Som
Jim Carroll: descubra agora!
O poeta, escritor e músico novaiorquino Jim Carroll é citado em vários momentos do clássico livro Mate-me por favor, de Legs McNeil e Gillian McCain. Numa das passagens, Carroll é flagrado aos 21 anos, assistindo a um show dos Stooges com a então namorada Patti Smith, na casa de shows Ungano’s, em 17 de agosto de 1970 (uma apresentação tão memorável que virou até mesmo álbum do selo Rhino, anos depois). Viu Iggy Pop, o vocalista, vindo em sua direção e ficou na defensiva: enfiaria a porrada no cantor se ele o empurrasse, como costumava fazer com algumas pessoas da plateia. Não foi preciso.
Cinco anos antes disso, levando vida de adolescente rueiro e problemático em Nova York, Jim chegou a se prostituir para sustentar seu vício em drogas. Era uma atividade comum naqueles tempos, entre garotos protopunks: Dee Dee Ramone fez o mesmo e contou tudo na canção 53rd & 3rd, gravada pelos Ramones em seu primeiro álbum, de 1976. Mas Jim largou o trabalho por uma razão bastante prática, naqueles tempos de psicodelia e amor livre: “Alguém me alertou que estava todo mundo transando de graça, então não dava para ganhar dinheiro com isso”, disse.
James Dennis Carroll, vale citar, levava vida dupla, ou tripla. Chafurdava na heroína e prosseguia no que mães e avos chamariam de “mau caminho”, junto de camaradas que não durariam muito no mundo dos vivos. Mas ao mesmo tempo, destacava-se no basquete, esporte que descobriu após ganhar uma bolsa de estudos. Saiu-se tão bem nas quadras que virou uma estrela na escola, graças à dedicação.
Alem disso, Jim também era o garoto de família irlandesa que gostava de ler e escrever poesia desde cedo, e que havia sido educado numa escola católica, de padres lassalistas. Até 1970, em meio a várias outras experiências pessoais, Jim já havia publicado duas coleções de poemas e havia começado a trabalhar com Andy Warhol. Escrevia diálogos de filmes do esteta pop e passou a ser um dos gerentes do Warhol’s Theatre. E também já fizera boa parte do seu livro The basketball diaries, que lançaria em 1978, detalhando o dia a dia de sexo, basquete, amigos vida-torta e heroína (como usuário e traficante) nas ruas de Nova York.
Em 1995, o livro chegou ao cinema, com Leonardo DiCaprio interpretando o punk adolescente, drogado e esportista Jim Carroll – no Brasil, você deve saber, o filme de Scott Calvert se chamou Diário de um adolescente. Carroll, já sóbrio há bastante tempo, adorou o filme, ficou fã de Leonardo e assustou-se com o fato de seu livro ter voltado a vender, e ter chegado ao público infantil. Só se chateou ao ver que o filme seguia uma agenda moralista na abordagem do tema “drogas”. “O filme ganhou muito aquela cara de ‘conto de advertência’, e eles garantiram que seria neutro como o livro. Mas eu não tinha nenhum poder naquele momento”, disse aqui.
Carroll, cuja morte completa doze anos em 11 de setembro (foi vitimado aos 60 por um ataque cardíaco), teve uma virada séria de carreira na segunda metade da década de 1970. Além das atividades como escritor, passou a se dedicar bastante à música. Fez colaborações com a amiga Patti Smith, montou em 1978 um grupo chamado Amsterdam – que depois mudou de nome para Jim Carroll Band – e passou a gravar discos, seguindo uma receita musical que unia a simplicidade do hard rock e a virulência do punk, em meio a voos poéticos. E se você nunca tinha escutado falar dele, vale a pena conhecer ou relembrar: seguem aí onze momentos legais de Carroll.
“PEOPLE WHO DIED” (do LP Catholic boy, de 1980). Jim conseguira contrato com o selo Atco por intermédio de Keith Richards, que inicialmente queria contratá-lo para a Rolling Stones Records. Houve integrantes da comunidade stoniana no disco: Bobby Keys no sax e Earl McGrath, ex-chefão da gravadora da banda, na produção. People who died, grande hit do disco, citava vários amigos vida-loka de Jim que morreram nas estradas da vida e das drogas. A letra era um primor de tragicomédia, mas a melodia alegre ajudou a canção a se tornar hit e a ser regravada várias vezes. E também teve um uso bastante inusitado…
“PEOPLE WHO DIED” NO CINEMA: A música, pode acreditar, apareceu até mesmo numa das primeiras cenas do clássico infantil ET, o Extraterrestre, de Steven Spielberg, quando a garotada aparece jogando Dungeons & Dragons. E ela ainda apareceu em outras produções, como O renascer dos mortos, de Zack Snyder, e Tuff Turf, o rebelde, de Kim Richards.
