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Cultura Pop

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

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Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

A partir do dia 15 de abril de 1993, os fãs de rock alternativo do Rio tinham o que fazer toda quinta-feira 21h: dar uma escutada no Overdrive, programa apresentado pelo radialista José Roberto Mahr na Fluminense FM. Olha aí uma matéria publicada no antigo Zine (caderno “jovem” do Jornal do Brasil) anunciando o programa.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

A atração estreava em terras cariocas, mas não era novidade no dial nacional: já era apresentada em outros estados. E – numa época em que ninguém nem sonhava com a possibilidade de baixar música da internet, nem mesmo havia rede disponível para seres humanos normais – privilegiava material inédito no Brasil, ou gemas fora de catálogo. Grupos como Blur, The Sid Presley Experience (grupo britânico que encerrou atividades nos anos 1980 e deu origem ao The Godfathers), The Jam e The House Of Love viviam aparecendo por lá.

Lembro muito bem de ter escutado isso primeiro no Overdrive: Far gone and out, single de Honey’s dead, disco de 1992 do Jesus & Mary Chain.

Mahr, na época, se desdobrava em dois: fazia o Overdrive e ainda acumulava o Novas Tendências, seu programa carro-chefe. O NT fez inúmeros fãs, foi pioneiro na mistura de rock com música eletrônica, e jogava no ar todo o rock alternativo oitentista desde seu surgimento, em 1986. Por aqueles tempos, era transmitido via satélite pela rede Cidade, simultaneamente para 22 municípios todos os domingos às 22h.

Naquela época, tanto o Zine quanto o Rio Fanzine (do Globo) faziam muitas promoções de discos e livros. Para participar de uma delas, você precisava ser rápido, já que era tudo na base da carta. Os dois suplementos saíam aos domingos, você via qual era a promo da vez, escrevia a cartinha (ou várias cartas, para aumentar as chances) e postava no correio de manhã bem cedo, para ser um dos dez primeiros. E no Zine do dia 15 de agosto de 1993, a promoção era essa aí.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

O Overdrive tinha produzido junto com a Zine e a PolyGram (hoje Universal) uma fitinha restrita a 300 cópias, Drive 93, que era um presente para os fãs da atração. A materinha publicada no Zine privilegiava os nomes mais conhecidos na hora de falar da fita, mas também tinha House of Love, o som alternativo do Eat (banda britânica lançada pelo selo Fiction, que revelou o The Cure), o tom agridoce da banda neozelandesa The Chills, etc. A fita trazia bandas clássicas e mais conhecidas no lado A (lado Over) e novidades no lado B (lado Drive)

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Olha aí as músicas dessas bandas que foram escolhidas para a fitinha. Você esbarrava com várias dessas bandas no Lado B, da MTV.

https://www.youtube.com/watch?v=y7FXEdwbqk0

Teve também o Starclub, banda efêmera (só durou um disco), que teve como baterista Alan White – o mesmo que tocaria no Oasis entre 1995 e 2004.

Teve também o metal do Danzig, com Left hand black.

Born of frustration, do James, virou hitzinho no rádio e teve muita gente achando que aquela banda, de Manchester, era nova. Foi formada no mesmo ano que os Smiths (1982) e já era considerada “a próxima banda de Manchester a estourar no Brasil” desde 1985 (nunca estouraram aqui).

Três coisas que muita gente só achou lá: 1) a releitura do U2 para Paint it black, dos Rolling Stones (que saiu no lado-B do single de Who’s gonna ride your wild horses); 2) o remix de A small victory, do Faith No More, feito por Youth, do Killing Joke; 3); 3) o remix de Regret, hit do New Order, feito pelo duo de house music Fire Island.

Drive 93 marcou época para muita gente, e é uma daquelas mixtapes que não saem da cabeça de muitos fãs de música daquele período. O Mercado Livre já chegou a listar algumas à venda, por preços até um pouco acessíveis – numa época em que não havia culto às fitas K7. Olha a capinha aí.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Bati um papo com José Roberto Mahr – hoje uma das cabeças da webradio Stereozero – e ele relembrou a época da fitinha e do Overdrive. Em meio à conversa, você confere as imagens de capa, contracapa e os encartes da Drive 93, incluindo a relação das músicas.

Quais são suas lembranças do Overdrive?
José Roberto Mahr: O Overdrive foi um programa dedicado ao rock e suas vertentes. Tenho muitas lembranças boas, as reações dos ouvintes e as bandas que tocávamos… Era pura energia!

