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Cultura Pop

Várias coisas que você já sabia sobre a estreia do Duran Duran

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O Duran Duran já foi uma banda cujo vocalista não era Simon Le Bon. Antes do primeiro disco, epônimo, lançado em 15 de junho de 1981 (opa, quase 40 anos!), outros nomes passaram pelos vocais do grupo. O primeiro foi Stephen Duffy, que depois foi para o Lilac Time. Depois entraria Andy Wickett, mais conhecido como Fane, que foi guitarrista de uma banda chamada TV Eye, e era um músico conhecido em Birmingham, na Inglaterra, de onde o DD vinha. Andy chegou a gravar as primeiras demos da banda, mas logo saiu.

Várias coisas que você já sabia sobre a estreia do Duran Duran

Aliás, ainda houve outro vocalista, Jeff Thomas, recrutado por um tempo bem breve. O Duran Duran havia sido iniciado em 1978 pelo tecladista Nick Rhodes e pelo baixista John Taylor, foi montado sob os signos do glam rock e do art rock, e tinha mais influências de David Bowie e de Roxy Music do que eram capazes de esconder. Com a formação clássica completa (além de Simon, John e Nick, havia Roger Taylor, bateria, e Andy Taylor, guitarra), ficou claro que o Duran Duran apontaria para o futuro. Pouco antes da indústria de clipes virar o filé mignon do mercado (epa, a MTV nasceu no mesmo ano da estreia do DD), já pensavam em associar imagem e música, moda e atitude.

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A união de pós-punk e de climas herdados da disco music, feita pelo quinteto, deu certo. A MTV abraçou hits como Girls on film, o Duran Duran se tornou a primeira banda dos anos 1980 a virar mania, transformou-se em modelo para praticamente tudo o que viria na década (se falar de rock brasileiro dos anos 1980, então…). E tudo começou com um disco que vinha sendo cuidadosamente pensado havia anos, e que hoje é um grande clássico.

E segue aí nosso humilde relatório sobre Duran Duran, o disco. Ouça lendo, leia ouvindo, essas coisas.

FAZENDO PLANOS. Antes do Duran Duran começar, não havia John Taylor e Nick Rhodes, Tinha era dois adolescentes, Nigel Taylor e Nick Bates, que matavam o tempo conversando sobre música e planejando formar uma banda, lá por 1978. Bates adotou o “Rhodes” por sugestão do amigo.

JÁ O molecote Nigel John Taylor era fã de Roxy Music, havia aprendido um pouco de piano, e passava por um processo de transformação pessoal parecido com o do Patinho Feio: era complexado por ter miopia, usar óculos e por ter um nome que, no entendimento dele, era mais apropriado a um garoto bullynizado.

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NIGEL? O artista posteriormente conhecido como John Taylor usaria o “Nigel” como nome artístico até a primeira demo do Duran Duran. Mas estava de saco cheio de se chamar assim e lembrava especialmente de um personagem Nigel, que era um bobalhão que aparecia num episódio de Monty Phyton. “O dia seguinte à exibição desse programa foi um pesadelo na escola”, recordou.

ALIÁS E A PROPÓSITO, pra piorar um pouco, 1979 foi o ano de… Making plans for Nigel, sucesso-assinatura do XTC, que foi um grande hit e contava a história de um moleque meio superprotegido pelos pais, e incapaz de decidir o próprio futuro. O John, que já era seu nome do meio, foi adotado como referência a Johnny Ramone e John Lennon.

NO COMECINHO o grupo de Rhodes e Taylor (com o cantor original, Stephen Duffy), ensaiava na loja de brinquedos do pai de Nick, em meio a embalagens. “Tínhamos músicas chamadas coisas como Hold me, pose me, que era o que dizia na lateral de uma caixa de boneca”, contou Duffy.

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QUE NEM BOWIE. A banda tinha um hábito parecido com o de um de seus maiores ídolos, David Bowie, nos tempos de penúria. Se na adolescência o mod Bowie fuçava lixões de lojas de roupas em busca de alguma peça descartada, os futuros astros do Duran Duran usavam roupas de lojas de caridade, e jaquetas dos anos 1950, bem justas. A ideia era lançar moda, mas isso ainda demoraria para acontecer.

