por ter sido induzido pela nova casa. O artista alegava fraude e coerção econômica, e reclamava que a Imago tratava seus contratados como se fossem “bens móveis”. Com a mudança, algumas novidades aconteceram na vida do cantor, que chegou a ser fotografado jantando com Madonna (interessadíssima em levá-lo para seu selo Maverick) e deu margem até a boatos de um caso amoroso.

O surgimento de Rollins no mainstream, por outro lado, foi bem mais ameno – embora não menos cheio de trabalho e movimentações. Após alguns anos liderando o Black Flag, e sendo uma das figuras proeminentes do punk californiano, ele havia iniciado uma carreira solo com o álbum  Hot animal machine (1987), um precursor da Rollins Band, lançado pelo selo indie Texas Hotel, ao mesmo tempo em que mantinha carreira paralela como escritor e poeta, e gravava desconcertantes discos de spoken word, com seus textos biográficos e tristes – alguns deles escancarando a porta da misantropia.

Sua Rollins Band começou a ser tramada nessa época, e seria um projeto único: com o fortão Rollins à frente, bancando o herói punk californiano, o grupo daria passos além do punk, tocando uma mistura de metal (numa onda pré-stoner) e jazz rock, descambando para o noise rock e para as influências de grupos como Swans, Suicide e Velvet Underground. A política de Rollins, na hora de fazer as letras, era a da superação, do exorcismo de antigos fantasmas, do fim do silêncio em relação à opressão.

Lançado com uma turnê em que a Rollins Band abria para os Red Hot Chili Peppers, o trintão The end of silence, terceiro disco do grupo, chegou às lojas em 25 de fevereiro de 1992, já pela Imago, selo montado por Terry Ellis, fundador da gravadora Chrysalis. O disco abria direto com Rollins aconselhando o ouvinte e analisando detalhadamente a alienação e o autoabandono (Low self opinion).

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O cantor, que sofrera com pais abusivos e espancamentos nos tempos de escola, dava conselhos a si mesmo em Grip (“quando essas paredes se fecham ao seu redor/quando todos duvidam de você/quando o mundo pode viver sem você/mantenha-se no controle”). Comentava sobre relacionamentos que acabam em abandono, nas letras de You didn’t need e Tearing. Aos berros, narrava um encontro com seu pai, que costumava espancá-lo na infância, em Just like you.

The end of silence não é um disco agradável. Não que seja um disco ruim, mas ele soa pesado e desconfortável em vários momentos. A atmosfera é extremamente sombria. Rollins era acompanhado por um time de supermúsicos: Chris Haskett (guitarra), Sim Cain (bateria) e Andrew Weiss (baixo). Ao contrário de qualquer disco punk que você possa imaginar, as músicas são quilométricas. O álbum original dura 72 minutos, até mesmo no vinil. Blues jam, faixa de mais de onze minutos, foi tão improvisada em estúdio, até mesmo por Rollins, que sua letra nem sequer aparece no encarte.

Os shows, por sua vez, assustavam: enorme e tatuado, Rollins se movia pelo palco com uma fúria descomunal, impressionando desde novos fãs até gente bem experiente, como Wayne Kramer, do MC5, com quem o cantor chegou a trocar correspondência durante vários anos. O cantor era constantemente chamado para participar de programas da MTV, e acabou conseguindo até mesmo um papel no filme cyberpunk Johnny Mnemonic, de Robert Longo (1995).

Era de fato, o fim do silêncio para um dos maiores nomes do punk americano, cujo próximo passo musical com a Rollins Band seria o disco Weight (1994), um álbum bem mais sacolejante e de canções mais curtas – e nem por isso menos furioso, graças a músicas como Disconnect, Shine (uma canção anti-suicídio, lançada por acaso no mês de morte de Kurt Cobain) e Divine object of hatred. Pena que a discografia de Rollins hoje em dia não esteja nas plataformas digitais.

