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Cinema

Lisztomania: música clássica, ereções (!) e coisas bem estranhas numa biopic

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Lisztomania: música clássica, ereções (!) e coisas bem estranhas numa biopic

Hoje em dia a preocupação é a tal da biopic do Elvis Presley, que tem provocado discussões por aí afora sobre se aquilo é realmente legal ou não. Teve uma época, no entanto – e Elvis ainda estava até vivo – em que a discussão foi sobre outro personagem que havia ganhado uma biopic. Em 1975, o compositor e pianista húngaro Franz Liszt (1811-1886) ganhou seu filme, er, biográfico. Lisztomania foi dirigido pelo polêmico diretor Ken Russell e até hoje divide opiniões. Tem quem o ache uma excelente fantasia triunfal sobre a história do compositor clássico que muitas pessoas definem como “o primeiro astro pop”, mas muita gente acha aquilo uma enorme bagunça cinematográfica.

Lisztomania (com Roger Daltrey, do Who, no papel principal, você talvez saiba) não surgiu do nada. Russell, conhecido pelo estilo extravagante de filmar, tinha assinado contrato com uma empresa para produzir filmes sobre compositores. Da lista toda, só saiu Mahler, sobre o compositor Gustav Mahler, lançado em 1974. Apesar da ideia inicial de Russell ter sido convidar Mick Jagger para fazer o papel, ele tinha acabado de fazer a versão cinematográfica da ópera-rock Tommy com Daltrey no papel inicial. Daí não foi surpresa pra ninguém que o vocalista do Who acabasse sendo escolhido para o papel. O cantor passa o tempo todo usando vestimentas exóticas, como a roupa decorada com teclas de piano, e ao contrário de Tommy, teve falas. Além de cenas que exigiam mais de seu talento dramático.

Lisztomania: música clássica, ereções (!) e coisas bem estranhas numa biopic5

Daltrey estava bastante animado com o papel, como disse até mesmo ao New York Times. O vocalista do Who costumava chamar Franz de Franz Lust (Franz Tesão) “porque as mulheres eram doidas por ele”, e comparava o pianista clássico com Mick Jagger e Tom Jones. Não era uma ideia tirada do nada: o termo “lisztomania” já era antigo e se referia ao furor que o compositor supostamente causava no público feminino, que ficava (dizem) gritando durante os concertos do músico e arrancava tufos do cabelo dele após as apresentações. “Russell só me disse: seja você mesmo e deixe o resto por minha conta”, disse Daltrey, mostrando que foi liberado para agir como popstar durante a filmagem.

Lisztomania: música clássica, ereções (!) e coisas bem estranhas numa biopic

Russell entendeu a “mania por Liszt” como algo que tinha a ver com as plateias de rock. E (mais ainda) entendeu que isso tudo aí poderia ser transportado para o universo do rock progressivo, que ainda tinha bastante público na época. Tanto que (olha logo quem!) Rick Wakeman, então um ex-Yes que fazia bastante sucesso com shows orquestrais e discos de uma música de cada lado, aparece no filme como Thor, o deus do trovão, e escreveu a trilha sonora. O comecinho dos anos 1970 viveu também uma febrícula de musicais “jovens”, o que ajudou bastante nisso.

Entre trancos e barrancos, mortos e feridos, o filme foi passando por algumas encrencas profissionais. Para começar, o produtor David Puttnam se assustava com o fato de Lisztomania mal ter um roteiro  – Russell tinha escrito pouco mais de 50 páginas, ao que consta, e recusara o script feito pelo produtor.

Essa zoeira não escapou das vistas de quem assistiu o filme: a crítica se dividiu e parte dos jornalistas achou tudo maravilhoso, outros detestaram e alguns assistiram Lisztomania achando aquilo tudo muito engraçado e meio ridículo. E meio pornô, já que há piadas com sexo e ereções: tem até um salão enorme decorado com vários pênis gigantes, além de uma cena com Daltrey lá pelos quarenta minutos de filme que só vendo pra crer. O cantor, no auge da forma, aparece se engraçando com várias mulheres. Escândalo para 1975: tem até um selinho entre duas atrizes.

O filme tratava praticamente o tempo todo do lado mulherengo do compositor. Mas tinha também sua briga com o compositor clássico Richard Wagner – retratado praticamente como um protonazista, já que até suásticas aparecem em alguns momentos do filme. A filha de Liszt acabou se casando com Wagner (fato real, já que ela inspirou até obras do compositor, como Parsifal), mas no filme ela participa de rituais satânicos com o marido. Wagner é um vampirão meio esquisito que morde Liszt, e depois é exorcizado por ele a pedido do Papa – que por sinal é interpretado por Ringo Starr (!).