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Como surgiu a oportunidade de fazer o programa e como, na sua cabeça, ele se diferenciava do Novas Tendências?
Em novembro de 1991, o programa Novas Tendências, passou a ser transmitido via satélite para 22 cidades e cresceu muito. Percebi que deveria abrir uma “outra janela”, então criei um programa dedicado às trilhas do rock, mais alternativo que o NT. Entrou no ar 10/10/1992, em emissoras que tinham o perfil mais adequado para o Overdrive e ficou no ar até 1996.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Na época do Overdrive, você também mantinha o Novas Tendências simultaneamente, não? Como era fazer os dois programas ao mesmo tempo?
Sou apaixonado pelo rádio, por discotecagem e produção de conteúdo de áudio. E como tenho um grande acervo, foi muito tranquilo fazer os dois programas. Sempre quero compartilhar com outras pessoas e ajudar a descobrir novos sons.

O Overdrive passava em outros estados. Onde você gravava?
Gravava aqui no Rio nos estúdios da Rádio Cidade e fazia algumas edições ao vivo no Rio e SP.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Ao fazer o programa, sentia que havia diferenças entre o gosto do público carioca e do paulistano? Procurava atender aos dois públicos?
Apesar de morar no Rio, sempre mantive uma relação muito bacana com São Paulo. Tenho amigos que conheci naquela época e mantenho até hoje. Procuro conversar e trocar informações com os ouvintes, frequentar os locais que tocam música boa e fazer uma pesquisa constante. Então consegui um equilíbrio entre as duas cidades, RJ e SP.

Como surgiu a ideia da fitinha Drive 93?
As promoções são uma extensão dos programas e sempre quero oferecer algo diferente e de qualidade para os ouvintes. E assim nasceu a ideia.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Como foi compilado aquele repertório e como surgiu a ideia de dividir lado A pra coisas mais antigas e lado B pra novidades?
Fiz uma pesquisa no catálogo da gravadora para montar um repertório que refletisse a sonoridade do Overdrive. A seleção e divisão lado A e B, foi montada para que os ouvintes ouvissem os clássicos e as bandas mais novas, numa mesma sequência, assim poderia ter mais destaque e o repertório ficar mais organizado.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Em 1993 já havia CD à disposição no mercado. Por que optou pela fitinha?
Muito mais original, queria fazer um brinde bem especial.

Quantas fitas foram confeccionadas e como foram distribuídas?
Foi uma tiragem pequena de 300 cassetes.

Eu ganhei a minha numa promoção do Jornal do Brasil, fui à redação pegar. Mas ela chegou a outras mãos por outros modos?
Na época fizemos uma promoção com o JB e em várias promoções do Overdrive. A distribuição foi gratuita.

Recordando (e ouvindo!) a fitinha Drive 93, de José Roberto Mahr

Das bandas que existem no lado B, qual você se orgulha mais de ter colocado lá?
The Chills e The House of Love.

E qual você lamenta mais que as pessoas tenham ouvido pouco? (eu particularmente fiquei muito fã de The Chills e Starclub, que já conhecia do programa – comprei até os CDs com aquelas músicas).
The Chills.

Alguma raridade do lado A te deixou particularmente mais feliz por ter entrado na fita?
O lado “A” tem valor diferente, pois não tem os singles mais óbvios das bandas e foi muito demorado liberação. O cover de Paint it black, The Velvet Underground, são alguns exemplos de autorizações que foram bem difíceis na época.

Como foi feita aquela foto da capa e quem é aquela criança?
O garoto da capa é o Pedro, filho de um amigo chamado Edson, que na época trabalhava na promoção da Rádio Cidade. Queria uma capa diferente e alternativa. Tive a ideia em casa. Levei uma camisa do The Cure e como eu não queria que ele olhasse para a câmera eu tirei os meus sapatos e coloquei na frente dele, que estava descalço. Aproveitamos a deixa e a foto foi feita.

E como você tá vendo o revival das fitas?
Eu acho ótimo este revival, é um formato muito bacana. Normalmente tem faixas extras diferentes das versões dos CDs e vinis. Sempre ouço as fitinhas cassetes… São eternas!

“Nunca ouvi essa fita na vida. Acho que vou lá pegar todas as músicas nas plataformas de streaming”, você deve estar dizendo. Bom, o POP FANTASMA não tem fitinha pra dar de brinde, mas eu digitalizei minha cópia da Drive 93 e joguei no MixCloud, na íntegra. Esse som que você ouve aí é o de um K7 digitalizado, não substituí nenhuma música. De nada!