“IT’S TOO LATE” (do LP Catholic boy, de 1980). Uma das músicas mais legais da estreia da Jim Carroll Band, tem vocal falado, levada que parece adiantar em dois anos o ritmo de Beat it, de Michael Jackson, e letra repleta de imagens fortes e existenciais. Jim analisa contrastes entre juventude e velhice, e temas ligados a expectativas pessoais, amor, sobrevivência e outros assuntos. Na foto da capa do disco, tirada por Annie Leibovitz, Jim posa com seus pais.
“CROW” (do LP Catholic boy, de 1980). Amigo e ex-namorado de Patti Smith, Jim dedicou a ela essa música, que fala da convivência dos dois antes da fama, vivendo no Chelsea Hotel. O primeiro verso fala sobre alguém que cai do palco e “quebra um osso perto do cérebro”. Era referência a um fato histórico: em 1977, Patti teve uma queda seríssima do palco durante um show em Tampa, Flórida – caiu de 4,5 metros direto num fosso de concreto, e quebrou várias vértebras do pescoço.
“WORK NOT PLAY” (do LP Dry dreams, de 1982). O segundo disco da Jim Carroll Band lembrava o começo do The Cars, com canções que merecem a batida definição de “ganchudas” e sons a meio caminho entre o punk e o rock herdado de Rolling Stones. Na faixa de abertura, também primeiro single do disco, Jim revisita fantasmas do passado.
“DRY DREAMS” (do LP Dry dreams, de 1982). Punk pop lembrando Blondie. A letra detalha um pesadelo misturando fantasmas do showbusiness, sexo e um tantinho de sadomasoquismo.
“SWEET JANE” (do LP I write your name, de 1983). No encerramento da Jim Carroll Band, Jim surgia numa pose robótica na capa do disco, lembrando Gary Numan. O repertório incluía uma (boa) releitura new wave da canção do amigo Lou Reed.
“TINY TORTURES” (do CD Praying mantis, de 1991). Jim foi contratado pelo selo Giant, que começava a despontar no mercado no começo dos anos 1990, e lançou um álbum com poesias e textos falados. O material de Praying mantis trazia essa leitura de onze minutos, que voltava no tempo e flagrava o Jim Carroll adolescente, participando de eventos de leitura de poesia e de arte performática, e já descontente com tudo aquilo.
“8 FRAGMENTS FOR KURT COBAIN” (do CD Pools of mercury, de 1998). Disco com músicas novas e alguns poemas declamados (com trilha sonora experimental ao fundo). Os textos falados já haviam saído em livros de Jim. Um deles era 8 fragments, escrito logo após a morte de Kurt Cobain, a quem o poeta chegou a conhecer, numa experiência não lá muito agradável. “Estive com ele duas vezes e certamente não era uma pessoa sociável. Não era fácil chegar até ele. Ele era mesmo um rockstar e eu ainda era um cara das ruas”, afirmou à Rolling Stone, na época, lembrando também que num dos encontros, Kurt lhe ofereceu cola de sapateiro. “Ele achava que minha vida tinha se congelado na última página do The basketball diaries, meu livro, e que eu ainda estava nessa de drogas”.
“RUNAWAY” (do EP Runaway, de 2000). De emocionar: Jim Carroll, com um fio de voz, relê, em tons meio soul meio punk, o sucesso mais conhecido do roqueiro americano Del Shannon (1934-1990). O EP Runaway, misturando registros de estúdio e faixas ao vivo (e lançado pelo selo indie Kill Rock Stars) seria seu último lançamento em disco.
“CATHOLIC BOY” (com Jim Carroll e Pearl Jam, da trilha de The basketball diaries, 1995). O cantor e poeta se juntou ao Pearl Jam para reler a faixa-título de seu primeiro disco, para a trilha do filme Diário de um adolescente. Saiu no CD com a trilha sonora e num single.