O papo sobre Lisztomania rendeu e rende até hoje – aliás, vários sites já fizeram o trocadilho “listomania” (ai) para fazer listas de melhores do ano. Em 2013 o jornal The Guardian publicou um texto que perguntava se a produção de Russell era “o filme histórico mais embaraçoso já feito”, e listava vários momentos que, na visão do periódico, eram horrendos. Se você quiser tirar a prova, o archive.org tem o filme à disposição – infelizmente sem legendas. Curte aí.

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Gaiola da Morte: o primeiro (e único) filme de kickboxers made in Brazil

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Gaiola da Morte: o primeiro (e único) filme de kickboxers made in Brazil

Se você era adolescente no final dos anos 1980, quando as videolocadoras se alastraram pelo Brasil afora e se tornaram uma verdadeira febre, você há de lembrar de pelo menos um filme com a palavra “kickboxer” no título: Graças ao sucesso no Brasil de Kickboxer – O desafio do dragão, um dos trabalhos mais famosos do Jean Claude Van Damme por aqui, as distribuidoras enxergaram ali uma galinha dos ovos de ouro e saíram colocando “kickboxer” em tudo quanto fosse possível, espremendo a laranja até o bagaço (com o perdão da metáfora hortifrutigranjeira)

E mesmo películas que não tinham nada a ver com o assunto ganharam títulos escalafobéticos como por exemplo American Ninja 4 (série que fazia razoável sucesso por aqui), que foi lançado nos cinemas e em VHS como O grande kickboxer americano – A aniquilação dos ninjas (!!!) ou a divertida série Operação Condor estrelada pelo Jackie Chan, que era uma espécie de versão bem humorada do Indiana Jones e que aqui se tornou Um kickboxer muito louco. Mas o que pouquíssima gente lembra é que até o Brasil tentou entrar nessa onda, com o obscuro A gaiola da morte (1992).

Quem teve a ideia foi Fauzi Mansur, produtor e diretor de diversas pornochanchadas sem noção na mítica Boca do Lixo, mas que, com a decadência de lá, se viu obrigado a atirar pra todos os lados na tentativa de ganhar uma sobrevida. Primeiro partiu pros filmes de sexo explícito, o que não deu muito certo porque, com o advento do VHS, o pessoal passou a preferir ver sacanagem na privacidade do seu lar. Percebendo que havia errado no timing, dirigiu um filme de terror em inglês para o mercado exterior chamado Ritual of death que também não deu em nada. Já bastante preocupado tanto com a saúde financeira quanto com a falta de perspectivas para o cinema nacional (Collor assumiu e extinguiu a Embrafilme), tentou sua última cartada aproveitando o filão do momento, produzindo um filme de pancadaria.

Para o papel principal, foi chamado Paulo Zorello, que na época era tricampeão mundial de kickboxing pela WAKO (World Association of Kickboxing Organization). OK, ele não tinha nem metade da fama e do reconhecimento que um Anderson Silva ou Vitor Belfort têm hoje em dia, mas era respeitado no meio e volta e meia era capa e/ou dava entrevistas em publicações voltadas às artes marciais. Esse foi seu único trabalho como ator e, assistindo A gaiola da morte é fácil entender o porquê, já que ele era tão expressivo quanto um poste, mas isso não vem ao caso; afinal, era um filme de artes marciais e nisso ele se garantia muito bem.

No elenco temos ainda várias pessoas que quase ninguém se lembra e. como maior “estrela”, Ênio Andrade, que se notabilizou por participar de obras como O olho mágico do amor e Onda nova (filme esse que viralizou no Youtube graças a uma cena onde uma mulher chega para o ex-jogador Casagrande e solta a pérola “eu sou virgem e queria que você me descabaçasse”). Na direção, foi escalado Waldir Kopesky, e isso pra mim beira o incompreensível, haja vista que tudo que ele dirigiu antes foram filmes pornôs de títulos como A noite do troca-troca e Minha égua favorita. Algo assim tinha tudo para não dar certo… e foi o que aconteceu.

O roteiro praticamente inexiste: um certo professor Yago sequestra lutadores de artes marciais dos quatro cantos do Brasil para gravar lutas numa gaiola (daí o nome, dããã!) repletas de armadilhas onde, como diria o Master Blaster em Mad Max 3, “dois homens entram e um homem sai”. Depois ele lucrava vendendo cópias das fitas no mercado negro. Desesperada com o sumiço de seu irmão, que foi raptado pelo tal Yago, uma mulher (interpretada pela atriz Claudia Abujamra) vai na academia do Paulo Zorello e pede ajuda a ele (não, você não leu errado; Paulo interpreta a si mesmo!) para descobrir o que houve.