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Relembrando: Beck, “Stereopathetic soulmanure” (1994)

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Relembrando: Beck, "Stereopathetic soulmanure" (1994)

Havia uma certa confusão, durante um tempo nos anos 1990, sobre se Stereopathetic soulmanure (22 de fevereiro de 1994) era o segundo ou o terceiro álbum de Beck – ele foi lançado com uma semana de diferença para Mellow gold, primeiro disco “grande” do cantor, que estourou hits como Loser, o que causava certa confusão para alguns fãs.

Essa própria entrevista do artista à Rolling Stone, publicada após o álbum Odelay (1996) faz uma salada com os discos indies de Beck – e o cantor prosseguiu fazendo álbuns independentes mesmo contratado pela Geffen. Bom, Soulmanure é sim o segundo disco do artista norte-americano, mas soa como uma mixtape ou uma demo esticada até o limite.

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A fórmula de Beck em Mellow, unindo psicodelia, rock, tons country e barulheiras (como Motherfucker e a vinheta final Analog odyssey) aparece em seu esqueleto no álbum anterior, em faixas como a ruidosa Pink noise (Rock me Amadeus) e a quase grunge Thunder peel. Com 27 faixas em 60 minutos, o disco é rock independente de baixa fidelidade, realizado em estúdio caseiro, com tapes manipulados e gravações feitas ao ar livre (quase à moda do Araçá azul, de Caetano Veloso, o que explica o interesse que o baiano e o norte-americano passaram a alimentar pela música um do outro).

Stereopathetic soulmanure é bem mais cheio de ganchos do que se esperaria no caso de um álbum tão experimental – afinal, na prática, é uma mixtape que usa formatos como o country, o blues e a música tocada nas ruas. É o que surge em Rowboat, na releitura de Waitin’ for a train, do “pai do country” Jimmie Rodgers, no blues tocado na gaita de One foot in the grave (assistido, ao vivo, por uma plateia que se diverte bastante com a letra), no country fora da lei de Satan gave me a taco, e no banjo + percussão maníacos de Today has been a fucked up day, uma faixa que soa como se o ouvinte entrasse na casa de algum vizinho e flagrasse alguém cantando e tocando para si próprio numa garagem.

Puttin’ it down, tocada no violão por Beck, consegue simultaneamente lembrar Kinks, Nirvana (ate por causa dos vocais de Beck) e o estilo de composição de John Phillips (The Mamas & The Papas). Cut 1/2 blues é o lado blues bêbado do disco. Ozzy, provavelmente gravada numa festa, acaba sendo o registro mais bem acabado do disco – e é só uma canção bobinha que tira uma onda do veterano cantor de metal. Tasergun parece um lado Z do começo da carreira do Soundgarden ou do Nirvana. No final, os onze minutos de sons colados, fitas ao contrário, ruídos, gritos, conversas e ecos de Salmonella shizergeist (Utopia).

O Beck de Stereopathetic soulmanure ainda era um artista para ser ouvido por poucas pessoas, e que não tocaria no rádio. Muito embora a raiz do que daria certo em álbuns como Mellow gold e Odelay já estivesse lá.

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Relembrando: Alexander ‘Skip’ Spence, “Oar” (1969)

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Relembrando: Alexander 'Skip' Spence, "Oar" (1969)

Qualquer artista que um dia decidiu gravar um disco inteiro sozinho, focando em minimalismo, em canções entre o folk e o rock, e em sonoridade lo-fi, deve muito a Oar (19 de maio de 1969). É o único disco solo lançado por Alexander “Skip” Spence, um ex-baterista do Jefferson Airplane que se tornou mais célebre como guitarrista e co-fundador do Moby Grape. Skip registrou o disco inteiro sozinho, tocando guitarra, violão, baixo e bateria. E o que torna a audição mais instigante é tentar imaginar em que condições um álbum daqueles foi feito.

O Moby Grape iniciou como um prodígio da psicodelia californiana, cuja carreira acabou prejudicada pela tendência ao desregramento. Seja na hora de ler contratos (tiveram uma briga judicial com o primeiro empresário, Matthew Katz, que se arrastou por vários anos, e que envolvia o nome e o catálogo do grupo), seja no excesso de substâncias ilícitas. Que custaram a sanidade justamente de Spence.

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Drogadaço, o guitarrista começou a fugir das turnês e a se tornar uma figura cada vez mais inacessível para seus próprios colegas. Até que deu um susto de verdade no guitarrista Jerry Miller, arrombando a porta do seu quarto de hotel com um machado de incêndio, durante uma passagem por Nova York para gravar o segundo disco. Peter Lewis, o terceiro guitarrista da banda, se recorda de que era uma época tensa para todo mundo da banda. E que Skip, após conhecer uma certa “bruxa” que lhe convenceu de que os outros integrantes do grupo eram o anticristo, queria mesmo era assassinar o baterista Don Stevenson a machadadas.