PRIMEIRO NOME. O Duran Duran passou um tempo se chamando RAF (possível referência à Força Aérea Real da Grã-Bretanha). Mas foi muito pouco tempo mesmo. John viu o filme Barbarella, de Roger Vadim (1968), e sugeriu batizar a banda com o nome Duran Duran, referência ao Dr. Durand Durand interpretado pelo ator Milo O’Shea.

ALIÁS E A PROPÓSITO, Milo foi convidado pela banda em 1984 para interpretar o próprio Dr. Durand Durand no filme-concerto Arena (An absurd notion). E aceitou.

NA BALADA COM O DD. O começo do Duran Duran era bastante associado a um clube de Birmingham chamado Rum Runner, que já estava aberto desde 1964 e tinha dado abrigo a várias bandas e artistas ilustres da cidade (de Black Sabbath e Roy Wood). O Duran Duran levou sua primeira demo para lá e a banda quase inteira acabou trabalhando na casa, com os integrantes assumindo funções como DJ, segurança e até cozinheiro. A casa fechou em 1987.

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NO PALCO. O Duran Duran se tornou também residente da casa, numa época em que os filhos do dono do local assumiram a boate e a transformaram num clube mais moderno. A banda tocava até mesmo nas festas de réveillon do local.

AS MUDANÇAS NA BANDA foram ocorrendo nos anos seguintes, até que o Duran Duran ganhasse a formação definitiva. Um sujeito chamado Alan Curtis assumiu a guitarra por uns tempos, após ler um anúncio no jornal que recrutava um músico “influenciado por Roxy e Bowie”. Andy Taylor entra depois para a banda por causa de outro anúncio e acaba assumindo não apenas o instrumento como a chapa de hambúrgueres do Rum Runner. De início, se choca com o visual trabalhado da banda, mas resolve ficar. Já Duffy fica definitivamente chocado com as ambições pop do grupo e deixa o DD.

O VOCALISTA. Simon Le Bon, apesar de não fazer parte da turma que trabalhava no Rum Runner, entrou para o Duran Duran por causa da boate: namorava uma garçonete que o recomendou para a banda. Seu visual inusitado (jaqueta de camurça, calça de pele de leopardo e cabelo louro) impressionou os futuros colegas e ele foi aceito nos vocais.

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EMPRESÁRIOS. Quem passa a cuidar dos negócios do Duran Duran é justamente o então proprietário do Rum Runner, Paul Berrow – foi nessa que a banda virou residente de lá. Ele e seu irmão, que cuidavam da boate, estavam super interessados em fazer do local uma espécie de Studio 54 de Birmingham, levando toda a modernidade da casa de Nova York para uma cidade industrial da Inglaterra. Discos de artistas como Giorgio Moroder rolavam direto nas pick-ups da casa e eram ouvidos o tempo todo pelo Duran Duran em meio a ensaios e novas canções.

DISCO É O C… No fim dos anos 1970, vale dizer, a coisa mais comum do mundo era que roqueiros demonstrassem todo o seu ranço pela disco music, que ocupava espaços nas rádios. Ainda que nomes como Doobie Brothers, Kiss, Blondie e Fleetwood Mac (e Rita Lee, no Brasil) convivessem de boa com os batidões da disco, o consenso geral era que aquela batida dançante era repetitiva, as letras eram pobres (enfim, como se Highway star, do Deep Purple, fosse o equivalente roqueiro de um poema de John Keats) e as melodias eram pífias. Esse último aspecto torna tudo mais maluco, ainda mais no comparativo com um estilo musical que havia sido salvo pelos três acordes.

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EM 1979, rolou aquele espetáculo de demência chamado Disco Demolition Night, em que LPs de disco music (e de música negra em geral, segundo testemunhas) foram quebrados em meio a uma competição esportiva. O estilo musical começava a ser substituído por versões mais ritmadas que anos depois desembocariam na house music, a safadeza boogie começava a dominar as paradas (via Earth, Wind & Fire e outros artistas) e já se avizinhava uma pós-disco, com nomes como Prince e Rick James gravando discos.

MAS E O DURAN DURAN COM ISSO? Se em 1979 estivesse na moda o hábito de bandas procurarem psicólogos ou coaches, o DD gastaria uma nota tentando solucionar a crise que vivia na época. Como roqueiros vindos do punk, deveriam odiar disco music, mas a adoravam. John Taylor, originalmente um guitarrista, tornou-se baixista pelo amor ao Chic.