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Crítica
Ouvimos: Pavement, “Cautionary tales: Jukebox classiques”
- Cautionary tales: Jukebox classiques é o novo box retrospectivo do Pavement, com músicas dos lançamentos da banda em 7 polegadas, além de algumas outras coisas, como as versões alternativas das faixas Black out e Extradition, lançadas em 2006 para quem fez a pré-encomenda da nova versão do disco Wowee zowee (1995).
- A caixa já está disponível nas plataformas – mas em formato físico, Cautionary tales sai apenas no dia 12 de julho. O pacote inclui reproduções dos singles originais de 7″ e um livreto de 24 páginas.
Blur, Cate Le Bon, Parquet Courts, Nirvana, Weezer, Super Furry Animals, The Coral e até o R.E.M. Todas essas bandas/artistas, em algum momento da carreira, foram comparadíssimas a um verdadeiro gigante do indie rock, o Pavement. Ou se deixaram deliberadamente influenciar pela banda criada pelos guitarristas e vocalistas Stephen Malkmus e Scott Kannberg. Um grupo que, vindo da Califórnia, estava mais para projetinho lo-fi e barulhento vindo de Nova York ou de algum canto ensimesmado de Seattle, embora fizesse sentido no cenário de um estado norte-americano bastante diversificado.
No caso do Nirvana, passou para a história o quanto a música do Pavement inspirou a composição de In utero (1993), último álbum do trio liderado por Kurt Cobain. Dando uma ouvida nas primeiras faixas desse Cautionary tales: Jukebox classiques, caixa (por enquanto apenas virtual) reunindo todo o material de 7 polegadas lançado pelo grupo, fica evidente que sem o ruído berrado dos dois primeiros EPs do Pavement, Slay tracks: 1933 – 1969 (1989) e Demolition plot J-7 (1990), porradas do álbum do Nirvana como Scentless apprentice não teriam sido feitas.
As onze faixas desses dois EPs (incluindo pérolas como Box elder e You’re killing me!) perfazem a primeiríssima fase da carreira do Pavement, uma banda que, por ter vindo de uma cidade pequena na Califórnia (Stockton), parecia se sentir mais à vontade para zoar tudo o que via de longe, e ainda falar do dia a dia de seus conterrâneos nas letras. O próprio grupo não parecia perceber o quanto seu som, apesar de focar no ruído, era sociável – caíram até nas graças do DJ inglês John Peel, que descobriu a banda e passou a divulgá-la.
Slanted and enchanted, álbum de estreia (1992), provocou inveja em boa parte dos grandes nomes do rock da época, Kurt Cobain incluso: era porrada musical elaborada, com uma ou outra canção com tendência a grudar no ouvido – Summer babe, incluída no box, era desse disco, e Cautionary tales resgata também lados B como Baptist blackstick e raridades como Sue me Jack, rock suingado e elegante para os padrões do grupo na época.
De Crooked rain, crooked rain (1994, o segundo disco) em diante, o Pavement ficaria mais elegante, inclusive. Traria barulhos incluídos de modo dosado, em meio a canções mais formais, influenciadas por country, power pop, Beach Boys, Neil Young. A banda juvenil dos primeiros EPs estava se tornando um The Cure bem mais indie, um Television dos anos 1990 ou quem sabe um Grateful Dead da mesma década – misterioso, cultuado e com um séquito de fãs.
Essa história é contada por intermédio de músicas que fizeram o grupo ganhar um número bem grande de fãs no Brasil, como Cut your hair e a bela e quase radiofônica Gold soundz. Ou Range life, canção que, em sua letra, espalhava brasa para Smashing Pumpkins (“eles não têm nenhuma função, e eu não entendo uma palavra do que eles dizem”) e Stone Temple Pilots (“eles não merecem nada mais do que eu”). Billy Corgan, dos Pumpkins, agarrou ódio do Pavement por causa disso – já se recusou a dividir palco com eles em festivais.
Lados B dessa época, como a vinheta instrumental Kneeling bus, com bateria desencontrada e tom dado por riffs de guitarra e solos de piano elétrico, são as boas descobertas da caixa. Daí para diante, o Pavement já fazia parte do cenário indie oscilando entre canções contemplativas e melodias que sequestravam a atenção – além de letras que os fãs, antes de tudo, gostavam de discutir. I love Perth, referência à maior cidade da Austrália Ocidental, faz os fãs australianos da banda debaterem em fóruns na internet até hoje.