Spence, claro, não matou ninguém. Mas sua presença era insustentável na banda. Foi expulso, condenado, preso (na superlotada Casa de Detenção de Manhattan, cujos prédios eram popularmente conhecidos como “as catacumbas”), diagnosticado com esquizofrenia e internado num hospital psiquiátrico. Sua carreira só não terminou naquele momento porque o produtor do Moby Grape, David Rubinson, decidiu ajudar o músico. E o orientou a gravar uma fita demo no estúdio da Columbia em Nashville.

A tal demo, produzida pelo próprio Spence com o auxílio dos técnicos de gravação Mike Figlio e Charlie Bradley, e dos engenheiros de mixagem Don Meehan e Fred Catero, viraria Oar, o disco. Rubinson orientou Figlio – que estava morrendo de medo de Skip – a deixar fitas rodando no estúdio o tempo todo (“se ele ficar em silêncio por 20 minutos, grave mesmo assim”, contou) e a fazer o que o cantor pedisse. O disco ficou pronto em três semanas.

Oar era um álbum basicamente angustiado, de tom quase sobrenatural, girando em torno do country e do rock, com o repertório composto por Skip durante sua internação num hospital em Nova York. Durante todo o disco, a voz de Spence varia do grave ao espécie de lamento agudo. As canções mais certinhas do disco chegam perto do country marginal e estradeiro, como em Cripple creek (que fala sobre os devaneios de um “aleijado em seu leito de morte”), na balada romântica Diana, na tristonha Weighted down (The prison song), ou na desolada Broken heart, quase sempre investindo em temas como solidão e desesperança.

War in peace, com psicodelia garantida pelo eco nos vocais, e pelos demais efeitos de gravação, é quase um shoegaze discreto. Lawrence of euphoria é uma das raras canções de Oar mais diretamente ligadas ao rock dos anos 1960, lembrando um cruzamento de Kinks e Pink Floyd. O country-blues Books of Moses une citações da Bíblia, barulhos de chuva e de marteladas. A abertura com Little hands trazia um pouco de esperança, com uma melodia feliz contrastando com a tristeza dos vocais de Spence, e a lembrança, na letra, de “um mundo sem dor para todos”. No fim do disco, efeitos de phaser na bateria e na percussão, e riffs simples de baixo, sem guitarra, marcam os quase dez minutos da viajante Grey/Afro.

A Columbia não fez nada para divulgar Oar – o disco por pouco não foi engavetado e só foi lançado alguns meses depois de gravado, após vários pedidos de Rubinson. Skip se tornou uma figura sombria, vagando entre dependência de drogas e internações, mas chegou até mesmo a voltar para o Moby Grape em algumas ocasiões. Saiu de cena em 16 de abril de 1999, justamente quando Oar era revivido no álbum More Oar: A tribute to the Skip Spence Album, com artistas como Robert Plant, Mark Lanegan, Alejandro Escovedo, Tom Waits e Beck recordando as faixas do único disco de Spence. Relançamentos como o turbinado box AndOarAgain (2018) foram revelando faixas bônus e um lado ainda mais experimental do álbum, que ainda permanece como um tesouro escondido para muita gente.

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New Sincerity: aquele movimento do rock que pouca gente conhece

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Tem exposição do Daniel Johnston vindo aí

Muita gente provavelmente nem se deu conta, mas perdido em meio a sonoridades como a new wave e o power pop dos anos 1980, surgiu um movimento do rock até hoje pouco comentado: a new sincerity. A “nova sinceridade” era um termo basicamente ligado à música feita em Austin, no Texas, numa época em que o som feito na região, pelo menos levando em conta o que tocava no rádio e realmente vendia discos, era um rock clássico e mais ligado ao blues, ou ao country (não custa lembrar que o Texas, terra de Willie Nelson e Kenny Rogers, bate cabeça com Nashville na primazia do estilo musical).

As bandas dessa turma, na verdade, eram mais chegadas a um power pop, ou a uma mescla de sons que invariavelmente batia em bandas como The Byrds, e em artistas como o orgulho psicodélico local Roky Erickson – além da própria melancolia do country. E basicamente eram artistas que não tinham medo de parecerem emocionados ou (enfim) sinceros demais. Uma das bandas mais conhecidas do estilo musical, The Reivers, fez um sucessinho moderado com Almost home – basicamente um pós-punk com cara country, cuja letra falava sobre um rapaz que estava dirigindo, morria de saudades da namorada e lembrava dela quando uma música tocava. Essa canção saiu em 1989 no terceiro álbum da banda, End of the day.