HAJA GRANA. Os irmãos Berrows decidem investir pesado no Duran Duran e hipotecam um apartamento para comprar uma vaga de banda de abertura (eita) para o quinteto. O DD abre shows de Hazel O’Connor, uma cantora e atriz britânica que fazia sucesso com o hit Eighth day e com o filme Breaking glass, dirigido por Brian Gibson e estrelado por ela.

GENTE HUMILDE. A tal vaga na tour custou 12 mil libras. Para não aumentar mais ainda o rombo, ficou combinado que a banda se revezaria entre um quarto de hotel e a van de turnê – um integrante dormiria no quarto por vez a cada cidade, e os outros se espremeriam no utilitário.

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DEU CERTO. Num dos shows da turnê com Hazel, Dave Ambrose, o chefe de A&R da EMI que descobriu os Sex Pistols, descobre o Duran Duran. Vê em Simon LeBon uma espécie de “novo Elvis” e contrata a banda sem pestanejar.

NO ESTÚDIO. O Duran Duran começou a gravar imediatamente e passou por vários estúdios com o produtor Colin Thurston, que trabalhara em Heroes, de David Bowie, e Lust for life, de Iggy Pop. Planet Earth e Girls on film foram gravadas em dezembro de 1981 e o restante em janeiro.

RAPIDINHO. De modo geral, Duran Duran, o disco de estreia, foi gravado rapidamente e em várias etapas. O produtor primeiramente cuidou de faixas como Careless memories, Night boat, Anyone out there, Tel Aviv e Faster than light (que viraria o lado B de Girls on film). O esqueleto de outro lado B queridíssimo do Duran Duran, Khanada, viria também dessa etapa. Depois, Colin mudou a banda para outro estúdio e completou toda a parte básica do disco (além de muita coisa de sequenciadores e teclados) em dez dias.

VERSÃO EXTRA. A produção de remixes para pistas de dança já vinha dos tempos da disco music e da aurora da cultura hip hop. Mas nos anos 1980 isso viraria padrão, a ponto de alguns remixes ficarem até mais ilustres do que as canções que lhes deram origem. O Duran Duran fez um pouco mais do que isso: fez uma segunda versão de Planet Earth para clubes. Mas em vez de remixar, rearranjou a música, pôs mais slaps de baixo e percussão, e convocou um naipe de metais. A duração foi para oito minutos.

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A FOTO DA CAPA. Quem tirou a foto da capa de Duran Duran foi Fin Costello, um fotógafo irlandês, que trabalhara com artistas como Deep Purple e Uriah Heep. John Taylor havia sugerido seu nome para a gravadora, que topou. O músico diz que sugeriu também que a banda posasse com um carro na foto. Fin não apenas fez a foto, como também sugeriu que a capa fosse feita por Malcolm Garrett, designer responsável por todo o visual dos discos da banda punk britânica Buzzcocks. Garrett conseguiu desenhar para o Duran Duran uma capa moderna e bastante minimalista, com um logotipo cuja produção encareceu bastante o design, mas deu a cara inicial do grupo.

A HISTÓRIA DO ROCK E DO POP é cheia de exemplos de artistas extremamente viáveis comercialmente, mas que precisaram lutar para fazer valer suas ideias, e que penavam com a falta de visão de donos de gravadoras. Com o Duran Duran não aconteceu nada disso: a EMI, até por precisar bastante de um grupo “moderno” para abrir os anos 1980, apostou bastante desde o início. Especialmente quando viu Planet Earth, o primeiro single, chegar no sétimo lugar das paradas britânicas.

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O PROBLEMA É QUE foi nesse ponto que rolou uma bobeada séria da gravadora que quase pôs tudo a perder. A banda queria lançar logo a alegre e chamativa Girls on film como segundo single. Mas a EMI alegou que Careless seria uma boa opção porque mostrava “um lado mais sério do grupo”. Em tempos de forte airplay para o pop adulto, não era uma ideia de todo errada. Mas o single não vendeu bem e mal tocou. E o Duran Duran começou a ganhar uma baita cara de banda de tiro curto.

MAS A EMI foi à luta e usou todo seu time de assessoria de imprensa para reverter a situação. Janice Hague, que trabalha com bandas como Queen e Bow Wow Wow, fez tudo para emplacar o DD não apenas na imprensa “séria”, como também nas revistas de adolescentes. O grupo conseguiu uma capa na Smash hits, uma das revistas pop mais vendidas da época. Curiosamente, a revista preferiu colocar uma foto em que apenas Nick e Roger apareciam. Nem mesmo Simon Le Bon apareceu. John diz ter visto nisso um sinal de que a banda era vista de maneira mais “profunda” do que parecia.