A referência irônica à psicodelia californiana de Gangsters and pranksters também despertou a atenção de muita gente. Unseen power of the picket fence, feita pela banda para aparecer na coletânea No alternative (1993), é cara de pau: a música pinta um retrato bem estranho do R.E.M., a ponto de muita gente se perguntar até hoje se ninguém da banda ficou ofendido ou grilado com versos como “o cantor tinha cabelo comprido/o baterista sabia como se restringir/o cara do baixo tinha os movimentos certos/o guitarrista não era nenhum santo”, em meio a referências a discos e músicas do quarteto (“Time after time era a música que eu tinha como menos favorita”, cantam).
O slacker rock (sinônimo de rock blasé e garageiro) do Pavement foi se tornando cada vez mais palatável e de longo alcance à medida que novos álbuns surgiam: Wowee zowee (1995), o ultra-trabalhado Brighten the corners (1997) e finalmente o controverso Terror twilight (1999) – este, produzido por Nigel Godrich (Radiohead), que tentou colocar o espírito livre do Pavement numa redoma, embora a banda tenha soado fora de tempo e espaço como sempre, em Spit on a stranger e Carrot rope, além do B side Harness your hopes, tudo isso presente em Cautionary tales. Uma história bem legal de ouvir, e de contar.
Nota: 10
Gravadora: Matador.
Crítica
Ouvimos: Norah Jones, “Visions”
- Visions é o nono disco de Norah Jones, com produção de Leon Michels, que dividiu parcerias com ela em várias faixas. Ele foi músico de Sharon Jones & The Dap-Kings e foi fundador da Truth And Soul Records, basicamente uma gravadora de soul e funk retrô.
- Norah afirmou no release do disco que boa parte das ideias para Visions “vieram no meio da noite ou naquele momento antes de dormir”.
- No disco, Norah tocou guitarra, teclado e baixo – além de piano em todas as faixas. Leon tocou vários instrumentos, inclusive bateria em algumas faixas, e também fez a engenharia de gravação.
Muita gente já anda falando que Visions é o disco pop que Norah Jones estava devendo fazia tempo. Bom, é mais ou menos isso, e é bom colocar as coisas em seus lugares: o nono disco de Norah é pop como se tivesse sido feito nos anos 1970, mas sem aquele ensimesmamento típico dos álbuns da onda agridoce. Até porque de agridoce Visions não tem nada: é basicamente um disco feliz, e que abraça o ouvinte.
O novo disco de Norah vem da mesma fonte soul+jazz+blues que vários álbuns dos anos 1970 vieram. Ali tem algo de Aretha Franklin, algo de Laura Nyro, algo de Carole King, de James Taylor, sem soar exatamente como nenhum desses artistas – e vale citar que os ruídos de pássaros que surgem na faixa de abertura All this time e em On my way lembram logo o hit choroso Lovin’ you, de Minnie Ripperton, mas o disco não tem nada conceitualmente nessa linha. Tem psicodelia em Visions? Tem, tão disfarçada que nem é perceptível – surge discretamente em gravações de vocais e em algumas abordagens.
No disco, Norah trabalha em canções que, mexe daqui e dali, poderiam estar no repertório de um girl group dos anos 1960 (Staring at the wall, a balada That’s life), cria hipotéticos temas de novela dos anos 1970 (a balada-blues Paradise, Alone with my thoughts), junta numa canção riffs de guitarra de faroeste e metais quase mariachi (Visions), faz soul-rock dançante e minimalista (I’m awake). E cria quase uma versão vintage do neo-soul dos anos 1990 em faixas como I just wanna dance e Swept up in the night, como se o estilo retrô fosse enviado numa máquina do tempo para épocas mais orgânicas, e retrabalhado (sim, é possível).
A vida da qual Visions fala em suas letras é um tanto quanto amarga e complicada às vezes. Mas no fim tudo é reconfortante, como nos discos antigos do Jackson 5. That’s life relembra que é assim mesmo, “você se perde, você é encontrado (…)/fala demais, bate no chão, desaba/isso é vida”. I’m awake prega que “houve momentos em que perdi a cabeça/mas agora estou bem, finalmente acordei”. Já Alone with my thoughts, que dava um bom título de disco, sopra no ouvido: “vou te mandar uma oração e um pedaço de casa/meu amor é por você”. Uma sensação de calor no coração que nem sempre a música tem dado nos últimos tempos.