Mais sincero (e emocionado ao extremo) impossível, claro. Essa receita deu certo pros Reivers, que são considerados até hoje um tesouro escondido do rock norte-americano (a banda acabou em 2017). Uma banda que também se destacou por lá e é associada ao estilo traz a “nova sinceridade” até no nome: são os True Believers, grupo que existiu de 1982 a 1987 e que era liderado pelos irmãos Alejandro e Javier Escovedo. O primeiro iniciaria carreira solo em 1992, na onda do indie-country-rock, e grava até hoje.

O nome new sincerity já vinha de muito tempo antes e não era usado apenas na música: críticos de cinema incluem filmes cheios de “pureza” como Campo dos sonhos (1989) ou o recente A vida secreta de Walter Mitty (2013) no meio do bolo. Eram projetos culturais que, de modo geral, mexiam com emoções pouco registradas em música, livro ou filme, em meio à obsessão da cultura norte-americana com heróis – e que pouco tinham a ver com o cinismo que o punk havia transformado em matéria-prima. Dez entre dez artistas da turma referiam-se a R.E.M., banda de Athens, na Georgia, com muito respeito – e vá lá, sempre foi uma banda bastante sincera ao abordar sentimentos e porradas da vida.

O rótulo aborrecia várias bandas da região. O Doctors Mob, grupo que é tido por muita gente como a resposta local aos Replacements, não podia nem ouvir falar em “nova sinceridade”. “Nós não criamos uma ‘nova sinceridade’, essa etiqueta foi inventada por alguém que pensava que qualquer banda com jeans rasgados e camisas para fora da calça se enquadrava na mesma categoria”, contou aqui o guitarrista e vocalista Don Lamb, deixando claro que o grupo foi ajudado pela sua visão ecumênica do rock, ainda que não tenha feito muito sucesso. “Todos nós queríamos que a banda fosse divertida, e foi na maior parte. Todos queríamos que as pessoas que vinham nos ver se divertissem conosco, e foi o que aconteceu na maior parte do tempo”.

Um dos artistas mais ilustres a serem rotulados com o nome new sincerity foi também um dos mais polêmicos. Artista visual, músico, funcionário de um fast-food e e ex-interno de instituições psiquiátricas, Daniel Johnston (1961-2019) chamou a atenção em Austin nos anos 1990. Era um artista bem produtivo e adepto extremado do do it yourself: desde 1981 gravava suas demos em casa, usando um gravador de fita-cassete, tocando todos os instrumentos e fazendo todos os vocais. E distribuía as fitinhas a quem encontrasse. Anos depois, Daniel diria, em entrevista ao documentário Cassette – A documentary mixtape, que mal teria iniciado uma carreira na música sem a acessibilidade do K7. “Eu estaria num sanatório se não fossem as fitas”, disse.

Nos anos 1990, você deve saber, Daniel teve sua obra divulgada por Kurt Cobain (Nirvana), que usou uma camiseta com a capa de uma fitinha sua, Hi, how are you (1983). Acabou virando aposta de gravadora: numa época em que tinha acabado de sair de uma internação e estava bastante fragilizado, foi contratado pela Atlantic e gravou o confuso álbum Fun (1994). O disco, que somado às fitas K7 e aos primeiros álbuns, era o décimo-quarto registro do artista, tinha até participação de músicos de orquestra, e tentava apresentar o som totalmente livre de Daniel para um público maior. Não deu certo: o álbum vendeu menos de seis mil cópias e o cantor foi saído do selo.

Uma reportagem publicada pela revista Spin em 1986 (o texto pode ser lido aqui) dá conta do quanto Johnston era encarado com desprezo, preconceito e capacitismo por vários fãs da cena. O músico fazia shows urgentes em que apresentava poucas músicas e não voltava de jeito algum para o bis – e havia discussões sobre se ele realmente era um gênio ou se era um delírio coletivo.

A dedicação de Johnston, naquele momento, teve frutos: enquanto ainda limpava chapas e fazia sanduíches, chegou a aparecer na MTV, e seu hábito de entregar fitas a qualquer pessoa que visse, sem nem aceitar dinheiro pelas demos, fez seu nome rodar bastante. Em 1985, já havia tocado no “festival de música perturbadora” Woodshock, ali  mesmo em Austin, no Texas, cuja edição daquele ano foi uma espécie de alto-falante para os artistas da new sincerity. O movimento – se é que realmente houve algum – durou pouco, mas o nome volta toda vez que algum artista “sincero” (tipo Nirvana e Arcade Fire) surge e lança disco.

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