JOHN TAYLOR reclama que, graças à preferência que a banda e a EMI deram para a Smash hits e a The Face, o New Musical Express passou a expressar (opa) o maior desgosto pela banda, atacando-os sempre que podia. Por outro lado, publicações para adolescentes apaixonadas, como Diana e My Guy passaram a cobrir todos os passos do grupo, e a publicar até mesmo pôsteres deles. Não era uma mídia tão errada assim: artistas como Marc Bolan e David Bowie, no comecinho dos anos 1970, viviam aparecendo nessas publicações (os equivalentes à Capricho e à Querida no Brasil).

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ALIÁS E A PROPÓSITO, pelo menos Careless veio com duas preciosidades como B-sides, a boa Khanada e a versão duranie de Fame, de David Bowie.

BORA SAIR DE CASA PRA VER UM VÍDEO? Hoje ninguém sai de casa para nada, mas pode acreditar: nos anos 1980, as pessoas saíam de casa para assistir a exibições de vídeos de seus artistas preferidos. Várias casas noturnas (inclusive aqui no Brasil) anunciavam sessões de vídeos, gravados em VHS, de apresentações de bandas como Smiths, Duran Duran, e até grupos mais antigos, como Pink Floyd e The Doors. Assim que isso começou a acontecer, os próprios artistas passaram a produzir vídeos especialmente para esse tipo de mercado, até porque a MTV ainda estava no comecinho.

O DURAN DURAN, que não era bobo nem nada, mandou fazer um vídeo fodástico e malicioso para Girls on film, com várias modelos, vários cenários (inclusive um de passarela, que seria imitado à exaustão em outros clipes e até aberturas de novela no Brasil) e passagens que eram referências cara-de-pau a fetiches sexuais. O projeto inicial era que o vídeo fosse exibido apenas em casas noturnas, mas ele chegou até a TV. A BBC considerou o clipe obsceno e não o exibiu. Já a MTV só concordou em exibi-lo após várias tesouradas.

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O VÍDEO DE Girls in film foi uma das produções vitoriosas da dupla Kevin Godley & Lol Creme, dois músicos, ex-integrantes do 10cc, que haviam resolvido se dedicar à produção de vídeos e comerciais. Os dois permaneceram dirigindo vídeos ao mesmo tempo em que lançavam discos em dupla, numa linha mais experimental e gozadora do que o próprio 10cc (que já era conhecido por músicas como The worst band in the world).

SIMON LE BON compôs Girls on film para reclamar de um tema que ainda não estava na pauta por aqueles tempos: a objetificação de modelos e atrizes em fotos de moda. O cantor acabou depois reclamando de novo de outra coisa: o vídeo ubersexualizado pôs toda a mensagem da letra a perder. E tá aí o clipe.

ALIAS E A PROPÓSITO, os dois primeiros singles do disco, Planet Earth e Careless memories, tiveram clipes lançados também.

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FORMATOS INOVADORES. O Duran Duran (e a EMI, diga-se) estavam realmente de olho crescido para o mercado de clipes e vídeos. Tanto que a banda e a gravadora decidiram apostar em novos formatos para fazer a banda crescer no mercado. Em 1983, quando já eram uma banda de dois discos lançados, as lojas receberam Duran Duran video album, com tudo o que já havia saído de clipes da banda até então, e mais uma novidade: a banda produziu clipes para faixas que não chegaram a ser lançadas como singles, como Lonely in your nightmare e Night boat. Depois disso, a banda explorou o formato de EP-vídeo (um VHS com pouco tempo de duração e alguns clipes) e até video-single com Dancing on the Valentine e Duran Duran video 45, ambos de 1984.

ESSES LANÇAMENTOS EM VÍDEO eram colocados nas lojas pela PMI (Picture Music International) uma subdivisão da EMI especializada em clipes, que lançou vídeos de Kate Bush, Paul McCartney, Queensryche, Iron Maiden e vários outros do elenco da gravadora. O nome depois foi descontinuado e substituído por Abbey Road Interactive.