Nota: 9
Gravadora: Blue Note
Cultura Pop
A fase pós-punk de Madonna: descubra agora!
Madonna, você deve saber, não começou sua carreira em 1983, quando saiu seu primeiro álbum. Ela vem de pelo menos cinco anos antes. Teve várias tentativas fracassadas, períodos de fome, possibilidades de se estabelecer como modelo e atriz, etc.
Entre os anos 1970 e o começo dos 1980, apesar de ela ter trabalhado por uns tempos com um grande valor da disco music (Patrick Hernandez, de Born to be alive), o som dela tinha mais a ver com pós-punk e new wave do que com qualquer outro estilo musical. Sem o synthpop da época, nada do que você conhece de Madonna hoje poderia ter sido feito. Confira aí os links entre a rainha do pop e o que foi além dos três acordes. Uma época bem distante do sucesso, e, em especial, da expectativa e da dinheirama envolvida no show da cantora em Copacabana.
- Só lembrando que temos um episódio sobre Madonna no nosso podcast Pop Fantasma Documento
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DIZ A VERDADE. Em 1978, há 40 anos, Madonna fez sua primeira música. Tell the truth foi composta por influência de Dan Gilroy, seu primeiro namorado. Tinha poucos acordes (quatro, no máximo) e foi feita pouco depois de Madonna mudar-se para uma sinagoga abandonada no Queens, em Nova York – por sinal a região dos Ramones – junto com Gilroy. Até então, a futura rainha do pop havia trabalhado como modelo vivo e também tinh feito um job como dançarina da sensação eurodisco Patrick Hernandez.
NAS BAQUETAS. Em 1979, Madonna estreou como baterista do Breakfast Club, banda que dividia com o namorado Dan, o irmão dele, Ed (ambos nas guitarras – o primeiro também no vocal) e Angie Smith (baixo). Não deu muito certo porque Madonna – que na época tinha Debbie Harry, do Blondie, como modelo – queria cantar, não ficar lá atrás.
O Breakfast, a propósito, sobreviveu à saída de Madonna: lançou um disco em 1987, epônimo. Durou até 1990, mas em 2016 o grupo pôs nas lojas um EP, Percolate, contendo gravações do segundo (e nunca lançado) disco. Dan Gilroy virou ator, e tem um xará mais famoso ainda, roteirista, que é casado com a atriz Rene Russo. Abaixo você confere gravações de 1979 do grupo e um vídeo com várias imagens de Madonna na época do grupo, com Little boy (do repertório do Breakfast club) no BG.
COMO É BOM SER (QUASE) PUNK. Uma banda que Madonna gostava bastante no começo da carreira era The Slits. O grupo punk feminino britânico, que unia punk, dub e reggae, volta e meia aparecia por Nova York e – diz a biografia Madonna 60, de Lucy O’Brien – era estudado atentamente por Madonna. E a banda não apenas já estava sacando a observação da cantora como não gostava nada disso.
“Morro de raiva de Madonna nunca ter usado uma camiseta com The Slits escrito em lantejoulas brilhantes e chamativas. Ela nos deve tudo. Roubou da (guitarrista) Viv Albertine todas as ideias de moda no início da carreira dela”, contou a vocalista das Slits, Ari Up. Viv costumava usar pedaços de pano amarrados no cabelo e lingerie por cima da roupa, como Madonna lá por 1984.
NEM TANTO. Seja como for, a cabeleireira L’Nor Wolin, responsável pelo cabelo de Madonna no clipe de Borderline, lembra de ter ouvido dela que “não quero que meu visual seja punk, quero que seja urbano”. Isso porque L’Nor, procurada por ela para trabalhar no vídeo, era responsável por vários penteados punk inovadores da época. Por sinal, a cabeleireira se recorda de Madonna dando altas patadas no set do clipe, quando via que o catering não havia selecionado comida vegetariana para ela. “Ela gritava: ‘não vou comer essa merda, vá buscar algo vegetariano pra mim!’”, lembra no livro de Lucy O’Brien.