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Cinema

Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

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Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

Som alucinante, filme de Guga de Oliveira (irmão de Boni, ex-todo poderoso da Rede Globo), lançado nos cinemas em 1971, apareceu pela primeira vez na íntegra no YouTube há poucos dias. O filme traz um apanhado de shows do programa Som Livre Exportação, musical exibido pela Rede Globo entre 1970 e 1971. A produção foi feita no espírito do filme do festival de Woodstock, de Michael Wadleigh, com shows misturados a entrevistas com artistas, músicos, a equipe técnica tanto do festival quanto do filme, e com pessoas da plateia.

Logo no começo, o radialista paulistano Walter Silva (o popular Pica-Pau) resolve perguntar a uma mulher da plateia o que ela espera encontrar no show. Como resposta, recebe risos e um “ah, sei lá, dizem que tá bacana, né?”. Bom, de fato, o formato de festival não competitivo – ou de pacote de shows – ainda não era das coisas mais conhecidas aqui no Brasil.

Tudo ali era meio novidade, tanto o fato de tantos nomes estarem reunidos num mesmo evento, quanto o fato de vários nomes “alternativos”, de uma hora para outra, terem virado grandes atrações de um programa da Globo: Ivan Lins (em ascensão e fazendo seu primeiro show em São Paulo), Gonzaguinha, Mutantes, A Bolha, Ademir Lemos e até um deslocadíssimo grupo americano chamado Human Race – que apresentou uma cover de Paranoid, do Grand Funk. Para contrabalancear e garantir mais audiência ao programa, Elis Regina, Wilson Simonal e Roberto Carlos participaram da temporada de 1971 da atração (que mesmo assim continuou sem audiência, mas com sucesso de crítica). O show levado ao ar nessa temporada serviu de fonte para o documentário.

O que mais chama a atenção em Som alucinante, na real, não é nem mesmo a música. Bom, e isso ainda que o filme apresente uma entrevista bem interessante com um iniciante Gonzaguinha (que faz um excelente discurso sobre “não pensar no mercado e ser você mesmo”), uma Rita Lee aparentemente em órbita falando sobre “é bom ganhar dinheiro com o que se faz, né?”, Mutantes tocando José e Ando meio desligado, A Bolha tocando o gospel-lisérgico Matermatéria, Elis Regina dividindo-se entre os papéis de cantora e mestra de cerimônia. E também várias entrevistas com Milton Nascimento que não vão adiante, de tão constrangido que o cantor estava.

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O mais maluco no filme é que a plateia desmaia, e o tempo todo (!). Os fãs começam a empurrar uns aos outros e num determinado momento, a solução da produção é convidar os que estavam em maior situação de vulnerabilidade para subir no palco. Numa cena, um policial carrega uma garota desmaiada e ele próprio quase toma um estabaco.

Jogaram o documentário musical brasileiro Som Alucinante no YouTube

Companhias indesejáveis na plateia do Som Livre Exportação

Em outro momento, os fãs são puxados ao palco por policiais e pessoas da produção com uma tal intensidade, que aquilo fica parecendo uma tragédia bíblica. Ou um evento que estava mais para Altamont do que para Woodstock, porque era evidente que aquilo estava ficando perigoso. Especialmente porque militares circulavam na plateia e aparecem, em determinados momentos, atrás do palco, o que já explica todo aquele estresse.

Ah, sim a parte do “nós estamos todos reunidos nessa grande festa”, dos Mutantes (que aparece no documentário Loki?, sobre Arnaldo Baptista) foi tirada de Som alucinante. E pelo menos um crítico do Jornal do Brasil, Alberto Shatovsky, detestou a linguagem “moderna” do filme.

A sequência de Roberto Carlos no filme.

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E se você não reconheceu o sujeito de bigodes e cabelo black que aparece em alguns momentos no filme, é o Ademir Lemos, do Rap da rapa (lembra?). Era um dos apresentadores do Som Livre Exportação.

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