NOS ESTADOS UNIDOS, a EMI jogou Duran Duran para o selo Harvest, que era mais useiro e vezeiro de lançamentos de rock progressivo durante os anos 1970, mas que havia tomado novo direcionamento após o sucesso do movimento punk, contratando bandas como Wire. Foi com esse selo que o álbum chegou ao Brasil.

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UMA DIFERENÇA da edição americana para a britânica é que nos EUA a gravadora preferiu a “versão noite” de Planet Earth (a tal nova versão com alguns minutos a mais) e cortou To the shore do LP. Anyone out there e Night boat aparecem na edição dos EUA com títulos alternativos: Is there anyone out there e (Waiting for the) Night boat. No Brasil, mesmo com o selo Harvest, o disco saiu fiel ao original britânico.

FALANDO EM BRASIL, a chegada do Duran Duran no mercado foi anunciada na coluna Música Pop assinada por José Emilio Rondeau, no Jornal do Brasil, em 21 de maio de 1981, na qual a banda foi citada como um dos grupos da onda new romantic. Ou dos chamados blitz kids. Era a turma que frequentava o clube Blitz, em Londres, e da qual saíram nomes cujas carreiras se desenvolveram de maneira bem diferente da do DD, como Boy George, Midge Ure (Ultravox/Visage), Marilyn (cantor, DJ e amigo de Boy George), a turma do Spandau Ballet, Siobhan Fahey (Bananarama) e outros.

ALIÁS E A PROPÓSITO, Anyone out there, que sequer era um single oficial do primeiro álbum, ganhou um levante especial justamente… aqui no Brasil. Foi incluída na trilha da novela global Sétimo sentido, em 1982. Apesar do Duran Duran poucas vezes ser fotografado usando jeans (várias fotos do começo dos anos 1980 mostram a banda usando couro da cabeça aos pés), a Nexus, uma das mais populares fábricas de calças dos anos 1980, fez uma promoção usando a música do grupo: lançou um compacto especial com Anyone no lado B e Planet earth no lado B.

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JÁ A EDIÇÃO JAPONESA ORIGINAL de Duran Duran faz a alegria dos colecionadores, por trazer um pôster colorido e instruções (com silhuetas de bonecos) de como dançar “a nova dança new romantic”.

E AÍ, VENDEU? Duran Duran estourou, fez o nome da banda ficar conhecido na Inglaterra, e animou a EMI a tentar fazer a banda estourar nos Estados Unidos. A gravadora pagou um clipe num barco cheio de modelos para o futuro hit Rio e botou a banda em estúdio novamente – para gravar o segundo disco, também chamado Rio (1982).

O DURAN DURAN abraçou a nova fase e emplacou hit atrás de hit na MTV sem medo de ser feliz. “Quando você tem 19 anos e alguém diz: ‘Você quer fazer um vídeo em um iate nas Caraíbas?’ você não diz ‘que tipo de declaração deveríamos estar fazendo aqui?’. Diz algo como: ‘Meninas, barcos, sim, por favor!'”, contou Le Bon. Teve início uma duranmania que seguiu até 1986, com a interrupção momentânea das atividades e a saída de Roger Taylor “por exaustão”. O DD fechou os anos 1980 com influências de música eletrônica no disco Big thing (1988).

HOJE a banda ainda está por aí, e anuncia um disco novo para outubro, Future past. O único integrante da formação original que está distante da banda é Andy Taylor, que saiu brigado do DD em 2006, em meio às gravações de um disco que nunca foi lançado, Reportage. O músico não foi substituído e a banda hoje um quarteto.

Com informações de Diffuser.FM, e do livro No ritmo do prazer, de John Taylor.

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Relembrando: Beck, “Stereopathetic soulmanure” (1994)

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Relembrando: Beck, "Stereopathetic soulmanure" (1994)

Havia uma certa confusão, durante um tempo nos anos 1990, sobre se Stereopathetic soulmanure (22 de fevereiro de 1994) era o segundo ou o terceiro álbum de Beck – ele foi lançado com uma semana de diferença para Mellow gold, primeiro disco “grande” do cantor, que estourou hits como Loser, o que causava certa confusão para alguns fãs.

Essa própria entrevista do artista à Rolling Stone, publicada após o álbum Odelay (1996) faz uma salada com os discos indies de Beck – e o cantor prosseguiu fazendo álbuns independentes mesmo contratado pela Geffen. Bom, Soulmanure é sim o segundo disco do artista norte-americano, mas soa como uma mixtape ou uma demo esticada até o limite.