ALIÁS E A PROPÓSITO, entre 1979 e 1980, Madonna também fez sua estreia como atriz, num filme que – você deve saber – ela renega até hoje, A certain sacrifice. Realizado em super 8 e dando uma geral no universo das relações sadomasoquistas (com direito a um estranhíssimo sacrifício satânico no final, daí o nome), o filme foi feito na base do “faça você mesmo” punk: foi rodado por 20 mil dólares, boa parte do elenco trampou por amor e a cantora ganhou o suficiente para conseguir pagar o aluguel do mês. Madonna tentou comprar os direitos do filme, impedir a produção de ser vista, brigou feio com o diretor (Stephen Jon Lewicki), mas não deu certo: A certain sacrifice foi lançado em VHS, laserdisc e DVD, e foi visto por vários fãs ardorosos de Madonna.
MAIS UMA BANDA. Teve também a “outra banda” de Madonna pré-sucesso. O Emmy & The Emmys veio de um apelido dela de adolescência, e era basicamente uma parceria entre Madonna e um ex-namorado, Stephen Bray, que ela conhecia desde quando morava no Michigan. O som era uma onda meio ska, e dessa época sobraram só gravações feitas em 1980. Em 1981, Madonna gravou uma demo, dirigida por sua primeira empresária, Camille Barbone, no Gotham Studios, em Nova York. A ideia era que a cantora virasse uma espécie de Pat Benatar. Não deu certo, claro.
DANCETERIA. Em 1982, Madonna arruma um emprego como garçonete na boate Danceteria, em Nova York. No ano seguinte, foi até clicada no local por Eric Kroll em várias poses – você já viu isso aqui no Pop Fantasma. O local era um novo conceito de casa noturna, com quatro andares, vários DJs, inúmeros ambientes, exibições de vídeos (as “danceterias” espalhadas pelo Brasil nos anos 80 tiraram seu nome de lá). No palco e na pista, nomes como Depeche Mode, Duran Duran, B-52’s, Butthole Surfers, Nick Cave.
ALIÁS E A PROPÓSITO, os integrantes do A Certain Ratio, banda lançada pelo selo indie britânico Factory – definida pelo dono da gravadora, Tony Wilson, como tendo “toda a energia do Joy Division, mas com roupas melhores” – podem contar essa pros netos: tiveram um show aberto por Madonna lá no Danceteria. O tal show rolou em 16 de dezembro de 1982 e era “precedido por uma participação especial de Madonna como convidada”, como diz o convite do evento.
Hoje, claro, esse convite é inacreditável. “Este deve ser um dos mais antigos artefatos de concertos da Madonna de todos os tempo, ou talvez o mais antigo. Madonna apareceu à meia-noite e A Certain Ratio a 1h. Isso era típico dos clubes de Nova York na época – mesmo em uma noite de quinta-feira. Para os convidados houve também um buffet (às 22h)”, afirma o site Record Mecca. Por sinal, o ACR lembra que essa noite com Madonna foi tudo, menos alegre e descontraída. “Madonna entrou e a primeira coisa que ela fez foi nos repreender. Ela disse: ‘Todo o seu equipamento terá de ser movido’. Levamos uma hora e meia para configurar. Nós estávamos tipo: ‘Isso não vai a lugar nenhum’. Acabou em uma discussão massiva”, lembrou o baterista Donald Johnson à Attack Magazine, rindo. “Eu gosto dela desde então, porque ela enfrentou todos esses caras”.
EX PRESENTE. Lembra do Stephen Bray, ex-namorado de Madonna? Ele continuaria presente na carreira solo dela: é co-autor de músicas como Everybody, Into the groove e Express yourself. Por acaso, em 1987, ele também foi parar na formação do Breakfast Club que gravou o único disco da banda. Hoje ele tem um estúdio, um selo e fez coisas para a Broadway,
TEM FILME. Madonna and The Breakfast Club (2019) é um documentário dramatizado sobre os primeiros anos da vida da cantora, quando ela era integrante do Breakfast Club e dava shows em bibocas. Dirigido por Guy Guido, o filme, que chegou a ser exibido aqui no Brasil num projeto comemorativo do Cinemark, fez circuito de festivais, revelou uma atriz extremamente parecida com Madonna (Jamie Auld, que morreria em 2022, aos 26) e traz entrevistas com ex-amigos como Dan Gilroy, Norris Burroghs e Martin Schrieber.
Evidentemente, o filme não apenas é “não-oficial”, como a própria Madonna não topou dar depoimento nenhum – mas a atuação de Jamie foi elogiada. Está disponível no Prime Video, mas não para o Brasil. Também está no YouTube até tirarem de lá.
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