Aposto que você que está lendo essas mal redigidas linhas e consumia filmes de artes marciais nos anos 1990 deve ter achado essa sinopse familiar, não é mesmo? Acredite, há uma razão para isso: Ela é um plágio descarado de O rei dos kickboxers, filme de 1990 que fez um enorme sucesso nos cinemas brasileiros. A única diferença é que na versão americana era um policial quem ajudava a irmã da vítima; já aqui, tudo parece ser um veículo para tentar transformar Paulo Zorello numa espécie de Van Damme tupiniquim.

Nesse momento você amigo(a) leitor(a) deve estar se indagando “tá, mas e a pancadaria? Funciona?” e eu, com muito boa vontade, vou dizer que sim, embora A gaiola da morte tenha defeitos tão gritantes que às vezes tenhamos que fechar um olho pra conseguir relevar. Os cenários são paupérrimos (parecem saídos do Chapolim ou do Chaves) e os efeitos sonoros, exageradíssimos (Os socos soam como tiros e os chutes parecem chicotadas) Porém, quando o assunto é a porrada propriamente dita, a coisa não deixa nada a dever para seus co-irmãos da época. Zorello, embora seja um desastre atuando, sabia muito bem o que estava fazendo na hora de distribuir sopapos e, quando o bicho pega, ele não faz feio.

A coreografia das sequencias parece um pouco desengonçada, mas se pararmos para pensar que ninguém envolvido na produção tinha experiência anterior com filmes do gênero, até que não está tão mal. E os últimos 30 minutos são simplesmente inacreditáveis, um verdadeiro festival de sopapo para tudo quanto é lado com direito até a um capoeirista que consegue desviar de tiros (!!!!) É insano demais, e, por isso mesmo, hilário!! É ver para crer!!

A lamentar, somente o fato de essa obra ter sido esquecida da maneira que foi. Além de ter passado em poucos cinemas, ainda foi lançado em VHS por uma empresa bastante obscura chamada Key Art e, se mesmo nos anos 1990, era difícil pra caramba encontrá-lo nas videolocadoras, imagina só achar um exemplar dando sopa por aí hoje em dia…para piorar, também nunca saiu em DVD, entretanto uma alma caridosa resolveu colocá-lo na íntegra no Youtube. A cópia não está das melhores, mas quem se importa? Vale mesmo assim como registro de uma época em que o cinema nacional não tinha lá muitos recursos e mesmo assim não tinha medo de ousar!

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Jane Birkin, atriz britânica

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Jane Birkin, atriz britânica

Vai que alguém esqueceu, mas a já saudosa Jane Birkin, apesar de ter sido popularizada por causa de sua relação com a música e a cultura da França, era uma atriz inglesa. Veio de Londres, era uma figura ligada à swinging London sessentista, e nem sabia falar francês quando apareceu em Slogan, comédia romântica de 1969 na qual contracenou com Serge Gainsbourg, que passou a namorar. Teve duas horas pra aprender o básico do idioma e, quando estava esperando para fazer o teste, bateu aquela crise. “Ouvi outra atriz dizendo todas as linhas do roteiro lindamente, e pensei: ‘Ela é perfeita’. A atriz era Marisa Berenson. Mas (o diretor) Pierre Gimblat me quis para o papel”, contou.

Seu irmão Andrew Birkin era outra figurinha proeminente da mesma turma londrina, como diretor e roteirista de cinema. Em 2014 Andrew lançou o livro de memórias fotográficas POV: A life in pictures, relembrando como foi conviver com uma gama de famosos que incluía dos Beatles (foi assistente de direção do famigerado telefilme Magical mystery tour) a Walt Disney (Andrew migrou para Hollywood em 1964 e teve contato com o pai do Mickey Mouse).

No livro e em entrevistas, Andrew documentou, entre outras coisas, o começo do relacionamento entre a irmã Jane e o autor de trilhas de filmes John Barry, “contra o conselho combinado de familiares e amigos em comum que consideravam John um compositor brilhante – e um péssimo marido”, afirmou Andrew. Anos depois, Jane disse que topou fazer uma cena de nu frontal no filme Blow up – Depois daquele beijo, de Michelangelo Antonioni, justamente por causa de Barry, que havia falado pra ela que ela não teria coragem de fazer isso. “Me ofereceram um papel em Blow Up e ele disse que eu não teria coragem de ficar nua, então pensei: ‘Bem, eu vou fazer e isso vai deixá-lo animado”, contou ao Daily Mail.

E, bom Blow up foi um dos filmes que Jane fez naquilo que, forçando um pouco… Aliás forçando muito, mas a gente faz isso às vezes, dá pra chamar de fase psicodélica da carreira cinematográfica dela. Eram filmes que se aproximavam bem mais de uma linguagem revolucionária, artística e pop – que gerou filhotes como Chelsea girls, de Andy Warhol, e Performance, de Donald Cammel e Nicholas Roeg, com Mick Jagger. Uma fase que estava bem longe de ser a mais gloriosa da carreira dela, já que Jane seguia aquele mesmo esquema de atores iniciantes: poucas cenas, personagens que pouco apareciam e nome que nem aparecia no elenco.