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A fórmula de Beck em Mellow, unindo psicodelia, rock, tons country e barulheiras (como Motherfucker e a vinheta final Analog odyssey) aparece em seu esqueleto no álbum anterior, em faixas como a ruidosa Pink noise (Rock me Amadeus) e a quase grunge Thunder peel. Com 27 faixas em 60 minutos, o disco é rock independente de baixa fidelidade, realizado em estúdio caseiro, com tapes manipulados e gravações feitas ao ar livre (quase à moda do Araçá azul, de Caetano Veloso, o que explica o interesse que o baiano e o norte-americano passaram a alimentar pela música um do outro).

Stereopathetic soulmanure é bem mais cheio de ganchos do que se esperaria no caso de um álbum tão experimental – afinal, na prática, é uma mixtape que usa formatos como o country, o blues e a música tocada nas ruas. É o que surge em Rowboat, na releitura de Waitin’ for a train, do “pai do country” Jimmie Rodgers, no blues tocado na gaita de One foot in the grave (assistido, ao vivo, por uma plateia que se diverte bastante com a letra), no country fora da lei de Satan gave me a taco, e no banjo + percussão maníacos de Today has been a fucked up day, uma faixa que soa como se o ouvinte entrasse na casa de algum vizinho e flagrasse alguém cantando e tocando para si próprio numa garagem.

Puttin’ it down, tocada no violão por Beck, consegue simultaneamente lembrar Kinks, Nirvana (ate por causa dos vocais de Beck) e o estilo de composição de John Phillips (The Mamas & The Papas). Cut 1/2 blues é o lado blues bêbado do disco. Ozzy, provavelmente gravada numa festa, acaba sendo o registro mais bem acabado do disco – e é só uma canção bobinha que tira uma onda do veterano cantor de metal. Tasergun parece um lado Z do começo da carreira do Soundgarden ou do Nirvana. No final, os onze minutos de sons colados, fitas ao contrário, ruídos, gritos, conversas e ecos de Salmonella shizergeist (Utopia).

O Beck de Stereopathetic soulmanure ainda era um artista para ser ouvido por poucas pessoas, e que não tocaria no rádio. Muito embora a raiz do que daria certo em álbuns como Mellow gold e Odelay já estivesse lá.

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Relembrando: Alexander ‘Skip’ Spence, “Oar” (1969)

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Relembrando: Alexander 'Skip' Spence, "Oar" (1969)

Qualquer artista que um dia decidiu gravar um disco inteiro sozinho, focando em minimalismo, em canções entre o folk e o rock, e em sonoridade lo-fi, deve muito a Oar (19 de maio de 1969). É o único disco solo lançado por Alexander “Skip” Spence, um ex-baterista do Jefferson Airplane que se tornou mais célebre como guitarrista e co-fundador do Moby Grape. Skip registrou o disco inteiro sozinho, tocando guitarra, violão, baixo e bateria. E o que torna a audição mais instigante é tentar imaginar em que condições um álbum daqueles foi feito.

O Moby Grape iniciou como um prodígio da psicodelia californiana, cuja carreira acabou prejudicada pela tendência ao desregramento. Seja na hora de ler contratos (tiveram uma briga judicial com o primeiro empresário, Matthew Katz, que se arrastou por vários anos, e que envolvia o nome e o catálogo do grupo), seja no excesso de substâncias ilícitas. Que custaram a sanidade justamente de Spence.

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Drogadaço, o guitarrista começou a fugir das turnês e a se tornar uma figura cada vez mais inacessível para seus próprios colegas. Até que deu um susto de verdade no guitarrista Jerry Miller, arrombando a porta do seu quarto de hotel com um machado de incêndio, durante uma passagem por Nova York para gravar o segundo disco. Peter Lewis, o terceiro guitarrista da banda, se recorda de que era uma época tensa para todo mundo da banda. E que Skip, após conhecer uma certa “bruxa” que lhe convenceu de que os outros integrantes do grupo eram o anticristo, queria mesmo era assassinar o baterista Don Stevenson a machadadas.

Spence, claro, não matou ninguém. Mas sua presença era insustentável na banda. Foi expulso, condenado, preso (na superlotada Casa de Detenção de Manhattan, cujos prédios eram popularmente conhecidos como “as catacumbas”), diagnosticado com esquizofrenia e internado num hospital psiquiátrico. Sua carreira só não terminou naquele momento porque o produtor do Moby Grape, David Rubinson, decidiu ajudar o músico. E o orientou a gravar uma fita demo no estúdio da Columbia em Nashville.

A tal demo, produzida pelo próprio Spence com o auxílio dos técnicos de gravação Mike Figlio e Charlie Bradley, e dos engenheiros de mixagem Don Meehan e Fred Catero, viraria Oar, o disco. Rubinson orientou Figlio – que estava morrendo de medo de Skip – a deixar fitas rodando no estúdio o tempo todo (“se ele ficar em silêncio por 20 minutos, grave mesmo assim”, contou) e a fazer o que o cantor pedisse. O disco ficou pronto em três semanas.

Oar era um álbum basicamente angustiado, de tom quase sobrenatural, girando em torno do country e do rock, com o repertório composto por Skip durante sua internação num hospital em Nova York. Durante todo o disco, a voz de Spence varia do grave ao espécie de lamento agudo. As canções mais certinhas do disco chegam perto do country marginal e estradeiro, como em Cripple creek (que fala sobre os devaneios de um “aleijado em seu leito de morte”), na balada romântica Diana, na tristonha Weighted down (The prison song), ou na desolada Broken heart, quase sempre investindo em temas como solidão e desesperança.

War in peace, com psicodelia garantida pelo eco nos vocais, e pelos demais efeitos de gravação, é quase um shoegaze discreto. Lawrence of euphoria é uma das raras canções de Oar mais diretamente ligadas ao rock dos anos 1960, lembrando um cruzamento de Kinks e Pink Floyd. O country-blues Books of Moses une citações da Bíblia, barulhos de chuva e de marteladas. A abertura com Little hands trazia um pouco de esperança, com uma melodia feliz contrastando com a tristeza dos vocais de Spence, e a lembrança, na letra, de “um mundo sem dor para todos”. No fim do disco, efeitos de phaser na bateria e na percussão, e riffs simples de baixo, sem guitarra, marcam os quase dez minutos da viajante Grey/Afro.

A Columbia não fez nada para divulgar Oar – o disco por pouco não foi engavetado e só foi lançado alguns meses depois de gravado, após vários pedidos de Rubinson. Skip se tornou uma figura sombria, vagando entre dependência de drogas e internações, mas chegou até mesmo a voltar para o Moby Grape em algumas ocasiões. Saiu de cena em 16 de abril de 1999, justamente quando Oar era revivido no álbum More Oar: A tribute to the Skip Spence Album, com artistas como Robert Plant, Mark Lanegan, Alejandro Escovedo, Tom Waits e Beck recordando as faixas do único disco de Spence. Relançamentos como o turbinado box AndOarAgain (2018) foram revelando faixas bônus e um lado ainda mais experimental do álbum, que ainda permanece como um tesouro escondido para muita gente.

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Cultura Pop

New Sincerity: aquele movimento do rock que pouca gente conhece

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Tem exposição do Daniel Johnston vindo aí

Muita gente provavelmente nem se deu conta, mas perdido em meio a sonoridades como a new wave e o power pop dos anos 1980, surgiu um movimento do rock até hoje pouco comentado: a new sincerity. A “nova sinceridade” era um termo basicamente ligado à música feita em Austin, no Texas, numa época em que o som feito na região, pelo menos levando em conta o que tocava no rádio e realmente vendia discos, era um rock clássico e mais ligado ao blues, ou ao country (não custa lembrar que o Texas, terra de Willie Nelson e Kenny Rogers, bate cabeça com Nashville na primazia do estilo musical).

As bandas dessa turma, na verdade, eram mais chegadas a um power pop, ou a uma mescla de sons que invariavelmente batia em bandas como The Byrds, e em artistas como o orgulho psicodélico local Roky Erickson – além da própria melancolia do country. E basicamente eram artistas que não tinham medo de parecerem emocionados ou (enfim) sinceros demais. Uma das bandas mais conhecidas do estilo musical, The Reivers, fez um sucessinho moderado com Almost home – basicamente um pós-punk com cara country, cuja letra falava sobre um rapaz que estava dirigindo, morria de saudades da namorada e lembrava dela quando uma música tocava. Essa canção saiu em 1989 no terceiro álbum da banda, End of the day.