Começou com a comédia Lições de sedução (1965), dirigida por Richard Lester, que fez os filmes dos Beatles. Era a história de Colin (Michael Crawford), um professor meio esquisitão que quer aprender a conquistar garotas. Barry fez a trilha sonora, mas a personagem de Jane aparecia pouco e nem sequer tinha um nome. Seguiu com The idol, filme de 1966, dirigido pelo canadense Daniel Petrie, que narra uma história bem dramática envolvendo estudantes de arte e a vida burguesa e boêmia de Londres nos anos 1960. Esse filme tá inteirinho no YouTube. Procura Jane aí.

Kaleidoscope, filme de 1966 dirigido por Jack Smight, tinha Warren Beatty e Susannah York nos papeis principais e contava uma história mais proxima do universo dos anti-heróis da nova Hollywood do que do dia a dia da psicodelia britânica, envolvendo mesas adulteradas de cassinos e traficantes de drogas. Jane Birkin, ainda em clima de total início de carreira, aparece bem pouco no filme, lá pela uma hora de duração, como uma moça chamada Exquisite Thing, que é cliente de uma butique jovem sessentista, que pertence à personagem de Susanna York. Uma outra novidade é que ela aparece contracenando com Pattie Boyd, modelo, atriz e então esposa do beatle George Harrison, numa cena rápida – Pattie é uma das vendedoras e o personagem dela nem tem um nome.

1966 foi também o ano de Blow up, de Michelangelo Antonioni, um filme tão redefinidor e tão ligado ao rock e a à cultura pop da época que merecia um texto só pra ele. Não foi um momento tão glorioso assim do comecinho de Jane, que apareceu numa cena de nu frontal e mais nada – mas tornou o nome dela bastante discutido por causa da, digamos assim, ousadia. Agora, o melhor viria depois com Wonderwall, filme de1968, dirigido pelo norte-americano Joe Massot, baseado na paixão e no voyeurismo do nerd cientista Oscar Collins (Jack McGowran), vizinho da modelo Penny Lane (Jane Birkin, aí sim com um papel bacana). A trilha sonora do filme também se tornou ilustre: foi o primeiro disco solo de George Harrison (Wonderwall music) e foi igualmente o primeiro álbum lançado pela Apple, gravadora dos Beatles.

E Wonderwall também está inteirinho no YouTube. Pega aí. Depois disso, Jane teria papéis melhores, participaria de produções divididas entre dois, três países (o ousado La piscine, de 1969, era franco-italiano, e trazia a atriz contracenando com Alain Delon e Romy Schneider). E faria sucesso como cantora. Saudades dela.

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Já ouviu o Ghost cantando “Stay”, das Shakespears Sister?

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Já ouviu o Ghost cantando "Stay", das Shakespears Sister?

Lembra de Stay, hit romântico de 1992 das Shakespears Sister? Esse clássico do pop tá de volta, na releitura de um grupo que volta e meia reaparece com releituras inusitadas. O Ghost regravou a música para a trilha de mais um filme da franquia Sobrenatural (A porta vermelha, de Patrick Wilson, já em cartaz). Estreando como diretor no filme, Wilson estava ansioso para ter a música do Ghost na trilha sonora. Ao ouvir Spillways, a colaboração do Ghost com Joe Elliott (Def Leppard) lançada no início deste ano, teve a ideia de fazer um dueto com a banda.

Tobias Forge, líder do Ghost, já estava trabalhando num cover de Stay, que fez bastante sucesso na Suécia, país do grupo, conhecido por sua aparência pesada e satânica, mas também pela disposição para lidar com melodias bastante amigáveis. Wilson disse em comunicado que considera o Ghost uma das bandas mais exclusivas que existem, e que o grupo se comunica com a música que ele ouvia em sua infância e adolescência. “Sou uma criança dos anos 80, quando vozes altas e guitarras ardentes eram tocadas em todos os bailes, todos os estacionamentos de lanchonetes e todos os dias em minha casa. Ghost tinha a mistura certa de metal, melodia e uma imagem inesquecível. Isso vindo de um cara que colecionava figurinhas do Kiss nos anos 70… então eu reconheço uma boa marca e imagens de rock quando as vejo!”, afirmou.

A versão do Ghost mantém o mesmo clima pop-gótico do original, mas dá a canção um aspecto mais sombrio e meio gospel-satânico, digamos assim. Olha aí como ficou.

E esse é o original. Por sinal, a música já tinha um clipe bem funéreo, digamos assim.

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