Mais sincero (e emocionado ao extremo) impossível, claro. Essa receita deu certo pros Reivers, que são considerados até hoje um tesouro escondido do rock norte-americano (a banda acabou em 2017). Uma banda que também se destacou por lá e é associada ao estilo traz a “nova sinceridade” até no nome: são os True Believers, grupo que existiu de 1982 a 1987 e que era liderado pelos irmãos Alejandro e Javier Escovedo. O primeiro iniciaria carreira solo em 1992, na onda do indie-country-rock, e grava até hoje.

O nome new sincerity já vinha de muito tempo antes e não era usado apenas na música: críticos de cinema incluem filmes cheios de “pureza” como Campo dos sonhos (1989) ou o recente A vida secreta de Walter Mitty (2013) no meio do bolo. Eram projetos culturais que, de modo geral, mexiam com emoções pouco registradas em música, livro ou filme, em meio à obsessão da cultura norte-americana com heróis – e que pouco tinham a ver com o cinismo que o punk havia transformado em matéria-prima. Dez entre dez artistas da turma referiam-se a R.E.M., banda de Athens, na Georgia, com muito respeito – e vá lá, sempre foi uma banda bastante sincera ao abordar sentimentos e porradas da vida.

O rótulo aborrecia várias bandas da região. O Doctors Mob, grupo que é tido por muita gente como a resposta local aos Replacements, não podia nem ouvir falar em “nova sinceridade”. “Nós não criamos uma ‘nova sinceridade’, essa etiqueta foi inventada por alguém que pensava que qualquer banda com jeans rasgados e camisas para fora da calça se enquadrava na mesma categoria”, contou aqui o guitarrista e vocalista Don Lamb, deixando claro que o grupo foi ajudado pela sua visão ecumênica do rock, ainda que não tenha feito muito sucesso. “Todos nós queríamos que a banda fosse divertida, e foi na maior parte. Todos queríamos que as pessoas que vinham nos ver se divertissem conosco, e foi o que aconteceu na maior parte do tempo”.

Um dos artistas mais ilustres a serem rotulados com o nome new sincerity foi também um dos mais polêmicos. Artista visual, músico, funcionário de um fast-food e e ex-interno de instituições psiquiátricas, Daniel Johnston (1961-2019) chamou a atenção em Austin nos anos 1990. Era um artista bem produtivo e adepto extremado do do it yourself: desde 1981 gravava suas demos em casa, usando um gravador de fita-cassete, tocando todos os instrumentos e fazendo todos os vocais. E distribuía as fitinhas a quem encontrasse. Anos depois, Daniel diria, em entrevista ao documentário Cassette – A documentary mixtape, que mal teria iniciado uma carreira na música sem a acessibilidade do K7. “Eu estaria num sanatório se não fossem as fitas”, disse.

Nos anos 1990, você deve saber, Daniel teve sua obra divulgada por Kurt Cobain (Nirvana), que usou uma camiseta com a capa de uma fitinha sua, Hi, how are you (1983). Acabou virando aposta de gravadora: numa época em que tinha acabado de sair de uma internação e estava bastante fragilizado, foi contratado pela Atlantic e gravou o confuso álbum Fun (1994). O disco, que somado às fitas K7 e aos primeiros álbuns, era o décimo-quarto registro do artista, tinha até participação de músicos de orquestra, e tentava apresentar o som totalmente livre de Daniel para um público maior. Não deu certo: o álbum vendeu menos de seis mil cópias e o cantor foi saído do selo.

Uma reportagem publicada pela revista Spin em 1986 (o texto pode ser lido aqui) dá conta do quanto Johnston era encarado com desprezo, preconceito e capacitismo por vários fãs da cena. O músico fazia shows urgentes em que apresentava poucas músicas e não voltava de jeito algum para o bis – e havia discussões sobre se ele realmente era um gênio ou se era um delírio coletivo.

A dedicação de Johnston, naquele momento, teve frutos: enquanto ainda limpava chapas e fazia sanduíches, chegou a aparecer na MTV, e seu hábito de entregar fitas a qualquer pessoa que visse, sem nem aceitar dinheiro pelas demos, fez seu nome rodar bastante. Em 1985, já havia tocado no “festival de música perturbadora” Woodshock, ali  mesmo em Austin, no Texas, cuja edição daquele ano foi uma espécie de alto-falante para os artistas da new sincerity. O movimento – se é que realmente houve algum – durou pouco, mas o nome volta toda vez que algum artista “sincero” (tipo Nirvana e Arcade Fire) surge e lança disco.

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